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2 de marzo de 2015

FOTOS: Helker @ Teatro Vorterix [28.02.2015]

Helker volvió al Teatro Vorterix y adelantó canciones de su próximo disco.

El quinteto de heavy metal formado por Diego Valdez, Leo Aristu, Christian Abarca, Mariano Rios y Hernán Coronel, una de las bandas con mayor proyección nacional e internacional de la escena argentina pasó una vez más por el escenarios que, de ser un sueño, pasó a ser una segunda casa.

Con 3 discos de estudio, y uno editado incluso en inglés por el sello europeo AFM, el grupo recorrió algunos de sus clásicos y presentó canciones que formarán parte de su próximo material.




 


20 de noviembre de 2013

Giardino: “Si hubiésemos dependido de los medios estaríamos enterrados y olvidados”

Por Víctor Spinelli, para Rock.com.ar

En el marco de su gira 25 Aniversario, Rata Blanca vuelve a Capital Federal para dar un cierre simbólico a un festejo que los llevó por todo el país y resto de Latinoamérica.


A días de la presentación en el Teatro Opera, Rock.com.ar charló con Walter Giardino, guitarrista y líder de una de las bandas más importantes y criticadas de la escena metalera local.

Giardino es terminante: siempre supo que Rata Blanca llegaría lejos. Pero también es consciente: “es un milagro que una banda llegue tan lejos. Por la cantidad de factores que hay dentro de la vida de un grupo, que eso dure tanto es increíble.”

Pero te ibas a Europa. ¿Por qué decidiste quedarte?

Después de tantas bandas, de haber estado en las calles tocando, después de V8, entendí cómo tenía que hacer las cosas para que funcionaran y empezamos a trabajar para que ya el primer show marcara una diferencia. Un teatro, buena escenografía, buen sonido, buenas luces. Tuvo un impacto muy fuerte en un mercado que ya no creía en el metal.

Sigue siendo un mercado difícil.

No, los difíciles somos nosotros. Afuera Rata es considerada quizás la mejor banda de rock metálico en español, acá muchos se resisten a creerlo. Si hubiésemos nacido en otro país de Latinoamérica nuestra carrera hubiese sido más grande porque tendríamos el apoyo que falta acá.

¿Por qué pasa eso?

Hay muchos complejos que dificultan el desarrollo local: qué está bien o mal, inseguridades. Es ridículo porque al fin y al cabo lo que importa es lo buena o mala que es una banda. Imaginate que el último gurú del metal es Beto Casella, que impulsó la carrera de Iorio en los medios, y a nosotros nos criticaban por ir a un programa dónde fuimos a tocar, no a hablar incoherencias. Hay artistas que tienen presencia mediática porque saben cómo explotar la estupidez general. Nosotros no sabemos, estamos en otra, tocar bien y dejar un legado serio. Eso nos trajo hasta acá, si hubiésemos dependido de los medios estaríamos enterrados y olvidados.

¿Qué aportó Rata a la escena?

Buenas canciones. No inventamos nada, los que creen que uno debe inventar algo están equivocados. Guns N’ Roses siguió el camino de Led Zeppelin, Rata hizo lo suyo con Deep Purple, fue nuestra estrella insignia. Muchos hablan de copias, pero la copia suena igual y nosotros no sonamos igual, no creo que se pueda, ni lo intentamos. Tenemos mucha música diferente, somos una banda de rock metálico, hacemos muchas cosas. La música no miente, las letras si. Las parábolas, las poesías enroscadas te pueden confundir, la música no, te hace sentir algo. Rata se basó en eso, por eso hay pibes que se emocionan con una música grabada cuando no habían nacido, la escuchan y sienten la misma energía.

¿Hay alguna de esas músicas que defina a la banda?

No, es toda junta. Ojalá podamos lograr un disco definitivo que nos identifique en todo aspecto, pero es muy difícil. Rata en cierta forma tiene su universalidad, por eso somos una banda internacional respetada. Muchos tienen que conformarse con ser admirados, comprendidos y escuchados en su país y cuando cruzan la frontera la gente no entiende nada, porque hay una cuestión ideológica que en Argentina se usa mucho, la camiseta, la bandera, y cuando vas a tocar a otros escenarios lo único que entiende la gente es cómo tocás. Quizás nos faltó cantar en inglés, para llegar a otros mercados. Una vez tocamos con Offspring, les encantó Rata Blanca, Noodles me decía que si cantáramos en inglés, nos llevaban de gira con ellos.

¿Cómo ves la escena metalera nacional actual?

Me preocupa la escena en general. Las bandas más convocantes musicalmente son normales, no hay bandas buenas, que suenen fuerte, bien y emocionen. Son estándar, muy de barrio. El metal y rock deberían sacarse los complejos: cada uno tiene su expresión y sería importante respetarlas. Es uno de los grandes problemas que tenemos, ver lo malo del otro, sobre todo en los que logran cosas. Desde que Rata empezó a vender discos, a meter miles de personas, hubo un ataque injusto y estúpido hacia nosotros. Afuera es al revés: primero el respeto, si la pegaron, tocan bien, venden discos ¿cuál es el problema? ¡que yo no estoy ahí! La puta mentalidad argentina que nos tenemos que sacar y aceptar quiénes son buenos, quiénes no y que cada uno ocupe su lugar. Guns N’ Roses es Guns N’ Roses, Maiden es Maiden, y Zeppelin y Purple están arriba con Dios (risas) por lo que tocan. Si querés otra cosa, hacela. Tenés que colgarte la guitarra, tocar hasta que suene espectacular. Acá parecemos colegialas histéricas más que heavy metal.



¿Cómo fue volver a un festival local de metal?

Tengo que agradecer el respecto con el que se nos trató. Somos conscientes de que para el heavy metal tenemos músicas que pueden no gustar, pero es nuestra historia, porque a nosotros nos gustan muchas cosas. Ahora, cuando tocamos heavy metal es en serio y el que escucha tiene que callarse y escuchar. Encontré respeto, y lo agradezco públicamente porque me hizo sentir que las cosas van quedando. El público del metal argentino es el mejor del país, veo cómo se comporta y me siento feliz, porque trabajamos mucho para esto. El heavy venía de una película que lo hundió y nosotros tratamos de ordenar eso. Cuando empezamos a vender discos y llenar estadios, empezaron a traer a Maiden y se llenaron de oro. Antes traían a Prince.

Estuvo Beto (Zamarbide) invitado a tocar algo de V8, y también lo invitamos a Ricardo, dicen que nunca se enteró, otros que si, estaría bueno saberlo. Lo importante es que se piense con sentido común, no quiero la ignorancia al frente, gente hablando y haciendo estupideces. Estamos tocando tanto como en los 90s, para pibes de 14 o 15 años. A las generaciones nuevas no les importa si tocamos en Tinelli o en la bailanta. En este país hay muchos que no saben lo que dicen y eso hace mucho daño a los nuevos, que no saben de dónde agarrarse.

¿Qué consejo le darías a los nuevos?

Que no tengan miedo, el miedo paraliza y es una mentira. Sean auténticos, amen lo que hacen, juéguense, no hay otra fórmula. El éxito es una consecuencia, el fin es hacer buena música, que alguna canción tuya quede y alguien se acuerde de vos. Si el éxito viene tenés que estar preparado porque si no sigue de largo. Los chicos empiezan con la ilusión de ser famosos – la tuvimos todos -, pero la fantasía la vas cumpliendo con un trabajo paciente en la realidad, levantarte día a día, tocar. No existe el “qué bien que toco” en YouTube sentado en la punta de la cama, el rock otra cosa: tocar, parado y con la guitarra colgando y gente que puede quererte o no. Hoy hay más posibilidades y menos ideas. Las canciones de Purple las sacaba del disco, con imaginación, tuvimos que generara espacios, correr de la policía y los milicos. Hoy tienen todo, si no funciona es porque a los pibes les falta lo más importante: el amor a la música.

¿Qué todo sea más accesible no achancha?

Son otras épocas, lo virtual aplastó mucho a lo real. Antes salíamos a la calle a vivir, hoy podés pasar toda la vida frente a la computadora. Yo tocaba, iba a jugar al fútbol, salía a buscar novia (risas). Fui muy bohemio, callejero, de buscar, conocer gente, equivocarme, ir preso, pelearme, emborracharme (risas), todo lo que hace un tipo que quiere ser rockero. Nos extraviamos, un poco por nosotros, un poco por el entorno de la música que a veces creen ser más músicos que uno, y un empresario se vuelve más importante que el músico sin darse cuenta de que sin músicos no sería millonario. El primer eslabón de la música es el músico, sino no hay nada. Eso se desvirtuó, quizás porque el metal y el rock no benefician a los Estados, les conviene más tener gente mansa bailando reggaetón que gente pensando. Todos creen que en el metal son todos débiles mentales, pero hoy son los que más piensan. Yo toqué para Madres de Plaza de Mayo en el 82′ y no vi a ninguno de los antisistema de hoy. Eramos 4 o 5 artistas y ellas, juntando plata para que fuesen a Europa a denunciar los desaparecidos. Acá hay muchos vendiendo humo, y es complicado porque ocupan lugares importantes. Yo creía que Tinelli era un showman como Ed Sullivan, donde iban los Beatles, los Doors, un show popular. Era ir a tocar y abrir cabezas, nos estaban mirando millones. Nunca pensé que iba a degenerarse tanto a nivel cultural.

Hay artistas que eran contestatarios y hoy sostienen el Statu Quo.

No me banco ese doble discurso, que en Argentina da un resultado bárbaro porque lo que menos tenemos es memoria. Nos critican a nosotros por haber tocado en Tinelli, pero Pappo también tocó ahí, y no sólo eso: ¡hizo una novela! ¿voy a juzgarlo por eso? ¡Pappo ya era una estrella de rock cuando yo era un nene, uno de los mejores guitarristas del país! Hay artistas que actúan personajes más simpáticos. Yo no soy simpático (risas), soy músico, no un personaje, intento que la música tape eso, que sea más importante que lo que digo, cómo me visto o vivo. Me importa lo que siente la gente cuando toco. Lo demás es desechable.


De gira: 25 Años de Rata Blanca

¿Cómo están viviendo la gira?

Contentísimos, desde los 90s no vivíamos algo así, metemos más gente que antes. Entiendan que meter cientos de miles de personas también se puede hacer en diferentes escenarios, pero en Argentina sólo vale si metés 100 mil personas juntas. Estamos tocando por Latinoamérica, Perú, Chile, venimos de Colombia, vamos a México. Además estamos tocando en toda la Argentina, algo que no hacíamos hacía mucho y me encanta. Los recibimientos son increíbles, los chicos lloran, se abrazan. Ves eso y te agarra un amor, el corazón se te sale.

¿Cómo fue el reencuentro con los músicos originales de la banda?

Muy lindo. Nunca dejamos de apreciarnos, fue un encuentro muy emotivo, ellos estuvieron en la primera hora, luchamos y sangramos juntos.

Cuando en el Vorterix aparecieron Gustavo, Sergio y Saúl el lugar se derrumbaba.

Se derrumbaba. No se anunció, no quería especular y no quería dejarlos fuera del festejo. Saúl grabó el primer disco con nosotros, con su diferencia generacional que marcó las dificultades de antes y después del disco, y con Gustavo y Sergio vivimos muchas cosas. Los resultados musicales, en esos casos, son relativos. Fueron buenos, pero comparados con la formación actual puede sonar un poco más disperso.

28 y 29 de Noviembre la siguen en el Teatro Opera.

Seguimos recreando las formaciones originales presentando discos específicos: Guerrero del Arco Iris, El Camino del Fuego y La Llave de la Puerta Secreta. Es como presentar conciertos de la música clásica, que vos sabías qué ibas a ver. El 28, Guerrero del Arco Iris, con Gustavo Rowek y Sergio Berdichevsky, y luego la formación actual hace ‘El Camino del Fuego’ y algunos temas más. El 29 lo mismo, pero la segunda parte será La Llave de la Puerta Secreta.

¿Hay planes para nuevo material?

Cada vez toman más forma. Estamos buscando aliados que piensen, crean y quieran lo mismo que nosotros. Cuesta, venimos de cambios internos fuertes y ahora tenemos ideas más claras. Queremos dirigirnos a donde queremos, no sólo a donde se pueda. Todos te aconsejan sacar discos para no desaparecer del mercado, pero Rata demostró que no es así. Hay bandas muy buenas que están grabando discos de más. Los discos son muy importantes para el músico como para andar grabando por cuestiones de mercado. Yo grabo discos por una cuestión artística, no para sonar en la radio con canciones que no son todo lo lindas que pueden ser.

Rata Blanca se estará presentando los días 28 y 29 de Noviembre en el Teatro Opera (Av. Corrientes 860, CABA)

Fuente: Rock.com.ar

20 de septiembre de 2013

Meshuggah, por primera vez en Buenos Aires!

La banda sueca del metal extremo llega a Buenos Aires por primera vez en el marco del Orphidian Trek Tour 2013!


14 DE NOVIEMBRE, en Groove (Av. de Santa Fe 4389, CABA)

Meshuggah se formó en Umea, Suecia, en 1987, y desde su nacimiento ha editado 8 álbumes de estudio, comenzando con "Contradictions Collapse" lanzado en 1991. Sin embargo, fue con "Destroy Erase Improve", de 1995, que el grupo comenzó a ganar fama. Ya desde la publicación de "Nothing" (2002), cada uno de sus trabajos - incluído "Koloss", el más reciente - ha conseguido entrar en la lista del Billboard 200.

La alineacion actual de Meshuggah cuenta con el vocalista y fundador Jens Kidman, al guitarrista Fredrik Thordendal, el baterista Tomas Haake, el bajista Dick Lövgren y Mårten Hagström en guitarra rítmica.

Entradas Anticipadas por Sistema Ticketek, llamando al 5237-7200 o vía web ingresando a www.ticketek.com.ar 

También conseguilas sin Service Charge en: LOCURAS: ONCE Av. Rivadavia 2734, Once | MORON Rivadavia 18.050, Moron | FLORES Rivadavia 7308, Flores | BELGRANO Av. Monroe 2483 | Sheena Is, Santa Fe 1670, Loc 38 - Galería Bond Street | La Estaka Peatonal Rivadavia 334 Local 20. Quilmes | La Cueva Peatonal 9 de Julio 1250 Loc.7 | La Esquina Belgrano 504, San Miguel

19 de junio de 2013

Halestorm & Adrenaline Mob arrasaron en Flores

Por Víctor Spinelli, para Rock.com.ar

Dos de las bandas más importantes del presente rockero no-mainstream internacional, se presentaron – ambas por primera vez en nuestro país – el pasado sábado 15 de Junio en el Teatro de Flores.

Lzzy Hale, Halestorm. Foto: Víctor Spinelli | www.rockenfotos.com.ar

Una juntada al menos extraña. Mientras que Halestorm surfea con naturalidad por ritmos rockeros, si, enérgicos y por momentos ‘pesados’, pero decididamente más cerca del punk moderno que del heavy metal, el súper grupo puesto en forma por el ex baterista de Dream Theater, pisa fuerte con una propuesta francamente metalera ¿Qué nos deparaba entonces el destino, en esta esperada noche de Junio?

Calentando motores.

Minutos después de las 19, ante una respetable muchedumbre a pesar de la hora, el reconocido cuarteto de metal progresivo de zona oeste, Presto Vivace, haría las veces de opening act aprovechando para adelantar material de su próximo disco. Con formación renovada – y la necesaria vuelta del entrañable vocalista Gabriel Chaperón -, el proyecto del virtuoso bajista Marcelo Pérez Schneider, completado Pablo Hernán en guitarras y Rodrigo Fiori en batería, dio cátedra con un arrollador set de 3 piezas con las que, a pesar de la escasez numérica, sobrevolaron los 30 minutos de show: la nueva ‘Cada Emoción’, la clásica y genial marca registrada ‘La Dictadura de las Máquinas’, y una más de la próxima placa: ‘Corazones iluminando’. A juzgar por las reacciones, Presto se ganó varios nuevos fans.

Alrededor de las 20 llegaría Cruel, el quinteto rockero alternativo fronteado por Guadalupe Molina en voces, y secundado por Carlos Carrillo y Germán Petronio en guitarras, Matías Panisello en bajo y simplemente ‘Germis’ en batería. Enérgicas, crudas, sonaron ’Reason to Live’, ‘Spark’, ‘You Don’t know’, el clásico de Skid Row ‘Monkey Business’, ‘Freedom’, y el primer corte de difusión de la banda, ‘Everything’.

Adrenaline Mob: la pandilla hace las reglas.

Pasadas las 21, y entre impacientes y joviales cánticos (“Ponelo a Portnoy la puta que los pario, ponelo a Portnoy…”), la sala quedaría nuevamente a oscuras para ofrecer el primer plato fuerte – me adelanto: el más fuerte – de la noche.

Con el clásico de Johnny Cash ‘God’s Gonna Cut You Down’ de fondo, John Moyer (Disturbed), Mike Orlando (Sonic Stomp) y los largamente vitoreados Russell Allen (Symphony X) y Mike Portnoy (The Winery Dogs, Flying Colors, ex Dream Theater), tomarían posición: Adrenaline Mob – AMob -, la pandilla, había llegado a la cuadra.

‘Psychosane’, ‘Feelin Me’ y ‘Down To The Floor’ sería la explosiva y metalera terna elegida para iniciar un show que, durante alrededor de una hora, mantendría a los fieles en un metafórico borde del asiento. Ahí nomás bajarían las revoluciones con la casi balada, ‘Angel Sky’, para volver a levantar con dos de alto impacto: el single ‘Indifferent’ y luego ‘Believe Me’.


El show, de por si emotivo dado que, finalizada la gira el baterista y experto armador de súper grupos Mike Portnoy dejaría la banda, se volvió aun más sentimental cuando se anunciara la canción que venía: escrita por el vocalista y Mike Orlando, hace referencia a la pelea de la mismísima hija de Allen contra el autismo: “1 de cada 4 niños en EEUU sufren de autismo”, informó el corpulento cantante, “esta canción la escribí como padre de familia, y como esposo, para concientizar”: la preciosa melodía de ‘All On The Line’, e infinitos aplausos y ovaciones para una interpretación impecable, profundamente sentida. Lo sabemos: cuando la buena música hace equipo con las más nobles emociones, la fórmula es infalible.

La presentación de AMob no defraudaba. No podría hacerlo, aunque quisieran: Mike Portnoy, bien conocido por su virtuosismo instrumental pero también por su calidad de showman, manifiestamente feliz y más afilado que nunca, con cada golpe ganaba un fan. Allen, inoxidable, transmitía el mensaje con una claridad poca antes vista. La contundente base en el bajo de John Moyer y la vertiente rítmica del desbocado e inquieto Mike Orlando, a la que se sumarían sus intrépidos sólos pintaba un cuadro difícilmente reproducible. Todo estaba en su lugar, y el momento era inapelable.
Mike Portnoy, Adrenaline Mob.
Foto: Víctor Spinelli | www.rockenfotos.com.ar
En este clima llegarían las últimas: digna de los grandes del heavy metal, ‘Hit The Wall’ recalentaría el ambiente para una inesperada ygritonamente recibida sorpresa: la particular interpretación del cover ‘Come Undone’, de Duran Duran contaría, como en el disco, con la participación de Lzzy Hale. A pesar de los problemas de micrófono primero y, seamos sinceros, algunos problemas de afinación por parte de la dama, después, la audiencia quedaría francamente satisfecha y preparadísima para los dos que sellarían el demoledor concierto a fuego: ‘Undaunted’ y el cover que hace alrededor de 2 años atrás fuese algo así como la presentación de la banda al mundo y luego, hace escasos meses, formaría parte de Coverta, segunda incursión larga duración de la banda: ‘The Mob Rules’, de los reunidos Black Sabbath.

Entonces, con la música original de El Padrino como cortina, Adrenaline Mob dejaría en el escenario, sobre todo, un desafío. Difícil misión la que le tocaría a Halestorm luego de semejante terremoto.

Halestorm: una cuestión de sangre.

El cuarteto fundado por los hermanos Elizabeth ‘Lzzy’ y Arejay Hale (Hale + Storm), y completado por Joe Hottinger y Josh Smith llegó al escenario pasadas las 22, con una misión comprometedora: superar – o al menos mantener – el ambiente que AMob dejara tras su arrasador show. No es broma: apenas finalizado el concierto de Portnoy y amigos, importantes porciones de público habían dejado el recinto, conformes al obtener lo que habían ido a buscar.

Pero si hay algo que a Halestorm no le falta, es actitud. Apenas transcurridos unos minutos, los 4 rompían nuevamente el murmullo de los charlatanes seguidores con dos de las más pesadas del set: ‘Love Bites (So Do I)’ e ‘It’s Not You’. Un peligroso resbalón en medio de la locura de ‘Freak Like Me’ hizo dudar, erróneamente, del temple de Lzzy para seguir adelante con la misma energía que había arrancado. Boba y maliciosa duda, desarmada al instante por la incansable y jovial cantante que, sin inmutarse, ya de pie y sin saltear un sólo compás siguió adelante como si nada.



Redoblando la apuesta, el show seguiría por caminos pesados: ‘You Call Me A Bitch Like It’s A Bad Thing’ y ‘Dirty Work’ llegarían como preludio de la sección más melódica de la noche: ‘Innocence’, la más movida ‘Rock Show’, y volviendo a bajar ‘Break In’ y ‘Familiar Taste Of Poison’.

Acto seguido, el artificialmente pelirrojo Arejay Hale, a solas con su instrumento, deleitaría con una demostración de virtuosismo baterístico sin destino musical alguno pero técnicamente inmaculado, y con un acertado toque de humor al cerrarlo utilizando dos palillos realmente gigantezcos.
Con todos de vuelta, sonarían dos de corte metalero, un cover, ‘Straight Through The Heart’ (Dio) y ‘Daughters of Darkness’. Finalmente, dos más rockeros: ‘Mz. Hyde’ y ‘I Get Off’ cerrarían parcialmente el encuentro, dejando el escenario desierto. De vuelta, aun quedaban 2: la balada ‘Here’s To Us’, y el fin con un hit inevitable: ‘I Miss The Misery’.

Halestorm. Foto: Víctor Spinelli | www.rockenfotos.com.ar
Halestorm dio un show correcto, potente, hizo muy bien todo lo que fue a hacer, dejando a su público más que satisfecho. AMob eclipsó por su potencia e intensidad. Es lógico: no se puede esperar otra cosa de semejante combo de consagrados.

Pero queda dando vueltas la idea: ¿No hubiese sido más acertado un cartel con Portnoy y Allen a la cabeza?

Fuente: www.rock.com.ar

11 de junio de 2013

Atzmus en el Roxy Live: volver a la esencia

Por Víctor Spinelli, para Rock.com.ar

El cuarteto se presentó nuevamente en el reducto palermitano, esta vez para presentar su disco más reciente: ‘No hay mundo sin amor’.

Atzmus. Foto: Víctor Spinelli | www.rockenfotos.com.ar

Dios trabaja de maneras misteriosas, suele decirse, y es probable que la Fé sea uno de los misterios más difíciles de descifrar. Quizás – sólo quizás -, la mejor manera de comprender el fenómeno sea centrándose en el mensaje y no en el concepto de Fé como tal. Lo sé, este no es el espacio para tal discusión, pero siempre es bueno dejar algunas puertas abiertas.

Atzmus es una banda de rock, de rock pesado. Pero también es un grupo conformado por 4 personas rebosantes de Fé ¿En qué? ¿En Dios? ¿En cuál? ¿En el de quién? Si se tratara de un cuarteto de judíos, o de católicos, de evangélicos, mormones o budistas, la respuesta sería más simple… y cerrada. Pero no: el mensaje de Atzmus va más allá de los personalismos divinos: Es una Fé mucho más terrenal, mucho más palpable en lo cotidiano, en el día a día: el amor, la hermandad, la colaboración son los elementos de esta Fé: la Fé en la Esencia humana.

El pasado 6 de Junio Atzmus volvió a pisar fuerte en escenario del Roxy Live para presentar disco nuevo: ‘No hay Mundo sin Amor’. Con una apuesta decididamente más pesada que su antecesor ‘Ciudad de Luz’, el cuarteto recorrió de punta a punta la nueva producción ante una sala repleta y en el clima íntimo, casi de entre casa, al que nos tienen acostumbrados.

‘Contra la Corriente’, ‘Dulce Mar’ y ‘Evolución’ fue la terna que rompió, alrededor de las 21:30 – y luego de los rockanroleros Indeorn -, con el parco murmullo característico de toda espera. Desarmado el silencio, formalizado el llamado, llegaría la que da nombre al nuevo trabajo – ‘No hay Mundo sin Amor’ – y, tras un sentido elogio a ‘lo importante’, ‘lo que está adentro’, ‘la esencia’, un refuerzo para el contacto con el interior: ‘Conexión Directa’.

Atzmus. Foto: Víctor Spinelli | www.rockenfotos.com.ar
En seguida llegarían dos de la primera placa, que tendría su merecido lugar en el setlist: ‘Vuelve a Empezar’ y ‘La Ultima Generación’, y otra del más nuevo, ‘Armonía’, que dejaría el terreno allanado para un breve pero aplanador sólo de batería de ‘El tractor’ Arrúa. Luego seguirían ‘Pan’, un insólito mix de las cuasi baladas ‘Lagrimas para crecer’ (de ‘No hay Mundo…’) y ‘Jardines de Fuego’ (de ‘Ciudad de Luz’), un poco más de magia instrumental en manos del ilusionista Javier Portillo, y una más del último disco: ‘No es Cuestión de Suerte’. Aprovechando el clima poguístico metalero, dos más del trabajo anterior, en clave pesada: ‘Un Mundo Nuevo’ y ‘El 10 del 7′.

Después de casi 1 hora y media de show a toda máquina llegarían las últimas, como una sola historia: ‘Volvé a Tzion’ – como recogimiento interior -, ‘No corras Más’ – ¿Para qué correr, si lo que necesitamos está aquí mismo, dentro de cada uno? -, ‘Juntos al Este’ – hacia delante, en comunión, con un destino común – y, luego de un brevísimo receso a telón cerrado, el hit, la infaltable: ‘Ciudad de Luz’.


Eliezer Barletta y Emanuel Cohenca – voz y guitarras, respectivamente – son judíos religiosos. Josué Arrúa y Javier Portillo – batería y bajo – son cristianos devotos. Así y todo, contra toda expectativa – o más bien contra toda costumbre -, los 4, juntos, le cantan al Amor. Universal. Esa es la novedad fundamental de Atzmus: el mensaje no es de idolatría para con (un) Dios, sino para la humanidad. Es un llamado a dejar las comodidades, ponerse a trabajar, transmitir ‘la buena nueva’. Y la primera manera de pregonarlo, es con el ejemplo: Juntos, en abrazo.

5 de septiembre de 2012

Miseria en 'La Cumbre del Metal', junto a Logos y Mastifal.

La banda de Heavy Metal "old skool", se presentará en el Festival de metal más antiguo de la Argentina, junto a grandes de la escena local como Logos, Mastifal y Metralla


SÁBADO 13 DE OCTUBRE, en XLR CLUB,  TRIBULATO 449 (San Miguel)

MISERIA es una banda con inicios poco convencionales. Un 24 de Julio de 2009, 4 de los 5 integrantes actuales de MISERIA se juntaron en Caseros (barrio original de la banda) a jugar ‘Guitar Hero Metallica’ de Play 2. El Blastos - Pablo Duarte - (que no cazaba una), Fernando Cortés, los hermanos Andrés y Julián Bressan, y una caja llena de botellas. Al cabo de unos días, Andrés, emocionado con el tema de la guitarrita, recupera su viejo instrumento, mientras que Julián se hace de su primer bajo. El experimento, al que denominaremos ‘Band of Brothers’, dura pocas semanas, tiempo suficiente para que surja una idea (que podría haber surgido bastante antes): “¡¿Y si le decimos a Fer que se venga?!”. El viernes siguiente, un 3 de Octubre de 2009, tiene lugar el primer ensayo oficial de MISERIA, ocasión en la que se intentó interpretar temas de Metallica.

Transcurridas algunas semanas, el ‘Viernes Miserable’, ya era una insana costumbre. La idea en un principio era tocar el disco ‘...And Justice for All’ de punta a punta (objetivo que jamás se logró), pero faltaban dos cosas: un cantante y otro guitarrista. Luego de haber testeado a otros tres violeros (“Quema-equipos”, “Cómo-anda-el-metal-en-Perú” y “Poroto”), los dos lugares serían finalmente ocupados por el Blastos y Mauro Mitidieri respectivamente. Desde entonces, MISERIA forma con: Fernando Cortés en guitarra, Andrés Bressan en batería, Julián Bressan en bajo, Pablo Duarte en voz y Mauro Mitidieri en guitarra.



2010 fue un año productivo para MISERIA. En Julio hicieron su primer show, para familia y amigos, en Planta Alta. Inmediatamente después, dos fechas seguidas – en agosto y septiembre del mismo año - en el Motobar de Ituzaingó, siempre tocando covers de Metallica. Para 2011, mientras MISERIA aun intentaba sacar ‘… And Justice…’, ya tenía varios temas propios que fueron estrenados en un “mítico” show en C.B.G.B., en el cual Fernando cortó una cuerda a mitad de un tema y tuvo que pedir una guitarra prestada.

2012 arrancó con toda la atención puesta en el primer trabajo de estudio de MISERIA, el “EP Miserable”, editado en Julio, y que incluye 4 canciones: “Héroe”, “Xenofobia”, “Pena de Muerte” y “Vulnerable”.


10 de julio de 2012

Adrián Barilari presenta su nuevo disco: Barilari 4

El mítico vocalista de Rata Blanca y Alianza, y una de las voces más autorizadas no sólo del metal, sino de la música argentina en general, presenta Barilari 4, su tercer y más reciente trabajo solista en La Trastienda.


MIERCOLES 25 DE JULIO EN LA TRASTIENDA CLUB (BALCARCE 460, CABA)

En Barilari 4*, Adrián Barilari ofrece una propuesta diferente que, si bien continua con la línea poderosa y metalera de su antecesor, Abuso de Poder (2009), cuenta también con canciones de un alto nivel melódico, como las que sólo Barilari puede ofrecer.

Pasando por lo semi acústico en temas como Caminar a tu Lado, coqueteando con sonidos al borde del metal industrial, y llegando a composiciones oscuras y comprometidas como Cenizas en el Viento, Nunca es Tarde, o Sin Mirar Atrás,- con la colaboración Fernando Scarcella en la batería -, el artista experimenta con nuevas texturas y climas, agregándole ese toque de hard rock que lo caracteriza.

Entradas a la venta por Sistema Livepass, llamando al 5170-5483 o por internet ingresando en www.livepass.com.ar. Incluye CD de regalo.



*El disco fue grabado y mezclado en los estudios de La Nave de Oseberg, Buenos Aires, durante el 2011, bajo la supervisión técnica de Martín Toledo y la producción artística de Guillermo De Medio, editado por el sello Popart Discos Argentina.


10 de junio de 2011

Karnivool - Sound Awake


01. Simple Boy
02. Goliath
03. New Day
04. Set Fire To The Hive
05. Umbra
06. All I Know
07. The Medicinie Wears Off
08. The Caudal Lure
09. Illumine
10. Deadman
11. Change

Karnivool fue formada en Perth, Australia en 1997, por Ian Kenny (voz), Drew Goddard (guitarra), Mark Hosking (guitarra), Jon Stockman (bajo) y Steve Judd en batería, aunque sus verdaderos orígenes se encuentran en una banda anterior, formada por Kenny y Goddard en su adolescencia, en la cual tocaban covers y versiones de canciones de Nirvana y Carcass.
Fue sólo a partir de 1998 cuando, rebautizados como Karnivool, comienzan a componer, tocar y grabar canciones propias, que dan lugar a dos EP: Karnivool - de 1999 - y Persona, de 2001. Luego de una especialmente buena recepción por parte del público y la crítica, surge la motivación para editar lo que será su primer larga duración: Themata, que sale a la venta en febrero del 2005. En 2009 aparece en el mercado lo que será el 2do trabajo de estudio de la banda, así como también el más exitoso hasta el momento: Sound Awake.

Si bien en los primeros trabajos de la banda se pueden reconocer las influencias de bandas como Nirvana y Carcass, así como también de la explosión nu metal de fines de los 90's y principios de la década del 2000, en Sound Awake se pueden reconocer claros tintes de metal y rock progresivo y experimental, logrando finalmente un sonido bien definido, así como un estilo que, a pesar de evocar infinitas reminiscencias de otras bandas del estilo, termina por ser, como masa unificada, un estilo completamente propio y refrescante. Para decirlo de otra manera: mientras escuchamos este disco podemos tener infinitos deja vu's: un segundo recuerda a Anathema, el siguiente a The Mars Volta, luego Porcupine Tree, y en otro tanto la memoria se va hacia Tool y/o A Perfect Circle; pero esto ocurre sólo cuando analizamos la producción por partes, deconstruyendo el majestuoso edificio de las influencias. Pero, si escuchamos el álbum como una cosa homogénea, unificada, como una obra en sí misma, todas esa señales quedan en un completo segundo plano, moviéndose al frente la genialidad, la consistencia, la fuerza, y la firmeza de identidad que la banda ha logrado. Quizás la idea se entienda mejor luego de escuchar este genial Despertar del sonido.

Agradezco a mi querido amigo Willy por la recomendación, sobre todo de la pista New Day. Luego de escuchar el disco, deberían uds. también agradecerle.

18 de octubre de 2010

Avenged Sevenfold - Nightmare


01. Nigthmare
02. Welcome To The Family
03. Danger Line
04. Buried Alive
05. Natural Born Killer
06. So Far Away
07. God Hates Us
08. Victim
09. Tonight The World Dies
10. Fiction
11. Save Me

Avenged Sevenfold (también conocida como A7X) es una banda- muy particular- formada en 1999 en Californa, por M. Shadows (voz), Zacky Vengeance (guitarra), The Rev (bateria) y Matt Wendt (bajo), quienes con tan solo 18 años, se encontraban ya grabando el primer disco de la banda Sounding The Seventh Trumpet (2001), nombre que, al igual que el de la banda, hace referencia a pasajes bíblicos (aunque aclaran que no se trata de una banda religiosa). En 2001 ingresa a la banda Synister Gates, quien sería el encargado de las guitarras líderes, con quien reeditarán el disco en 2002.
Luego de obtener algo de reconocimiento realizando presentaciones con otras bandas como Mushroomhead y Shadow Fall, en 2003 lanzan su segundo trabajo de estudio: Waking The Fallen, con el cual comienzan a tener presencia en la revista Billboard y The Boston Globe.
Su popularidad comienza a crecer, y al poco tiempo de lanzar Waking The Falling, A7X deja el sello Hopeless Records (con quien habían editado los primeros dos discos) para comenzar a trabajar como Warner Bross.
Su tercer disco, City of Evil (2005, año en que también colaboraron en el video juego Need For Speed: Most Wanted) se posicionó en el lugar 30 de Billboard 200, llegando a vender más de 30.000 copias durante la semana de su lanzamiento, recibiendo para 2006 dos discos de oro, y quedando ubicado en el lugar 63 de los mejores 100 discos de la historia elegidos por la revista especializada Guitar World, en octubre del 2006, año en que la banda completó también su primera gira a nivel mundial, en la cual llegó, además de EEUU, a Europa, Japón, Australia, Nueva Zelanda y otros lugares. En el mismo año, el éxito del disco los llevó a encabezar el OzzFest, junto a bandas como Lacuna Coil, System of A Down, Disturbed y Hatebreed, y anuncian la salida de su cuarto trabajo: Avenged Sevenfold, que marcaría el primer giro de la banda, en palabras de M. Shadows: no sería ni Waking The Fallen 2, ni City of Evil 2, pero no dejaría de atraer las miradas de los fanáticos de dichos álbumes.
El cuarto disco sale a la venta en octubre del 2007, y es un éxito inmediato, encabezando las listas de ventas y llegando al lugar 4 en el Billboard 200, y el puesto nº 1 en los Billboard Rock Albums, Billboard Alternative Albums y Billboard Hard Rock Albums. Nada poco... ¿eh?
Luego de varias giras y un crecimiento exponencial, en 2008 lanzan su primer DVD en vivo, Live in the LBC & Diamond In The Rough, para colaborar luego en el tributo a Iron Maiden titulado: Maiden Haven, en el que hicieron una versión de la canción Flash Of The Blade.
Avenged Sevenfold se encontraba en la cima, y todo indicaba que tal cima no sería el límite para esta gran banda californiana.

En 2009, el vocalista M. Shadows confirma que estaban comenzando a producir el quinto álbum, en el cual buscaban un estilo más clásico y a la vez más progresivo y complejo, con canciones más largas y trabajadas. También advirtió: sería el trabajo más importante, y el mayor logro de Avenged Sevenfold. Comenzarían a grabarlo ni apenas terminada la gira en la que se encontraban.
Para julio de ese mismo año (2009)- con varios cambios de formación en el medio- la banda confirma que habían comenzado a grabar el tan vitoreado y esperado quinto disco. En paralelo, para diciembre la banda llegaba al segundo lugar del Ultimate Guitar Top Ten de bandas de la década, en una encarnizada lucha en la cual perdieron el primer puesto frente a nada más y nada menos que Metallica (banda a la cual, por lo demás, A7X no tiene nada que envidiarle: si de mi hubiese dependido, el primer puesto hubiera sido par ellos, sin dudarlo un momento). A los pocos días de este feliz anuncio, otra noticia, pero esta vez lamentable, realmente triste, se hizo pública: The Rev, legendario baterista de la banda (y uno de los mejores bateristas que hayan podido escuchar) había muerto de una sobredosis accidental de medicamentos recetados y alcohol. La combinación fue fatal... Aunque a decir verdad, una vez que se lee la letra de Fiction, todo toma un matiz de "crónica de una muerte anunciada".

El proyecto del quinto disco queda entonces suspendido... Hasta enero del 2010, cuando el anuncio de que volvían a grabar viene acompañado de otra grata noticia: el encargado de los parches sería el grandísimo, fenomenal, bestial, inigualable: Mike Portnoy, entonces baterista legendario de la banda de metal progresivo Dream Theater (Mientras que en estas épocas estamos todos de luto, dado que Mike ha dejado DT). Ante el pedido de M. Shadows, y al enterarse que él mismo era un ídolo del fallecido Jimmy Sullivan (The Rev), Mike no dudo, aceptando el desafío como un honor.
El disco lanzado en EEUU en julio del 2010 sería titulado Nightmare, y a pesar de no ser un disco conceptual, se centra enteramente en The Rev, siendo un disco grabado íntegramente en su homenaje. La sentimental Fiction, es una muestra concisa: se trata de la última canción compuesta por The Rev, 3 días antes de morir. Lo curioso es que el nombre original de la pista era Death. El disco debutó en el lugar nº1 del top 200 de Billboard.

Metiéndonos con el contenido del disco, la primera palabra que se me viene a la mente es: Emotivo.
A pesar de que se trata de una banda de heavy metal, logran- no sé si por lo conmovedor de la muerte de The Rev o por la naturaleza misma de la banda-, decía que logran melodías realmente emotivas y movilizantes. El caso de Fiction que nombré antes, es tan sólo un ejemplo, de lo mucho que se puede encontrar en este fenomenal disco. Otro caso es la "balada" Buried Alive. Pero también podemos encontrar este componente en las canciones de clave agresiva, más "movidas" digamos, de puro tinte metalero. Entonces, la emoción, la capacidad de emocionar, es algo que recorre todo este gran disco. A este profundo componente afectivo le podemos agregar varias palabras o frases más: magistralmente compuesto y ejecutado, por ejemplo, son otras características que este disco deja ver sin demasiado esfuerzo: en efecto, se trata de excelentes compositores y ejecutores: no dejan una nota al azar, no hay un sonido fuera de lugar. En este sentido, el agregado de Mike Portnoy en batería no tarda en hacerse notar, y es la frutilla del postres (y, entre nosotros, no estaría nada mal que se convierta en el baterista oficial de la banda ¿no?). Y está claro que el proyecto de lo más progresivo que tenía M. Shadows en mente no fue- justamente- desechado.

Entonces, además de todos los elogios anteriores, le sumamos esta palabra que en mi teclado constituye un elogio: progresivo. Pero no sólo por ser un estilo musical característico, sino porque es una palabra que refiere al progreso, y si hay algo que esta banda ha hecho es progresar, a pesar de la tristeza, o mejor dicho, gracias a la tristeza- y aunque suene paradójico y alguno pueda considerarlo cruel-, gracias a esa tristeza, tenemos entre manos un trabajo como Nightmare, un disco que no dudo dará que hablar por mucho tiempo, convirtiéndose en uno de esos álbumes de culto, que con los años son cada vez más escuchados y mejor valorados. Una joyita del heavy metal, para no perderse y para no dejar de recomendar.

28 de diciembre de 2008

Jason Becker - Collection


01. Rain
02. River Of Longing
03. Images
04. Opus Pocus
05. Air
06. Higher
07. It's Showtime
08. Altitudes
09. End Of The Beginning
10. River Of Longing (Reprise)
11. Meet Me In The Morning
12. Electric Prayer For Peace
13. Mandy's Throbbing Little Heart

Jason Becker, más que una leyenda, más que un guitarrista. Un ejemplo para toda la comunidad artística, para toda la humanidad. Sólo hablar de él me hace emocionar.

Este espectacular guitarrista y artista nace el 22 de julio de 1969 en Estados Unidos. Comienza a tocar la guitarra desde jóven, gracias a la influencia de su padre y su tio, ambos guitarristas, quienes lo introducen en el mundo de los clásicos clásicos: Bob Dylan, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Van Halen e Yngwie Malmsteen. A su vez, y sobre todo gracias a la escucha de la obra de Malmsteen (que en esa època era resptable) y clásicos como Stravinski comienza a interesarse por el desarrollo de la música clásica en la guitarra eléctrica. Así, a partir de los fallos que notaba en el gran guitarrista sueco, comienza a desarrollar sus propios fraseos y modos de ejecutar distintas piezas clásicas, de oido.

A los 16 años conoce a otro virtuoso indiscutible: Marty Friedman (ex Megadeth), con quien consolidará una profunda y duradera amistad, y con quien para 1987 estará formando su primera banda, Cacochopny, con la cual editarán dos espléndidos discos (Speed Metal Symphony en 1987 y Go Off!!, en 1988), a partir de los cuales se podría decir que nace un nuevo estilo, fundado sobre la base de la fusión de los de cada guitarritas: Friedman, exótico, armónico, orientalista occidentalizado y Becker aportando sus influencias de la música clásica, sumadas a su gran habilidad técnica y a su gran corazón.

También en 1988 Becker lanza su primer disco solista, que será un disco legendario: Perpetual Burn. Disco en el cual el artista vuelca toda la carne al asador, poniendo en juego tanto sus influencias clásicas y barrocas, así como también la adquirida gracias a su padre y tio, más afianzada en el blues y el rock and roll, y finalmente, toda la experiencia adquirida tocando con su gran amigo Friedman. Así, tenemos un disco en el cual se puede escuchar Heavy Metal, Trash Metal, Metal Neo-Clásico, Blues, Música barroca, e infinidad de estilos entremezclados dando un resultado inigualable.
Este disco marca un quiebre, no solo en su carrera, sino en el devenir de la música en general (de lo que se puede considerar música, en el sentido más lato y concreto).
En el mismo año, gracias a una serie de demos en los cuales interpretaba canciones de Van Halen, Becker ingresa a la banda de solista de David Lee Roth, (Van Halen), como guitarrista principal, bajo la gran presión de tener que reemplazar a Steve Vai. El sueño del pibe se iba haciendo realidad. La carrera de este chico de tan solo 19 años no podía ir más que en subida. Pero no todo sería color de rosas.

En 1989 Becker es diagnosticado de Esclerosis Lateral Amiotrófica, extraña enfermedad en la que los músculos del cuerpo se van atrofiando de a poco, hastar perder completamente la movilidad del cuerpo, una enfermedad mortal.
Su enfermedad comienza y avanza rápidamente, quitándole la capacidad de tocar la guitarra, por lo que comienza a componer en un teclado. Más tarde, no podiendo ya mover más que los ojos, su padre desarrolla un sistema por medio del cual, con simples movimientos oculares Becker logra comunicarse con sus allegados, y, mediante un sistema informático, continuar componiendo, gracias a lo cual, el ARTISTA sigue componiendo, volcando toda la masa de ideas y geniales creaciones en las manos de grandes amigos que lo ayudarán a convertirlas en realidad. Este es el caso de Michael Lee Firkins, quien, acompañado por una orquesta, se encargará de ejecutar las composiciones que Becker realizara para el disco Perspective, editado en 1999, y que contará con tan sólo una canción performada por el autor en cuestión.
En 1999 y 2003 dos nuevos discos son editados: Raspberry Jams y Blackberry Jams, compuestos principalmente de viejos demos y grabaciones caseras del gran guitarrista.

Y hoy, año 2008, luego de 18 largos años postrado en una silla de ruedas (cuando los médicos pronosticaron no más de 3 años de vida), Becker nos trae otro gran disco: Jason Becker's Collection. Disco conformado en su mayoría por canciones emblemáticas del gran artista, así como también de algunas nuevas y espectaculares composiciones.
Una vez más un disco plagado de sentimientos, de espiritualidad, de Dios (en el sentido que cada uno lo entienda y quiera darle). Un disco que, a pesar de contener canciones viejas, ya conocidas, logra, en su totalidad, generar una sensación de novedad y profundidad raramente lograda por una compilación. Por otro lado, no se trata de una simple compilación, sino un disco completamente nuevo, que cuenta con la participación de músicos de primer nivel (Steve Vai, Joe Satriani, Michael Lee Firkins, Marty Friedman, Steve Hunter, Greg Howe), quienes logran ejecutar cada una de las piezas ideas por el gran Becker respetando al 110% el significado, el alma de cada pieza.

En fin, un disco que cuenta la historia de este gran artista, de este ejemplo para la humanidad, de este ejemplo para todos aquellos que creen que ya no pueden seguir adelante, que la vida los pasa por arriba y se dejan morir en la impotencia de la inercia cotidiana. Un artista que nos invita a reflexionar, y sobre todo, a dejar de lloriquear, y luchar en pos de nuestras metas, de nuestros sueños, de nuestras utopías.

22 de diciembre de 2008

ESPECIAL DE NAVIDAD!

Me limitaré a decir que se trata de dos trabajos dedicados a la navidad.

En cuanto al primer trabajo presentado (The Christmas Album), se trata del gran Keith Emerson, tecladista, líder y alma matter del trío de británico de rock progresivo, Emerson, Lake & Palmer. Un trabajo dedicado íntegramente a estas fechas festivas, en el cual interpreta algunos de los más tradicionales villancicos navideños- a su manera, claro- a la vez que se adentra en la ejecución y composición de piezas propias, muy bien logradas (ni hace falta decirlo) y adaptadas a la situación. Una perlita.

El segundo trabajo, es algo más irrisorio, pero no deja de sorprender: Se trata de una compilación de temas clásicos navideños (y otros no tanto), performados por algunos de los más representativos personajes del Heavy Metal (y otros estilos). Así, tenemos un interesante trabajo en el cual participan figuras de la talla de Lemmy Kilmister, Jeff Scott Soto, Dany Shaw, Steve Morse, Joe Lynn Turner, Billy Sheehan, Greg Bissonete, George Lynch, Tony Iommi, Geoff Tate, Ronie James Dio, Dave Grohl, Alice Cooper, Steve Lukather, entre muchos otros.
El álbum en cuestión lleva por etiqueta "We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year", y data del corriente 2008. Otra perlita, con algunas versiones muy buenas, y con otras completamente irrisorias e inescuchables, pero que en todo caso, son divertidas.


Keith Emerson - The Christmas Album



01. Troika
02. Variations On "O Little Town of Bethlehem"
03. We Three Kings
04. Snowman's Land
05. Captain Starship Christmas
06. Aria (From Bach's Christmas Oratorio)
07. I Saw Three Ships
08. Glorieta Pt. 1
09. Glorieta Pt. 2
10. Petites Letanies de Jesus
11. It Came Upon A Midnight Clear
12. Silent Night


VA - We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year


01. We Wish You A Merry Christmas
(Jeff Scott Soto, Bruce Kulick, Bob Klucik, Chris Wyse, Ray Luzier)
02. Run, Rudolph, Run
(Lemmy Kilmister, Billy F. Gibbons & Dave Grohl)
03. Santa Clauss Is Coming To Town
(Alice Cooper, John 5, Billy Sheehan, Vinny Appice)
04. God Rest Ye Merry Gentlemen
(Ronnie James Dio, Tony Iommi, Rudy Sarzo, Simon Wright)
05. Silver Bells
(Geoff Tate, Carlos Cavazo, James Lomenzo, Ray Luzier)
06. Little Drummer Boy
(Dug Pinnick, George Lynch, Billy Sheehan, Simon Phillips)
07. Santa Clauss Is Back In Town
(Tim "Ripper" Owens, Steve Morse, Juan Garcia, Marco Mendoza, Vinny Appice)
08. Silent Night
(Chuck Billy, Scott Ian, Jon Donais, Chris Wyse, John Tempesta)
09. Deck The Halls
(Oni Logan, Craig Goldy, Tony Franklin, John Tempesta)
10. Grandma Got Run Over By A Reinder
(Stephen Pearcy, Tracii Guns, Bob Kulick, Billy Sheehan, Greg Bissonette)
11. Rockin' Around The Xmas Tree
(Joe Lynn Turner, Bruce Kulick, Bob Kulick, Rudy Sarzo, Simon Wright)
12. Happy Xmas (War Is Over)
(Tommy Shaw, Steve Lukather, Marco Mendoza, Kenny Aronoff)

Que tengan todos una muy feliz navidad, y un próspero año nuevo!!!

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