Bigelf - Cheat The Gallows

01. Gravest Show On Earth
02. Blackball
03. Money, It's Pure Evil
04. The Evils Of Rock And Roll
05. No Parachute
06. The Game
07. Superstar
08. Racer With Time
09. Hydra
10. Counting Sheep

Hace pocos días, Mike Portnoy, baterista de Dream Theater hacía finalmente el anuncio sobre cuál sería el invitado sorpresa que los acompañaría haciendo las veces de "telonero" en su tour por Sudamérica. Ante mi sorpresa, me encontré con un nombre completamente desconocido por mí- así que tuve que hacer la tarea-: les hablo de Bigelf.

Bigelf es una banda nacida en 1991 en Los Angeles, California (USA), de las manos de Damon Fox (voz, teclados, guitarra) y Richard Anton (voz y bajo), a quienes se les ocurrió reclutar a A.H.M. Butler-Jones (voz y guitarra) y a Thom Sullivan (batería), dando así su forma inicial a lo que sería un gran proyecto. Formada sobre una base que mezclaba rock psicodélico, glam rock, hard rock, rock sinfónico y hasta heavy metal, la banda fue ganando gran aceptación en el Under californiano, y así gran cantidad de seguidores. En este contexto, luego de 5 años de árduo trabajo (en 1995), lanzan su primer EP, Closer To Doom, que dará entrada al primer larga duración del mismo nombre, un año después (1996, y tras la partida del miembro fundador y guitarrista Richard Anton y del baterista Thom Sullivan, quien sería reemplazado por Steve Frothingham), consgrándolos en el ambiente como "padres" del Doom Psicodélico, "movimiento" que golpeó duro a la entonces creciente escena Stoner de Los Angeles.

Ahora como trio, en el verano de 1997 entran al estudio para grabar su segunda placa, Money Machine, álbum que sin embargo no vería la luz hasta el año 2000, cuando el sello sueco Record Heaven se hará cargo de esta nueva gran pieza. El plan de gira por el nuevo disco obliga a la banda a reclutar a un nuevo bajista, Duffy Snowhill, quien quedará hasta estos días como miembro estable de la formación, la cual terminará de tomar consistencia cuando el baterista Ace Mark reemplace a A.H.M. Butler-Jones, quien deja la formación luego del lanzamiento del EP Goatbridge Palace (en diciembre del 2000). Ya con esta sólida formación, y en acuerdo con Warner Music Suecia, en 2001 la banda entra al estudio y graba Hex, tercer larga duración, ganando terreno notablemente tanto en el resto de Estados Unidos como en Europa.

Y así llegamos al año 2008, Agosto del 2008, para ser más precisos.
Bigelf comenzó- en 1991- girando a alrededor de sonidos oscuros, densos, ácidos, lisérgicos; pasando por distorsiones pesadas, rememoraciones circenses y espaciales, homenajes a grandes como Black Sabbath, Pink Floyd, Queen, Yes y/o ELP, y acercándose con el paso de los años cada vez más a lo que hoy nos aglutina en este humilde pero transitado espacio. Si, Bigelf se convierte progresivamente en una joya del progresivo (valga la redundancia) en todas y cada una de sus formas. Lo cual salta a la vista (y al oido, sobre todo salta al oido) con el cuarto lanzamiento de estudio: Cheat The Gallows (2008).

Efectivamente, Cheat The Gallows es un disco que sintetiza una historia de más de 15 años a la vez que abre puertas a futuros desconocidos. Por momentos nos enontraremos en aquellos drogadictos años 60-70, imersos en el Flower Power, cantando al ritmo tanto de los más hippies como también de los más complejos aunque no menos adictivos grupos del Classic Prog (Yes, ELP, Camel... uds. nómbrenla). Por otro lado, viajaremos a momentos célebres, llenos de polifonías y dulces coros (si, si, como Queen), pasando por resonantes Hammond's y apabullantes strings (exacto, como Pink Floyd), recordando al paranóico Ozzie en blanbo y negro, y CLARO, como no podía faltar, y menos en este contexto: el claro y para nada secreto guiño a los genios, a los que todo lo crearon, a los que nada les falta: The Beatles.
Todo esto en las proporciones correctas, lo mezclamos con las creaciones más dedicadas y variadas, y a pesar de tanta influencia bien evidente, también tan originales. Le damos 57 minutos a horno fuerte, bien fuerte, y tenemos uno de los mejores discos que escuché en mucho tiempo.

Y no es sin consecuencias.
En en 2009, el sello SPV declara la bancarrota. La reconocida gira organizada por Mike Portnoy, Progressive Nation, pierde a dos de sus cartas fuertes: Pain Of Salvation y Beardfish ya no tienen sello que los promocione y se encargue de sus presentaciones. Ante tan desesperada situación, el excéntrico baterista realiza una jugada magistral: Bigelf ocupará este preciado lugar, ganándose gracias a su performance un lugar como teloneros en la gira norteméricana de Dream Theater (junto a Scale The Summit y Zappa Plays Zappa) y finalmente, en la inminente gira por nuestra querida sudamérica.

Sin más, los invito a irse habituando. Saludos!

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Dream Theater en Argentina (Y resto de Sudamérica) - 13.03.2010, Estadio Luna Park !

El próximo 13 de marzo del recientemente iniciado 2010, Dream Theater ícono del metal progresivo de las últimas dos décadas estará visitando una vez más nuestro queridísima Argentina en el marco del tour sudamericano Black Clouds & Silver Linings, show en el que presentarán temas de este, su más reciente trabajo de estudio.

Según lo informado en el sitio oficial de la banda- www.dreamtheater.net -, el show incluirá invitados aun por anunciar... Esperemos que la sorpresa sea más grata aun :D

Dada la gran noticia, repasemos:
Día y Horario: Sábado 13 de Marzo 2010, 21 hs. puntual.
Lugar: Stadium Luna Park (Av. Madero 420, Capital Federal) - 5279-5279
Entradas: Entre $100 a $400 según ubicación.

Para adquirir las entradas: Venta On-Line por TicketPortal , o en la boletería del estadio de lunes a viernes de 10.00 a 15.00 hs.

Por otra parte, la banda estará visitando México y otros paises de la región Sur. Para más información al respecto: www.dreamtheater.net

Saludos, y nos estamos viendo !!!

CD-BOXSET CUMPLE UN AÑO MÁS! :D

Si, queridísimos, muy queridísimos fieles. Son todos muy especiales para nosotros y hoy, día de nuestro segundo Aniversario en la red, queremos agradecerles una vez más por ser quienes día a día nos han ayudado- y siguen haciéndolo-, brindando su apoyo incondicional, visitándonos día a día, aportando buenas ideas y buen material, pero sobre todo estando, tomándose el trabajo de leer largas y cansadoras reseñas y confiar en nuestras palabras tanto como para tener la paciencia de descargar y escuchar atentamente el material que les ofrecemos.

Y esperamos que esta no sea la excepción.
En este caso hemos preparado, a manera conmemorativa, un pequeño pero potente compilado. A diferencia del año pasado la categorización no es por estilo- de hecho es un compilado bastante heterogéneo y hasta extraño en ese punto-, aunque sí hay un factor en común entre los elementos que lo conforman. En este caso encontrarán heavy metal y rock progresivo, algún rock más psicodélico, algo de retro-pop gótico, un poco de rock sinfónico, algo de metal épico con tintes celtas, y hasta incluso un poco de metalcore.

Pero todas las canciones tendrán un tema en común: Se tratan todas de canciones dedicadas- de una u otra manera- a los cumpleaños (es que hoy es nuestro cumpleaños ¿vio?). En este punto es bueno aclarar que parece ser que no todos los cumpleaños son tan alegres y festivos como el nuestro, ya que algunas de las canciones son más bien pesimistas, pero en fin: hagamos de cuenta que, haciendo honor al género que suele reunirnos, se trata de un disco conceptual (?).

En fin, una vez más les agradezco el acercarse y seguirnos día a día, a pesar de los largos períodos de inactividad que hemos tenido y, sin más, los dejo en compañía de nuestro humilde presente.

01. GWAR - Happy Deathday [ cd-boxset edit ]
02. Living Death - Last Birthday
03. Senses Fail - The Irony Of Dying On Your Birthday
04. Sauron Lamderth - El Cumpleaños De Bilbo
05. Dethklok - Birthday Dethday
06. The Birthday Massacre - Happy Birthday
07. Uriah Heap - The Magician's Birthday
08. The Beatles - They Say It's Your Birthday
09. Bob Geldof My Birthday Suit
10. Vangough - One Dark Birthday

Que lo disfruten!

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Ephrat - No One's Words

01. The Show

02. Haze
03. Better Than Anything
04. Blocked
05. The Sum Of Damage Done
06. Real

Omer Ephrat- mejor conocido como simplemente Ephrat- es un multinstrumentista y compositor israelí que ha dado que hablar en el último tiempo. Y no es para menos, con el pedazo de disco que ideó, grabó, editó y sacó a la venta... y no es casual que el disco haya sido mezclado por el mismísimo Steven Wilson (Porcupine Tree)... digo: eso, lo sabemos, es sello de excelente calidad. Pero empecemos por el principio.
Como ya hemos dicho, Omer Ephrat es un jóven y talentoso músico nacido en Israel. Pero decir esto es poco: cuando decimos "talentoso músico", queremos decir "sorprendente multinstrumentista y compositor", y cuando decimos "sorprendente multinstrumentista y compositor", queremos decir que además de ser un gran compositor (como lo podrán comprobar al escuchar el disco), ejecuta a la perfección la flauta, la guitarra y el teclado. Pero esto sigue siendo poco. Queremos decir que Ephrat es un compositor capaz de integrar a la perfección elementos del metal progresivo con otros más clásicos del género, a la vez que todo su material habla de su cultura, de su vida, de su historia. En efecto, la música de Omer Ephrat busca, ante todo, ser un fiel retrato de la etnia que lo vio nacer y crecer, añadiendo a esta expresión de sus raíces los elementos del progresivo más delicado, y no al revés.
En este contexto, encontramos las más variadas influencias: Metallica, Led Zeppelin, Mr. Bungle, The Alan Parson s Project, Alanis Morissette, The Beatles, Gentle Giant, Dream Theater, Tool, Soundgarden, Air, Deep Purple, ELP, Jethro Tull, King Crimson, Megadeth, Pink Floyd, Queen, Alice in Chains, Porcupine Tree, Ozric Tentacles, Rush, Yes, entre otros.

Pero Ephrat no siempre fue el nombre de una banda. De hecho, el proyecto, no nació como banda. Cuenta el mismo Omer que al principio su música no era más que eso, música; y el único sujeto de esa música era él y nadie más que él. Todo esto cambió cuando la barita mágica de Steven Wilson tocó a este erudito. Las cosas comenzaron a armarse, el proyecto comenzó a tomar forma, y luego de dos años de intenso trabajo Omer decidió formar una banda, lo que se dice una banda, con miembros, aparte de él. Es así que la banda que tomaría el nombre mismo de su corazón, Ephrat, tomó finalmente forma concreta: Omer Ephrat (guitarra, teclados y flauta), Lior Seker (voz), Gili Rosenberg (bajo) y Tomer Z (batería).

Con contrato firmado con el sello InsideOut Music, todo llevaría dos largos años de árduo trabajo: composición, grabación, arreglos, formación de la banda, mezcla, edición y salida a la venta. Dos años que realmente han valido la pena.

No One's Words sería el nombre del primer (y hasta ahora único) trabajo de la jóven banda, lanzado en el 2008. Disco que desde la primera escucha me ha dejado atónico.
Se trata de un trabajo realmente especial, cuidado, delicado, donde se ve trabajo, mucho trabajo. Tanto en lo estrictamente compositivo como en el resto de los aspectos. Se trata de un disco que hace reminiscencia de muchos estilos, muchos en uno o uno en muchos, como uds lo prefieran. Es un disco que saben llevar al oyente, expectante, por los desfiladeros de alguna historia lejana en un momento, para traerlo de un tirón a la realidad de nuestros días en otro, y convertirlo en su protagonista, y siendo un espectador aereo a los pocos segundos. Sueno incoherente, aparentemente incoherente: Es esta suerte de incoherencia aparente la que guía a todo el disco. Digo aparente, porque a medida que los minutos pasan, el oyente descubre un sutil hilo conductor que lo hace perderse por completo en las melodías, en las voces, en las instrumentaciones, por momentos irónicas y oscuras, por momentos alegres y satíricas. Pero siempre en el paraíso... en alguno, el que el oyente elija.

Como toque final, como frutilla del postre, este gran trabajo cuenta (aparte de SW en la mezcla) con dos grandes artistas invitados, grandes vocalistas: Daniel Gildenlow (Pain of Salvation), y Petronella Nettermalm (Paatos) ¿Qué tul, eh?

Lo único que me queda por decir es una confesión: correré ahora a releer todo lo que escribí arriba, a ver si tiene algún sentido. Ustedes, por su parte, disfruten de este gran trabajo, e intenten no prestarme demasiada atención.

Descargar (82.3 mb)

cd-boxset ahora en Facebook! SUMATE!

Si, también nosotros nos dejamos llevar por la corriente, a veces...

Para no ser menos, también estamos en Facebook! Y nos gustaría que tu (vos, en criollo), queridísimo te nos unas en nuestra cruzada masiva por la revaloración y/o rescate de los géneros progresivo y sinfónico (y el continuo crecimiento de los otros géneros que día a día posteamos... cuando posteamos)

Sumate!

FELICIDADES A TODOS!

Buenas a todos!

Mediante el presente y humilde mensajito queremos desearle a todos los usuarios que día a día hacen de cd-boxset un éxito una MUY FELIZ NAVIDAD y UN PROSPERÍSIMO AÑO NUEVO!

Este año, por cuestiones de tiempo, no hemos podido preparar nada especial para la ocasión, pero esperamos en poco tiempo poder volver a la dinámica que siempre nos caracterizó, siempre con la mejor calidad musical, y pensando en gritar al mundo:

EY, MUNDO DE LOS MEDIOS MASIVOS, MUNDO TE TINELLI, MUNDO DE RIAL, MUNDO DEL REGGAETON Y LA CUMBIA CABEZA: TODAVIA EXISTIMOS ALGUNOS QUE VALORAMOS EL ARTE DE CALIDAD, Y ESTAMOS DISPUESTOS A PENSAR UN POCO ANTES DE CASARNOS CON LO QUE NOS PONEN ADELANTE DE LOS OJOS

Gracias a todos por un año más poniendo el grito en el cielo!!!

QUE TENGAN UNAS MUY FELICES FIESTAS! :D

staff cd-boxset.

AKROS EN LOCA BOHEMIA! - Sábado 12.12.2009, 22 hs puntual! NO TE LO PODÉS PERDER!

Una vez más Akros, gran banda de Hard Rock formada en la Ciudad de Buenos Aires, se estará presentando en el acogedor escenario de Loca Bohemia, ahora con nueva formación, y con más energía que nunca.

Para conocer algo de la banda: MySpace // PureVolume

Sin más, los invito a que la cita se haga efectiva!
Que lo disfruten!!!

* * *

Día y Horario: Sábado 12 de diciembre del 2009, 22.00hs

Lugar: Loca Bohemia, Av. La Plata 727, Caballito, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Género: Hard Rock

Entradas*: Anticipadas $10, + $5 en la entrada del lugar (consumisión mínima requerida)

*Por entradas, consultar al mail del blog.

Green Carnation - Acoustic Verses

01. Sweet Leaf
02. The Burden Is Mine... Alone
03. Maybe?
04. Alone
05. 9-25-045
06. Childs Play Part 3
07. Hign Tide Waves

Tengo en esta oportunidad el honor- y el deber- de presentarles, uno de los discos más hermosos, más expresivos y mejor compuestos que he escuchado en los últimos tiempos. Pero primero, como somos conservadores, hablemos de los genios creadores: Green Carnation.

Oriundos de Kristiansand, Noruega, la banda se forma en 1990 para luego de varias idas y venidas llegar al año 2006- año de su último lanzamiento- habiendo pasado por una interesante variedad de estilos, siempre muy prolijamente lograda. Al respecto podemos anticipar que la tendencia fue, desde sus inicios a la actualidad, a ir se suavizando, poniendo quizás a la vez una cuota más musical, de más trabajo y dedicación.

Green Carnation nace de la mano del guitarrista, bajista y compositor Terje Vik Schei, mejor conocido como Tchort, como dijimos en 1990. Luego de algún tiempo, y con tan solo un demo en su haber (Hallucinations Of Despair, 1991), Tchort decide unirse a Emperor como bajista, lo cual concluye en una precoz ruptura de banda, que dará por otro lado como resultado la formación de In The Woods, conformada entonces por el resto de los integrantes de la Green Carnation de aquel tiempo.

Pasados algunos años, a principios del 2000, con la ruptura de Emperor, Tchort retoma el proyecto Green Carnation. Ese mismo año editan su primera placa de estudio: Journey To The End Of The Night, que siguiendo los pasos del demo de 1991 se encuadra básicamente en el género del Doom Metal.
Inmediatamente un año después, el primer giro se hace patente con el lanzamiento de Light Of Day, Day Of Darkness (2001), álbum que se hunde de lleno en los escabrosos caminos del metal progresivo, y que consta de una sola canción de una hora de duración. A partir de este momento, la orientación hacia el rock progresivo será la regla, cada vez más y mejor pronunciada. Siguiendo esta línea aparecen los siguientes trabajos de la banda: A Blessing In Desguise (2002) y The Quiet Offspring (2003).

Finalmente, es durante 2006 que, previa salida del el EP The Burden Is Mine... Alone, lanzan a la venta el disco Acoustic Verses, que marcará el giro fundamental y definitivo de la banda, basicamente apoyado en dos cuestiones: Primero, el ingreso del vocalista y bajista Stein Roger Sordal y segundo, el cambio más destacado, y señalado en el nombre del disco: es un disco pura y exclusivamente acústico. Pero lo aun más curioso del disco es, que si bien termina de alejar a la banda de todo lo relativo al metal, la sigue acercando cada vez más al terreno del progresivo. En efecto, se trata de un disco netamente acústico y netamente progresivo. Y llama la atención lo bien logrado que está. Entedámoslo: no se trata de versiones acústicas de viejos éxitos de la banda. Tampoco de versiones acústicas de otras bandas de renombre. Es un disco nuevo, de Green Carnation, banda signada en todo momento por el sello del metal, a veces doom, a veces death, otras progresivo, pero siempre metal, de ese que es bien metalero. Ahora nos sorprenden con un disco acústico realmente hermoso, de composiciones profundas, de líricas quie llegan profundo, de sonidos suaves y dulces... de emociones hondas y oscuras.

Es realmente un disco precioso, lleno de climas y colores, repleto de matices, de una claridad y que encandila y compuesto y ejecutado con una delicadeza y prolijidad intachable, de esas que hoy en día cuesta encontrar... que será el último trabajo de la banda, luego del cual Tchort anunciará una nueva disolución... aunque con el aviso de que seguirá componiendo material, aunque por ahora, sin presentarlo. Quizás, luego de semejante trabajo, es la decisión más acertada. Es bueno saber retirarse cuándo aun se encuentra uno en un buen momento.

Que lo disfruten :D

Descargar (61.6 mb)

Solid Vision - The Hurricane

01. Ivan
02. The Hurricane
03. Spectrum
04. Will You Back Home
05. Panic
06. Train Of Mind
07. Confusion
08. Endless War
09. Shattered World

Solid Vision nace en Cagliari, Italia a principios de la década del 2000. Luego de la grabación y presentación de su disco If Only, los integranrtes de Magic Power (M.A.P.O.), deciden tomarse unas vacaciones creativas, con la intención de-cada uno por su lado- mejorar su técnica y tener la libertad suficiente para desarrollar sus propias ideas.

Brian Maillard (guitarra), Ricardo Atzeni (bajo) y Yan Maillard (batería), aprovechan este periodo sabático para dar forma a un trío que basará su conformación en la realización de diversos covers, sobre todo de metal progresivo, y más sobre todo todavía, de Dream Theater y derivados (Liquid Tension Experiment, por ejemplo). A esta primera formación del grupo, deciden llamarla Solid Session III (haciendo referencia, por un lado a la conformación del tipo sesionista y por el otro a la cantidad de miembros, III). Así es que completando el repertorio con versiones de Steve Vai, Gregg Bisonette, Rush, Lobotomis, y algunos fragmentos de temas de Metallica y Deep Purple (propuestos en un interesante Medley), realiza algunas presentaciones en vivo. Es luego de esta primera gira cuando deciden hacer más interesantes sus performances agregando al grupo un vocalista. El elegdido es Samuele Pintus, y el nombre cambia un a vez más: Solid Session IV.
Finalmente, es durante su tour 2002-2003, que un nuevo miembro es incorporado a la banda: Americo Rigoldi, tecladista de grandes capacidades. Es con esta última incorporación que la banda deja de lado los covers y versiones, para dar lugar al desarrollo y presentación al mundo de sus propias creaciones. Con este giro, viene entonces un nuevo cambio de nombre: ya no se trataba de un grupo de sesionistas, sino de una banda solidamente conformada, con una visión clara y concreta de su futuro y objetivos. Así, coherentemente con esta idea, conservan el Solid de su anterior nombre, al que agregan el término Vision (tomado en su doble perspectiva: 1. una fuerte determinación, y 2. la de un sueño que se vuelve realidad), haciendo la V (de Vision, claro) referencia, como en los casos anteriores, a la cantidad de personas que conforman el grupo.

Luego de varias presentaciones en vivo, entre las que se incluyeron presentaciones como banda soporte en fechas italianas de Helloween y Children Of Bodom, ya con varias canciones compuestas, la banda entra al estudio para lanzar después de unos meses su primer trabajo larga duracón: Eleven (11), número que hará referencia a diversas situaciones internas que han marcado el nacimiento de la banda. A partir de ese momento, el camino de Solid Vision solo conoce el éxito: por ejemplo, gracias a varias presentaciones de la banda, Ibanez incorpora a Brian Maillard y Ricardo Atzeni como endorsers de sus instrumentos.

Tan solo algunos meses después de la presentación de Eleven, la banda entra nuevamente al estudio, para comenzar con la grabación de lo que será su segundo (y gran) disco oficial.
The Hurricane sale a la venta en el año 2006 y tiene, efectivamente, la fuerza de un huracán. Es un disco realmente poderoso, sólido. Plagado de composiciones en las que se lee una completa, casi obsesiva, dedicación. Se trata en todos los casos de piezas muy trabajadas, pensadas, precisas. Es un trabajo más que correcto: De formidable producción y mezcla, de impecable y más que prolija ejecución y técnica, The Hurricane nos enfrenta con piezas que saben generar los más variados climas, con la capacidad de virar en una u otra dirección sin previo aviso, pero sin perdernos, logrando mantener en todo momento el hilo conductor que da al disco una particular integración, una destacable sensación de todo, de forma bien lograda, forma que cualquier teórico de la Gestalt envidiaría.

Desde el enérgico tema que da nombre al disco, pasando por el emotivo Will You Back Home, y hasta el épico cierre propuesto por Shattered World, la banda nos ofrece un trabajo más que aceptable, más que muy bueno, más que excepcional, bien integrado, con una indudable buena selección de canciones, todos elementos que ofrecen más de una razón para dedicar alguna que otra hora para la atenta y placentera escucha.

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Dream Theater - Black Clouds & Silver Linings [ Deluxe Collector's Edition Box Set ] + Wither EP

Disco 1: Black Clouds & Silver Linings

01. A Nigthmare To Remember

02. A Rite Of Passage

03. Wither
04. The Shattered Fortress
05. The Best Of Times
06. The Count Of Tuscany

Disco 2: Bonus Disc. Unovered 2008/2009
01. Stargazer [ Rainbow ]
02. Tenement Funster / Flick Of The Wrist / Lily Of The Valley [ Queen ]
03. Odyssey [ Dixie Dregs ]
04. Take Your Fingers Out Of My Hair [ Zebra ]
05. Lark's Tongues In Aspic [ King Crimson ]
06. To Tame A Land [ Iron Maiden ]

Disco 3: Bonus Disc. Instrumental Mixes
01. A Nigthmare To Remember (Instrumental)
02. A Rite Of Passage (Instrumental)
03. Wither (Instrumental)
04. The Shattered Fortress (Instrumental)
05. The Best Of Times (Instrumental)
06. The Count Of Tuscany (Instrumental)


Wither EP

01. Wither
02. Wither (Piano Version)
03. Wither (John Petrucci Vocal Demo)
04. The Best Of Times (Mike Portnoy Vocal Demo)

Como ya lo habíamos adelantado hace algunos meses, el pasado 23 de junio Dream Theater, gran banda que a esta altura no necesita presentación, editó su décimo trabajo de estudio, Black Clouds & Silver Linings, que aquí les presentamos, revisamos y acercamos. Y, como plus les haremos entrega, por única vez, el recientísimo Wither EP.

¿Qué se puede decir de este nuevísimo lanzamiento de la banda? Mucho, en realidad... elogios, sobre todo, muchos elogios. En primera instancia, quiero decir que no estoy para nada de acuerdo con los muchos comentarios que he leído acerca de los dos discos anteriores (Octavarium y Systematic Chaos): no creo que sean para nada olvidables, de hecho, creo que son ambos grandes discos. Quiero darles una noticia: Images & Words y Awake, son grandísimos discos, pero fueron hace mucho tiempo, supérenlo: el progresivo progresa :).
Pero, esto no quiere decir que Black Clouds & Silver Linings no sea, a mi parecer, realmetne superior a aquellos trabajos.

Este nuevo trabajo de la banda, es algo realmente sorprendete sobre todo en comparación a lo que nos tenían acostumbrados.
Primero, no quiero dejar de destacar la labor, la EXCEPCIONAL labor del vocalista James Labrie. Creo que es moneda corriente escuchar/decir que el canadiense es el punto más flojo de Dream Theater (si es que Dream Theater tiene algún punto flojo). En el caso de este nuevo trabajo, lo que hace Labrie no tiene explicación, la palabra que voy a repetir y que queda a la perfección es: excepcional. En efecto, es una real excepción en comparación al resto de los discos, una excepción que no sé muy bien cómo explicar. Lo que sí puedo decir es que en este caso logra climas, sensaciones, transmitir emociones como nunca antes lo había hecho. Es el más agresivo, como también el más suave, el más oscuro y el más optimista. En todos los casos con una solidez y una firmeza que quizás nunca le habíamos escuchado. Para le quien le quede alguna duda, basta con escuchar su desempeño en el Medley de Queen, y especialmente en la sección de Lily Of The Valley. En cuanto al resto de la banda, impecables como siempre.

Lo mismo puede decirse de las composiciones: impecables, como siempre. Dream Thetaer es una agrupación que se caracteriza, sobre todo y además de por su precisión en la ejecución, en el extremo cuidado y delicadeza al momento de componer. Es una banda que no hace las cosas a la ligera, sino que pone tiempo, pone trabajo. No se apresura a terminar, sino que primero, se preocupan por empezar.
Pero, intentando hablar un poco de lo concreto del disco, se trata de piezas en general enérgicas, y bien integradas. Si buscamos un punto de comparación sería quizás aceptable remontarse al año 2003, con A Train Of Thought. Efectivamente, Black Clouds... recuerda a muchos de los elementos utilizados en ese disco: el tipo de sonido y distorsiones, el estilo general tirado hacia algo quizás más trash, el énfasis en las instrumentaciones agresivas, que rescatan el trasfondo heavy metal de la banda. Se trata también de pocas piezas, en su mayoría de larga duración, con temáticas concretas y desarrolladas tanto vocalmente como musicalmente. A este respecto no hace falta explicar la estructura de largas secciones instrumentales ni sus características.

Asi y todo, el disco da lugar también a dos piezas más bien tranquilas, hasta optimistas. Por un lado, la balada Wither, hermoso y melancólico tema por cierto, y por otro, a la preciosa The Best Of Times dedicada al recientemente fallecido padre del baterista Mike Portnoy (Ambas canciones incluidas en el Wither EP)

Finalmente, cómo lo habíamos adelanteado hace algunos meses, el disco viene en dos formatos: uno simple, con los nuevos temas, y una Deluxe Collector's Edition Box Set, de 3 discos. Esta última es la que aquí les ofrecemos. De todas maneras, les entregamos las 3 partes por separado, uds deciden.
El disco 1, es el nuevo trabajo en si
El disco 2, se trata de una serie de covers realizados por la banda, en estudio, en el correr de los años 2008 y 2009. Versiones MUY BUENAS todas ellas.
El disco 3, entrega las mezclas instrumentales del nuevo trabajo, con alguna que otra modificación de las versiones originales. Ideales para el karaoke (?).

En cuanto al Wither EP, se trata lisa y llanamente de un EP de 4 piezas: Por un lado, 3 versiones de la canción Wither: la versión final- incluida en el disco,-,luego una versión en piano, y finalmente el demo con la voz a cargo del Sr. John Petrucci. Y finalmente, el demo de The Best Of Times, cantada por el excentrico Mike Portnoy.

Ahora sí, sin más que decir, esperamos que lo disfruten tanto como nosotros.

Saludos!

Descargar Disco 1: Black Clouds & Silver Linings (128 mb)
Descargar Disco 2: Uncovered 2008/2009 (77.3 mb)
Descargar Disco 3: Instrumental Mixes (126.4 mb)

Descargar Wither EP (61.2 mb)

Pocupine Tree - The Incident

Disco 1
01. Occam's Razor
02. The Blind House
03. Great Expectations
04. Kneel And Disconect
05. Drawing The Line
06. The Incident
07. Your Unpleasant Family
08. The Yellow Windows Of The Evening Train
09. Time Flies
10. Degree Zero Of Liberty
11. Octane Twisted
12. The Sceance
13. Circle Of Maniacs
14. I Drive The Hearse

Disco 2
01. Flicker
02. Bonnie The Cat
03. Black Dahlia
04. Remember Me Lover

Había un cartel que decía “Policía – Incidente” y todo el mundo empezó a aminorar la marcha para ver lo que había sucedido. Más tarde se me ocurrió que ‘incidente’ es una palabra muy ajena a algo tan destructivo y traumático para las personas involucradas. Y entonces tuve la sensación de que el espíritu de alguien que había muerto en el accidente entró en mi coche y estaba sentado a mi lado.

Así explica escuetamente Steven Wilson, líder y fundador de Porcupine Tree, el concepto que puso en movimiento la creación de The Incident, disco más reciente de la banda: contar una serie de historias que, lejos de ser así, suelen ser tratadas de manera fría y lejana por los encargados de dar cuenta de ellas. En efecto, el tiempo, el correr de la vida, la pérdida, la mirada impotente de quien ve cómo se aleja un amor, la muerte, pueden ser simples incidentes desde la óptica del espectador, quien luego los relatará, pero... ¿qué hay de quien los vive? Es esta la idea que da consistencia al más reciente trabajo de la banda.

The Incident es uno de esos discos que desde antes de su misma salida a la venta, se encuentran, gracias a una metafísica intuición (o quizás a la más cotidiana experiencia), destinados a ser grandes, a dejar una marca en la historia.
Compuesto por un único tema, separado cuidadosamente en 14 partes interdependientes (disco 1), es una obra que promete y cumple: Primero, porque no es ninguna sorpresa que la banda princeps de Wilson nos entregue trabajos impecables, intachables, sin lugar a la duda excepcionales por donde se los mire: sea en lo técnico, en lo relativo a la composición, a la ejecución, a la mezcla, edición, etc.
Pero, por otro lado, y a pesar de las aparentes contradicciones, se trata de una banda que en todos los casos, sabe ir más allá de las expectativas mismas que genera: Siempre sabemos que nos dará un gran trabajo... pero también que nos sorprenderá, y no es esta la excepción. Si hay algo en lo que se le puede decir monótona, es en su continua capacidad para ser excepción.

Nos encontramos en este caso con un disco que reactualiza, de manera renovadora, todo lo que la banda nos ha entregado a lo largo de los años. The Incident es un disco profundo y oscuro, que no pierde en tinte cínico que caracteriza a las diversas creaciones de Wilson, pero que agrega una crudeza que se manifiesta no solo en las melodías o en la poética de las canciones, sino también en un sonido quizás decididamente más duro, agresivo y calculadamente desprolijo: Características que no encuentran problema al momento de definir y transmitir, justamente, la idea que da tema al disco. Sin perder por todo esto el clásico contraste con secciones acústicas, de voces limpias y bien definidas. En este sentido podría quizás encontrarse alguna analogía con el último trabajo solista de SW, Insurgentes, recientemente revisado en este mismo blog... aunque sin dejar de ser un trabajo completamente nuevo, original, digno de excesivas- casi obsesivas- escuchas.
Finalmente, y como si fuera poco, nos encontramos con un segundo disco, en el cual se desarrollan 4 canciones independientes, pero que, curiosamente, a pesar de funcionar por si mismas sin problema, se acoplan facilmente, desde la primera escucha, al conjunto propuesto por The Incident.

En definitiva, aunque no haga falta aclararlo, se trata de de un disco, una vez más, sin precedentes, el que los invitamos a escuchar con gran regocijo y alegría. Que lo disfruten!

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A NUESTROS AMIGOS!!

Buenas a todos!

Debido a algunos problemas en la última reestructuración del blog, como habrán notado (o no), desapareció la sección de enlaces que se encontraba en la barra de la derecha... ytambién perdimos la info contenida en ella.. Por lo cual queríamos pedirles a todos nuestros amigos y futuros amigos; todos aquellos que se encontraban en esa lista de enlaces, y a quienes deseen aparecer en la misma, vía intercambio de enlaces, envién vía e-mail los datos del sitio a enlazar.. bah, básicamente: nombre del sitio y el url del mismo.

Como siempre, estaremos recibiendo sus mensajes a cdboxset@gmail.com

Saludos!

Steven Wilson - Insurgentes

Disco 1
01. Harmony Korine
02. Abandoner
03. Salvaging
04. Veneno Para Las Hadas
05. No Twilight Within The Courts Of The Sun
06. Significant Other
07. Only Child
08. Twilight Coda
09. Get All That You Deserve
10. Insurgentes

Disco 2
01. Port Rubicon
02. Puncture Wound
03. Collecting Space
04. Insurgentes (Mexico)
05. Untitled

De Steven Wilson hemos hablado en más de una ocasión, aunque por lo general nos hemos referido sus participaciones (si bien protagónicas) en otras agrupaciones (Blackfield, Porcupine Tree, No-Man, Bass Communion, entre otros), o a sus distintas participaciones como productor, asesor, etc., en trabajos de otras bandas (como son los casos Damnation y Watershed, de Opeth). Pero, si bien en algún momento les acercamos una serie de covers del artista (sus Cover Versions), poco hemos hablado de la carrera puramente solista de este gran músico, compositor, productor, y todo lo que se les ocurra que pueda hacer alguien en el mundo de la música... nuevamente aclaro: obviando que en sus disintos proyectos musicales, suele ser la cabeza principal, así y todo, hablamos de cosas distintas. En efecto; Steven Wilson es un artista sin precedentes; uno se pregunta de donde sacan tanto la capacidad para generar tanto, de tan distinto tenor y estilos; y también de dónde saca el tiempo para llevar adelante tantos proyectos, tantas apariciones, tantas genialidades. Digamos, por ahora, y ante la falta de una mejor respuesta, que todo eso lo obtiene por medio de su amor a la música.

Bueno, cómo sea, el pasado 2008 nos ha dado la grata sorpresa de entregarnos Insurgentes, el primer y tan esperado disco completametne solista de este gran músico.

Si bien no es sorpresivo encontrar en el disco constantes reminiscencias a estilos ya recorridos en otros de sus trabajos (lo cual es obvio siendo siempre Wilson el alma mater de estos otros trabajos), a la vez se siente en el aire algo distinto, algo que lo hace un disco completamente diferente a lo que venimos acostumbrados a escuchar.
Intentando sintetizar lo que escuchará todo aquel que decida (acertadamente) obtener su copia de Insurgentes, podemos decir que es algo así como una mezcla entre rock psicodélico clásico, algo de progresivo y sinfónico, una pizca de música electrónica (vale aclarar: una sutil pizca), algo de espacial, algo de ambiental, algo de melancólico, algo de enojado y violento, algo de pacífico y relajado; todo esto mezclado y revuelto en una gran cacerola experimental.
De esta gran variedad de estilos, todo en uno pero bien diferenciados entre sí, decanta un disco variado y flexible, sentimental, expresivo, desesperante y esperanzador. Climas armónicos y contrapuestos, voces profundas y desgarradoras; canciones amorosas y despiadadas. En definitiva, una placa para todo tipo de público... todo tipo de público capaz de salirse de lo dado, de lo esperable, de lo oficial. Un disco como sólo Steven Wilson podía componer, ejecutar y producir (todo esto perféctamente hecho, claro); con composiciónes cuidadas y delicadas; y que deja ver tras de sí una dedicación y amor a su arte realmente elogiable.

Que lo disfruten!

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Jordan Rudess - Notes On A Dream

01. Throug Her Eyes

02. Lifting Shadows Of A Dream
03. Perpetuum Mobile
04. The Silent Man
05. Another Day
06. Hollow Years
07. The Grand Scapement
08. The Spirit Carries On
09. Speak To Me
10. The Answer Lies Within
11. Collision Point
12. Vacant

Sobre Jordan Rudess ya hablamos más de una vez.

Sobre su música también hemos hablado en repetidas ocasiones, y esta no será la excepción, aunque sea hoy de manera bastante acotada.

En este nuevo trabajo, recién salido a las bateas, Rudess continúa, de alguna manera, con una suerte de tributo: En su trabajo anterior, The Road Home, todas las piezas eran covers de grandes bandas clásicas, aquellas que hicieron las veces de influencia a este gran músico. En este caso, esta suerte de tributo es más bien contemporanea y se podría decir que se dirige, en parte, a él mismo: En efecto, Notes On A Dream es un disco compuesto, en su mayoría, de adaptaciones completament acústicas- para piano-, de canciones de la banda por la que Rudess ha sido más conocido: Dream Theater.

Muy de más esté entonces decir que se trata de un disco musicalmente excelente, de adaptaciones realmente fenomenales y de una ejecución más que perfecta, pero sea quizás necesario hacerlo si deseamos un post como la gente.
Entonces, vamos a destacar muy brevemente algunas cositas. Se me hace dificultosa la categorización de este disco: Si bien son canciones mayormente de Dream Theater (hay alguna que otra que son de autoría del mismo Rudess), el disco se encuentra bien lejos del metal, y hasta del rock. Más que adaptaciones, podría decir que son re-versiones, ya que salvo algunas excepciones, como el caso de Through Her Eyes o The Answer Lies Within, temas que se prestan para este experimento sin demasiado esfuerzo, el resto de las piezas distan mucho de ser el metal progresivo y enérgico de la banda homenajeada, para lograr versiones más bien ambientales, melancólicas, generadoras de paz y tranquilidad... (bueno, también admitamos que Rudess no eligió las canciones más poderosas de la banda, sino que todas destilan, en sus versiones originales, la categoría de lento o, en el caso más rebelde, la de balada)

Rudess logra entonces un producto de calidad superior. Se trata de un disco simplemente hermoso. Un disco melódico y romántico, en el sentido más cursi de la palabra, a la vez que melancólico y profundamente sensible. En fin, un punto más para Rudess.

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Disco resubido por Jessa Valdez

01. Dive My Car

02. Norwegian Wood (This Bird Has Flown)

03. You Won't See Me
04. Nowhere Man

05. Think For Yourself

06. The Word

07. My Michelle

08. What Goes On

09. Girl

10. I'm Looking Through You

11. In My Life

12. Wait

13. If I Needed Someone

14. Run For Your Life

Me niego terminantemente a hablar o decir algo acerca de The Beatles. Hacerlo sería una falta de respeto, tanto para con ellos como para con cualquier persona que alguna vez en su vida haya escuchado rock, sea cual fuere el sub-género. Cualquier persona que haya alguna vez escuchado aunque sea una canción de cualquier disco de rock, sea contemporáneo, sea del rock experimental y progresivo, o sinfónico, o rock and roll de los 60', 70's, escuchó a los Beatles.
Por lo cual, en este caso, me voy a limitar a intentar argumentar la presencia de este disco en este blog.

Muchos, o quizás sólo algunos, se estarán preguntando qué hace un disco de este grupo en este espacio, generalmente dedicado a bandas de la escena progresiva, sinfónica, fusión, metal, psicodélica, etc etc. Bueno, exáctamente por eso, por ser un espacio dedicado a bandas de la escena progresiva, sinfónica, fusión, metal, psicodélica, etc, etc, es por lo que este disco está acá. Por que los Beatles fueron todo eso, y muchas cosas más.

¿Por qué este disco? Porque estoy completamente convencido de que si este disco no hubiese sido grabado, jamás hubiesen existido ninguno de los géneros del rock que arriba nombré.
En este disco de 1965, Rubber Soul, el grupo hasta ese momento reconocido como un grupo de rock and roll que pasaban sus días escribiendo temas que enamoraban a sus fanáticas, explotando la temática del amor romántico y cursi, da un giro fundamental en su forma de componer, para, por un lado, comenzar a abarcar en sus letras temáticas mucho más amplias, relegando el tema del amor romántico a un lado, y meterse en situaciones más retorcidas y complejas. Por otro lado, dejan de lado su sonido y estilo musical originales, aquen apoyado en las melodías felices y pegadizas, para comenzar a experimentar, no solo con nuevos ritmos, sino también con nuevos instrumentos, como el sitar, siendo todos los temas del disco escritos por los integrantes de la banda.
Todas estas características dan un resultado notable, que justifica la caracterización de este disco como EL antecendente fundamental de toda la vertiente de rock experimental y progresivo a partir de fines de los 60's y la década del 70': composiciones completamente originales e íntimas, de un profundo contenido personal que da a conocer por primera vez la verdadera capacidad compositiva de la banda, sumado esto a lo que sería el primer esbozo de un rock experimental, con una clara tendencia hacia el progresivo.
Así y todo, el disco cuenta con varios hits, como son los casos de My Michelle, Drive My Car, y, de igual manera, aunque en una perspectiva más elitista, In My Life o Norwegian Wood (This Bird Has Flown).

En general la voz popular etiqueta a The Beatles como una banda de rock and roll, perdiéndo completamente de vista la veta que muestran a partir de este disco, que es en definitiva la más franca y personal, la más esencial, la que mejor define el estilo verdadero de la banda, aquel que no apunta a quedar sonando en las cabecitas de los oyentes, u obtener los chillidos de las fanáticas, sino más bien (y por primera vez) a demostrar todo lo que The Beatles fueron, y sobre todo, todo lo que The Beatles sería.

Pass: levente

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The Shadowland - Falling

Disco resubido, publicado originalmente el 01.03.2008

01. Can You Tell Me

02. Turn Back Home
03. Falling
04. Perfection
05. Don't Turn This Love Into Hate
06. Some Old Muddy Roads
07. Justice With My Hands
08. In The End
09. Turn Back Time
10. Don't Chain My Heart

The Shadowland (no confundir con la banda inglesa de neo-progresivo formada formada en los 90's por el tecladista de Pendragron, Clive Nolan, llamada Shadowland), es una joven banda de metal (en varias de sus formas) oriunda de Suecia. Al ser una banda completamente nueva es de entender que haya poco para decir de ellos, o al menos de su historia, que tampoco ha prolifierado en las fuentes habituales que la net tiene para ofrecernos. Lo único que puedo decir de la banda es lo que he encontrado en el MySpace de la misma, a saber: http://www.myspace.com/shadowland1. Me basaré entonces en esta pequeña y poco específica reseña histórica.

Según cuentan, algunos años atrás, algunos de los actuales miembros terminaron, al parercer por arte del azar, tocando en la misma banda. En ese momento, y luego, construyeron, sin siquiera darse cuenta, las bases para lo que sería The Shadowland. Algunos años y cambios de formación después el cantante Robert Forse (ex Heads Of Tales y Afterglow) y el guitarrista Tobias Andersson (miembro de Seven Wishes), comenzaron a escribir canciones juntos. A medida que la composición avanzó, también fueron grabando sus creaciones, para dar con un productoi final bastante interesante. Finalmente a este duo de se suman el baterista Olle Rodéhn y el bajista Magnus Jönsson (ex Damned Nation), con quienes la banda terminará de tomar forma como proyecto firmemente conformado.

Ahora sigo yo, como librepensador que soy (?). En cuanto a sonido y estilo, se hace difícil ubicar a esta fabulosa banda en un único estilo. Lo que sí puedo afirmar sin miedo a ningún tipo de represalia, es que me hace acordar MUCHO a Symphony X (de la que asumo son fanáticos), y por momentos, también a Dream Theater y bandas similares.
Pero hay algo que los diferencia de estas bandas. The Shadowland parece dar mucha importancia a las melodias, contando así con secciones instrumentales mucho más cortas y menos complejas que las bandas que antes nombré, optando por un formato si bien metalero, más de canción. En este sentido, si bien la banda se perfila en muchos casos como un buen representante del metal progresivo contemporáneo, me atrevo a destacar una veta más bien de metal melódico, más acentuado en la melodía y las letras, que en la complejidad musical y técnica. Lo asombroso es que a pesar de esto, es una banda que no pierde ni un céntimo de calidad frente a estos dos gigantes del metal progresivo y melódico.
Y todo esto se pone de manifiesto en su primer trabajo (y único por el momento), Falling, del año 2007.

Las bandas suecas no son de las más conocidas en el ambiente, y The Shadowland no corre una suerte distinta del grueso de grupos de dicho origen. Así que en pro de la escena musical sueca (que por otro lado nos ha dado algunas bandas muy interesante, como es el caso de Opeth o Nightingale), les dejo este precioso disco.

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Museo Rosenbach - Zarathustra

01. L'ultimo Uomo

02. Il Re Di Ieri

03. Aldilá Del Bene E Del Male

04. Superuomo

05. Il Tempio Delle Dessidre

06. Degli Uomini

07. Della Natura

08. Delleterno Ritorno

Volvemos, luego de un moderado (?) lapso en el que el tiempo y las circunstancias hicieron dificil realizar el árduo trabajo de investigar, postear, publicar, etc. Y no sólo volvemos al ruedo con la publicación de discos, sino que también es una vuelta a los clásicos de clásicos, a esas bandas que hicieron que hoy en día exista el rock, el rock de Ley, tal y como es. Esas bandas que ya desde principios de los 70's se animaban a experimentar, a dejarse llevar más por sus corazones que por sus cuentas bancarias, en fin, a hacer algo de arte; de ese que hoy en día viene escaceando.

Es este el caso de Museo Rosenbach, agrupación italiana, formada allá a principios de los años 70's (entre 1971 y 19732 se consolida la primera formación), por Stefano Galifi (voz), Enzo Merogno (guitarra y voz), Pit Corradi (teclados), Alberto Moreno (bajo, piano y melotrón) y Giancarlo Golzi (batería, percusión, voz).

Cuenta la historia que la banda comienza su desempeño musical en vivo presentandose como soporte de otras bandas de le época (como Richi e Poveri, o Delirium), para ir poco a poco y gracias a la gran capacidad de todos y cada uno de sus integrantes, ganando adeptos que con con el correr de sus presentaciones comenzarían a asistir a las mismas con la exclusiva intención de ver a Museo Rosenbach. Y hablando de la capacidad de sus músicos, cabe destacar que si bien funcionan de manera impecable como banda, lo que cada uno puede hacer y hace, efectivamente nos pone frente a una agrupación formada por excelentes instrumentistas y músicos solistas. Con esto no hablo de individualidades o división, sino más bien de que cada uno de los integrantes e Museo Rosenbach puede, debido a su virtuosismo, ser el protagonista en cualquier momento para pasar a un segundo plano luego, cuando cede su lugar a alguno de sus compañeros. Ultimamente esto es bastante complicado de encontrar, ya que en general, en toda banda exite algún flojito, alguno que no termina de encajar. Bien, esto es lo que no está ni cerca de ocurrir en Museo Rosenbach. Todos y cada uno son genios, virtuosos, artistas de la más elevada índole. Voz y música se entremezclan de una manera única, incomparable realmente, de la mejor manera, claro.

Y en este contexto nace Zarathustra, disco que, a pesar de la cantidad de elogios que la banda merece, será su único lanzamiento oficial (luego apareceran distintas ediciones ilegítimas de trabajos en vivo, rarezas, lados b, etc.). El disco es editado en el año 1973, y como su nombre lo indica, se trata de una obra conceptual dedicada íntegramente al libro de Nietzsche, "Así habló Zarathustra", en el cual el autor desarrolla su concepto de Superhombre, a partir de la idea de un Dios que ha muerto, al cual ya no se puede recurrir como base para la existencia ni para la acción.

Ahora, lo curioso es que no se trata para nada de una musicalización del los pasajes del libro, ni de una mera adaptación a sus ideas, sino más bien de una suerte ópera en la cual se realiza una rigurosa lectura filosófica del libro del autor alemán. No hablamos un disco en el cual algunas temáticas de la obra son tomadas y poetizadas, no. Hablamos de ocho canciones que son ocho discursos, ocho monólogos de Zarathustra, aquel personaje que recorre el mundo brindando su enseñanza, coligiendo su profesía. Como monólogo, como discurso, se tratan de distintas plasmaciones de verdad. No en el sentido absoluto del término, sino en el de verdad del sujeto. Cada canción habla de una verdad de este polémico personaje que, como el nuevo elegido, dicta la Ley y hace la regla.

Yendo ahora a lo estrictamente musical, es desde un principio notable el cuidado puesto tanto a la composición como a la ejecución. Todas las piezas son de una solidez destacada, de una prolijidad pocas veces palpada, y, sobre todo, constan de una continuidad que lo hacen un disco integrado, integrador, homogeneo hasta en su más mínimo detalle. Uno de esos discos en los que uno se propone prestar una profunda atención a todo lo que ocurre, pero que, sin excepciones, termina hudiendo al oyente en los profundos mares de su contenido, oyente que se sorprende cuando el disco, como de la nada, llega a su finalización. Y es esta una sorpresa grata: no por desear el final del disco, sino porque el viaje fue tan agradable, que ni siquiera se sintió, y sin embargo, genera un sentimiento de armonía y paz unicos.

Finalmente, me gustaría hacer una mención especial al sonido. Si bien estamos en la era del cd, dvd, etc, todos hemos tenido la experiencia de adquirir grabaciones muy antiguas que, aunque hayan pasado por veinte remasterizaciones, no dejan de atestiguar lo pobre de las tecnologías pasadas. En el caso de Zarathustra, lo podrán comprobar, es una pieza de un sonido tan prolijo, tan cuidado, tan delicado, que sorprende pensar que se haya grabado hace más de 30 años. Recuerda quizás a la experiencia Dark Side Of The Moon, otro disco notable en lo referente al sonido (sin entrar en detalles sobre lo grandioso del disco en sí); pero tengamos en cuenta que en este caso, no nos encontramos ni en Inglaterra, ni en los estudios Abbey Road, ni está Alan Parsons a cargo del sonido y la mezcla. Estamos en Liguria, pequeña población al norte de Italia, con no más de 1.700.000 habitantes en la actualidad. Esto es algo completamente distinto.

Ahora si, sin más, les deseo una gran escucha, y espero que lo disfruten.

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Para junio, nuevo disco de Dream Theater !

Para los que aun no están al tanto, el pasadísimo 13 de marzo del corriente 2009, Dream Theater, banda ícono del metal progresivo, a esta altura recontrareconocida ya por todos los visitantes de este blog, anunció, para el día 23 de junio, la salida de su décimo trabajo de estudio: Black Clouds & Silver Linings, disco en el que venían trabajando desde octubre del 2007, luego de lanzado Systematic Chaos.

El disco, editado por Roadrunner, y nuevamente producido por Mike Portnoy y John Petrucci (baterista y guitarrista de la banda respectivamente) y mezclado por Paul Northfield, será lanzado en dos versiones: una versión standar, en cd (con la opción vinilo) y otra, una Edición Especial de 3 cd's que incluirá: 1. el álbum completo; 2. otro disco que constará de las mezclas instrumentales y, 3. un tercer cd con 6 covers.

El disco contará de 6 tracks:

01. A Nightmare to Remember
02. A Rite of Passage
03. Wither
04. The Shattered Fortress
05. The Best of Times
06. The Count of Tuscany

El día 6 de mayo pasado la banda liberó, vía web oficial del sello Roadrunner, A Rite Of Passage, primer corte de difusión del disco, que pueden descargar haciendo click en el nombre del tema.

Que lo disfruten!

Anathema en Argentina - 31.05.2009, Espacio Cultural ND Ateneo

Felizmente, Anathema, una de las mejores bandas que el post rock ha dado en los últimos casi 20 años, vuelve a presentarse en la Argentina, para presentar en este caso su último trabajo de estudio, Hindsight, álbum semiacustico que revive las canciones más representativas de la historia de la banda, y que ha sido publicado en su momento en este mismo blog.

La cita será entonces el día domingo 31 de mayo del corriente 2009, en el Espacio Cultural ND Ateneo, Paraguay 918, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina, a partir de las 19 hs.

Las entradas pueden ser adquiridas mediante Plateanet o en el teatro, hasta una hora antes del show.

Entonces:
Fecha: 31 de mayo, 2009
Horario: desde las 19 hs
Lugar: Espacio Cultural ND Ateneo (Paraguay 918, Capital Federal, Bs. As., Argentina)

Valor de las entradas:
Platea: $150, $120, $110, $100 (según ubicación)
Palco: $150
Super Pullman: $100, $90 (según ubicación)
Pullman: $90, $80 (según ubicación)

Nos estamos viendo allí!

Liquid Trio Experiment 2 - When The Keyboard Breaks: Live In Chicago

01. Universal Mind (When The Keyboard Breaks)
02. The Chicago Blues & Noodle Factory
03. Fade Away Or Keep Going?
04. The Haunted Keyboard
05. Close Encounters Of The Liquid Kind
06. Ten Minute Warning
07. That 'Ol Broken Down Keyboard Blues
08. Liquid Anthrax
09. That's All Folks

Si bien en otro post ya hablamos de esta súperformación circunstancial, que en lo general se mantiene, es necesario en este caso destacar algunas diferencias. Y más específicamente una diferencia, la que da sentido a la existencia misma de este disco.

En caso de Spontaneous Combustion, primer disco editado bajo la autoría de este grupo, la cosa era más o menos así: Durante la grabación del segundo proyecto de Liquid Tension Experiment, John Petrucci, guitarrista de la formación (y de Dream Theater) pendiente del nacimiento de su hija, deja por un tiempo el estudio. En este tiempo libre los tres integrantes restantes (Mike Portnoy, Jordan Rudess (Dream Theater) y Tony Levin (King Crimson) continuan en el estudio realizando diversas improvisaciones, que Mike Portnoy grabará, las que formarán dicho primer trabajo.

En el caso de este nuevo trabajo, When The Keyboard Breaks, grabado en junio del año 2008 en y recientemente editado, las cosas son algo distintas.
Cuenta la leyenda que promediando los 2/3 del show que Liquid Tension Experiment diera el día 25 de junio del año 2008 en la ciudad de Chicago, el teclado de Jordan Rudess sufre un extraño desperfecto a partir del cual una serie de notas comiezan a sonar de manera extraña. Ante la imposibilidad de corregir de manera inmediata el problema, el tecladista desespera, se irrita y corre a hablar vía telefónica con la fábrica misma de los teclados Roland, en Japón.
Mientras tanto, Portnoy, Petrucci y Levin siguen en el escenario, pero no se quedan con los brazos cruzados: Como afortunadamente esta es una formación a la que no sólo le encanta improvisar, sino que además lo hacen de manera fenomenal, el accidentalmente conformado trío decide entretener al público con sus creativas y a la vez increibles melodías espontáneas y circunstanciales.

En cuanto a lo musical, las diferencias más notables son quizás en cuanto a los géneros recorridos: en el trabajo anterior se podía notar quizás un dejo más experimental, más cercano al jazz y fussion, logrando piezas quizás menos definidas que en este caso, en el cual el liderazgo es ejercido más bien por el guitarrista John Petrucci, recorriendo lugares más accesibles al oído común, poniendo algo de órden al asunto, adentrándose en melodías más rockeras, algún que otro blues, alguna balada melosa y, claro está, el infaltable metal progresivo.

Nace así entonces un nuevo disco del trío. Esta vez en vivo. Esta vez con guitarra y sin teclado. Pero, como siempre, con una calidad musical y creativa excepcional, que como siempre, vale la pena no perderse. Estamos una vez más ante un trabajo sin precedentes (en sentido amplio, ya que ni siquiera fue planeado) y sin comparación completa posible. Otro 10+.

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3 x 1 de Progresivo Experimental Instrumental

Discos enviados por David


Russian Circles - Enter

01. Carpe

02. Micah

03. Death Rides a Horse

04. Enter

05. You Already Did0

06. New Macabre

Russian Circles es un trío oriundo de Chicago, formado por Mike Sullivan (guitarras), Dave Turncrantz (batería) y Brian Cook (bajo).

El estilo de la banda podría ser fácilmente comparado con otras agrupaciones como Isis y sus vecinos Pelican (dos bandas por demás esenciales y recomendables), siempre y cuando se caiga en el reduccionismo y la falta de profundidad en la escucha/observación de lo que Russian Circles intenta hacer. Quiero decir con esto que es esta una banda que, a pesar de transitar eventualmente los senderos más bastos del post rock instrumental, experimental y progresivo, es una banda que, gracias a sus melodías, homogeneidad, su tinte más bien metálico y a la vez, su capacidad para lograr que dentro de una misma pieza convivan las más variadas melodías y ambientes sin generarse conflicto alguno, y combinado todo esto con la más delicada técnica y un sonido realmente prolijo, en el que se deja ver un gran esfuerzo y dedicación.

Enter, del año 2006, es el primer disco larga duración de la banda. Como todo primer trabajo describe por medio de sus sonidos (más que nunca acá, tratándosede un álbum puramente instrumental), describe por medio de sus sonidos todas las características arriba referidas, las cuales hacen a la banda en si, a su esencia, convirtiéndola quizás en una de las bandas más prometedoras de estos géneros.

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Pass: dsito

Scale The Summit - Monument

01. Shaping The Clouds

02. Wolves

03. Crossing The Ocean

04. Omni

05. Rode In On Horseback

06. Roof Of The World

07. Penguins In Flight

08. Holding Thunder

Scale The Summit es un cuarteto de formado en Texas, Estados Unidos, formada en el año 2004 por los jóvenes guitarristas Travis LeVrier y Chris Letchford. Con un espíritu jóven e innovador, el objetivo de la banda era claro y conciso: Crear un nuevo sonido que, sin dejar de lado la técnica y la complejidad melódica, pudiera ser accesible a todo tipo de oido. Es a partir de este objetivo común que los dos talentosos muchachos comienzan a desarrollar su obra.

En marzo del año 2005 se suma a la agrupación Pat Skeffington, baterista que con su gran técnica y habilidad suplementará al hasta ese momento duo convirtiéndose en una parte esencial de la música de la banda. En agosto del mismo año se suma el último miembro del grupo, el bajista Jordan Eberhardt, consumándose así lo que será la formación definitiva de un gran grupo de metal progresivo/experimental instrumental.

En cuanto al estilo propio del grupo, me atrevería a decir que estos muchachitos tejanos logran a la perfección su objetivo primero, ya que manteniendo el virtuosismo, una técnica impecable y una complejidad musical y melódica fuera de serie, de una matemática perfecta, logran piezas realmente accesibles, relativamente cortas, bien definidas y desarrolladas, y que se sostienen en el fondo en la base del metal más clásico a la vez que toman los elementos esenciales del rock progresivo más básico, logrando una amalgama muy interesante y más que recomendable.

Monument data del año 2007, siendo el primer trabajo de estudio de la banda. Con lo antedicho sobre la banda no hace falta describirlo ni dar más apreciaciones personales; pero sí se hace extremadamente necesario- más bien urgente- escucharlo.

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Pass: dsito

K3 - Under A Spell

01. Under A Spell

02. Fear Of Death

03. Trapped

04. Persecution

05. Ritual

06. Path Of A Storm

07. Soul Of The Forest

08. Before Disaster

09.The End Of Evolution

K3, trio oriundo de Hungría es formada por János Kállai en 1995, con el objetivo de tocar/crear la música que le gustaba escuchar: rock instrumental. Así la banda comienza realizando, entre otras cosas, covers y versiones de canciones de Joe Satriani quien ejercerá una gran influencia, experiencia de por medio de la cual la banda irá poco a poco logrando el perfeccionamiento progresivo tanto de su técnica como en lo tocante a la composición, alejándose poco a poco del estilo Satriani, o mejor dicho, desarrollando un estilo propio, un estilo K3 en el cual se podrá escuchar por un lado rock/metal progresivo del más contundente, técnico y complejo, a la vez que se encontrará siempre presente una base, un trasfondo bien rockero, cortesía de los años de escucha y ejecución de las canciones del virtuoso de la guitarra.
Este estilo personal cuenta con un sonido realmente original, que por momentos se acerca a lo más crudo y pesado, de raices metaleras y distorcionadas, a la vez que las melodías principales son en general, a pesar de su agresividad y espontaneidad, dulces y suaves: una concepción muy difícil de explicar teóricamente, pero asumo que claramente reconocible al escuchar cada pieza.

Con estas características y siguiendo estos lineamientos nace en el año 2002 su primer disco de estudio, Above The World, si bien aun más cercano a sus raíces rockeras, contando con todos los gérmenes de lo que será la actualidad de la banda.

Es entonces en el año 2007 editan Under A Spell, disco en el cual la banda se anima finalmente a lanzar todo el progresivo que tiene adentro, quedando consumado el estilo K3 del que hablába más arriba.

Un disco con claras influencias tanto de Joe Satriani, Steve Vai y otros, pero también, de bandas netamente progresivas, como Dream Theater, y de otras más metaleras como Slayer, así como también de algunas que no sé cómo catalogar, como es el caso de Slipknot.

Un dato útil alr especto es que en este disco participa Jordan Rudess, tecladista de Dream Theater.
En consecuencia, Under A Spell se presenta como un disco variado y flexible, a la vez que homogeneo y definido, que permite más de una escucha consecutiva, a pesar de su energía y destacada agresividad. Un disco que sabe crear y destruir ambientes variados, y esto en el sentido más positivo: sabe cómo hacer una u otra cosa sin destruir por eso la obra completa, sabiendo saltar de un estilo a otro de manera casi imperceptible, o mejor dicho, logrando que el oyente se percate del salto sólo una vez que fue consumado.

Realmente recomendable. Especial para escuchar por la mañana, para comenzar el día con energía y empuje.

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Pass: dsito

Roger Waters - Amused To Death

01. The Ballad Of Bill Hubbard

02. What God Wants (Part 1)

03. Perfect Sense (Part 1)

04. Perfect Sense (Part 2)

05. The Bravery Of Being Out Of Range

06. Late Home Tonight (Part 1)

07. Late Home Tonight (Part 2)

08. Too Much Rope

09. What God Wants (Part 2)

10. What God Wants (Part 3)

11. Watching TV

12. Three Wishes

13. It's A Miracle

14. Amused To Death

¿Realmente hace falta hablar de Roger Waters? ¿Hace falta siquiera nombrarlo una vez más luego del título de esta publicación? Creo que no, peeeero, independientemente de que sea o no necesario, él se lo merece, se merece este homenaje, aunque sea por medio de una pequeña reseña de su vida y obra.

George Roger Waters nace en 6 de setiembre de 1943 en Great Bookham, Reino Unido, donde vivía junto a su madre y sus dos hermanos, John y Duncan. Su padre, Eric Fletcher Waters era maestro de educación física y religión, y era profundamente cristiano. Cuando murió, el 16 de febrero de 1944, en Anzio, Italia, cuando corriendo la 2da Guerra Mundial, los alemanes contraatacaron el área donde la Real Compañía C estaba acantonada, Roger tenía apenas 5 meses, y nunca llegó a conocerlo.
Al poco tiempo de la muerte de Eric Fletcher Waters, la familia se muda a Cambridge, donde viven con su madre. Según el mismo Roger "... Ella (su madre) no incentivó mi creatividad, Ella, no estaba interesada en música o el arte, solo le interesaba la política. Yo no tuve una infancia feliz, me escapaba de la escuela, sobre todo después que fui al colegio de gramática…"

Es durante esta época que conoce a Roger "Syd" Barret, con quien formará una gran amistad y junto a quien pasará toda su juventud emborrachándose, consumiendo drogas y conquistando chicas, y a quien todavía hoy considera su fuente primaria de inspiración.

Luego del colegio Roger estudia arquitectura en la Universidad de Cambridge. Fue mientras estudiaba en dicho establecimiento que uno de los directores de la carrera lo anima a llevar su guitarra para que tocara durante las clases dedicadas a tareas de diseño: Fue ese su primer sentimiento de animación, su primera motivación seria hacia la música. Si bien había tenido otros intentos de aprender a tocar la guitarra en su adolescencia, a Roger le había parecido una tarea muy difícil y la había abandonado: "era difícil, me dolían los dedos y lo encontré muy difícil... ", dice.
En el politécnico había un salón donde al parecer la gente gravitaba con sus instrumentos. Waters comenzó entonces a involucrarse en esos grupos, formando varias bandas con distintos nombres. Fue con la entrada de Syd Barret a una de esas formaciones que nació The Pink Floyd, que luego sería, simplemente, Pink Floyd. Aunque es recien con la llegada de Bob Close que la banda comienza a tomar forma, pasando Roger a la guitarra rítmica, y finalmente, al bajo.

A medida que la banda comienza a tener cierto renombre en el underground londinense, Roger comienza a percatarse de que, en realidad, la banda era realmente desastrosa: "... Nosotros dabamos risa. Eramos inútiles. No podíamos tocar en lo mas mínimo así que teníamos que hacer algo estúpido y experimental.". Esta situación, sumada al rápido deterioro mental de Syd Barret, hasta ahora líder de la banda, lleva a Waters a la decisión de expulsarlo de la banda y tomar él el rol de compositor principal, convirtiéndose progresivamente en el nuevo líder de Pink Floyd.

En este punto deberíamos hablar a fondo de Pink Floyd, pero no es el objetivo (y ya lo hicimos en otro lado). Así que vamos diréctamente al momento crítico.

en 1978 Waters presenta a la banda dos proyectos: The Wall y The Pros And Cons Of Hitchicking. Si bien ambos proyectos eran profundamente personales, la banda acepta grabar The Wall. pero a medida que la grabación avanza, las diferencias y peleas entre Roger Waters y Rick Wright se tornan cada vez más fuertes y la relación insostenible, por lo cual Roger amenaza con detener la grabación al menos que Rick se alejara del grupo. Ambos abandonan el grupo, pero Waters regresa una vez que Wright se ha alejado. Al mismo tiempo hay problemas entre Waters y David Gilmour. Queda claro que The Wall es un disco completamente personal e íntimo de Waters. Así bautiza al personaje Pink Floyd, identificándose con él. El disco sería un éxito, pero el fin era inexorable.

En 1983 Waters encara la grabación de lo que será su último disco en Pink Floyd: The Final Cut, para abandonar luego la banda y dedicarse de entero, y completamente alejado de sus ex compañeros, a su carrera solista.

Así, Waters edita su primer disco en solitario: el proyecto anteriormente ofrecido a los integrantes de Pink Floyd: The Pros And Cons Of Hitchicking, que podría, por su estilo, haber sido un disco de la banda. Pero ¿de qué Floyd? ¿el de The Final Cut? ¿El anterior?.

Entre varias peleas legales con los demás integrandes de Pink Floyd y con el manager del grupo, Waters continua su carrera solista, siendo convocado para grabar la banda sonora del film When The Wind Blows, de Rymondd Biggs, a la vez que continúa trabajando en lo que será su segundo disco solista: Radio KAOS, disco de tintes más bien pop, en el cual, a pesar de todo Waters no pierde su cinismo característico, que revitaliza su compromiso social, desde la ficción de una Radio ubicada en Los Angeles.

El 21 de julio de 1990 presenta The Wall Live In Berlin, grabación en vivo del mítico disco en la que participarán grandes artistas del momento: Scorpions, Bryan Adams, Sinead O´Connor entre otros. Show del cual dona todas las ganancias a la Leonard Cheshire´s Fund para desastres internacionales. De todas maneras, en esta presentación queda clara una cosa: si bien The Wall era su creación íntegra... no era lo mismo sin Pink Floyd, sin la verdadera Pink Floyd.

1992. Roger Waters comienza a entender que Pink Floyd es más, mucho más que Roger Waters. Y es justamente cuando el artista es capaz de reconocer esta situación el momento en que nace lo que será su obra maestra, lo mejor lejos en la carrera solista de Waters, comparable a sus mejores momentos en Pink Floyd. La vista del artista se aleja del espejo, su ego se diluye. Nace Amused To Death, obra en la cual Waters recorre una a una sus contradicciones, sus obsesiones, sus conflictos internos; obra en la cual busca entender el sentido, el perfecto sentido de todo lo que ocurre en el mundo; obra en la cual intenta comprender y explicar todo lo que ocurre. La guerra y la pérdida de su padre, al que nunca pudo conocer realmente, aun lo atormentan. Mientras tanto, la televisión muestra los levantamientos armados en distintas partes del mundo como si se tratara de un programa de chismes o un partido de basquetball.
Esta profunda incomprensión, manifestada en la más irónica explicación, en la más cruda queja, en la más sarcástica manifestación del perfecto sentido, son lo que hacen de este trabajo un trabajo una obra maestra, una obra brillante, una avalancha de sensaciones, de impulsos desbordados por la impotencia ante una maquinaria de idiotización sistemática.

Y cuenta para esta arriesgada obra con la participación, ni más ni menos, de la guitarra en manos de Jeff Beck quien, advertido de cuán necesario era David Gilmour para semejante obra, da todo de sí, dándo a la obra un toque único, como el que sólo él podría aportar.

En definitiva, este es un disco que no pasa desapercibido, como quizás si ocurrió con los primeros intentos solistas de Waters. Quizás conocidos, pero dejando una sensación de incompletud, de forzamiento. En este caso, contrariamente, nace un disco que surge de lo más profundo del ser del artista, quien, finalmente y luego de incontables luchas tanto internas como externas, consigo mismo, con los integrantes de Pink Floyd, con su manager, etc., puede ahora decir: Este es Roger Waters: cínico, electrizante, emocionante, sensible y profundo.

Hoy, si entramos al sitio oficial de Roger Waters, podemos leer, sobre un fondo de velas, un sensible mensaje/homenaje a quien fuera otro genio creador de Pink Floyd: Richard Wright.

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Twilight en Vivo! 7 de marzo 2009 en Unione & Benevolenza!

Sobre la banda.

Les informamos que el día 7 de marzo del corriente 2009, Twilight, excelente banda de heavy metal, se estará presentando, junto a Leonidas y Walyria en Unione & Benevolenza, cito en Perón 1372, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.

En esta ocasión, contando con un considerable éxito en el ámbiente, un excelente disco en grandes disquerías, y hasta con un fenomenal video en rotación (Katrina), la banda que ha secundado en más de una ocasión a grandes del género (Sonata Artica, Edguy, Angra, Avantasia, Symphony X, entre otros) recibe el nuevo año con otro enérgico show, en el que, según las malas lenguas, no faltarán las sorpresas.

Muy recomendable!

Fecha: 7 de Marzo del 2009

Horario: 19.30 hs puntual!
Lugar: Unione & Benevolenza (Perón 1372, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina)

Entradas: $15 - Se pueden conseguir en BVM Records; Volumen 4, o enviando un e-mail a la casilla de la banda: twilightmetal@gmail.com.

Para más info:

http://www.twilightmetal.com.ar/

www.fotolog.com/twilightmetal

www.myspace.com/twilight

Opeth - Watershed (Special Edition)

01. Coil

02. Heir Aparent

03. The Lotus Eater

04. Burden

05. Porcelain Heart

06. Hessian Peel

07. Hex Omega

Bonus Tracks

08. Derelict Herds

09. Bridge Of Sights

10. Den Ständiga Resan

Acá la info sobre Opeth.

Una suerte vuelta las raíces.... a las raíces de Opeth, acá en cd-boxset. Digo esto porque la única vez que publicamos algo de esta gloriosa banda, fue aquel disco inusual de 2003, Damnation, en que la banda se alejaba completamente de sus usual estilo death metal, de voces guturales, y guitarras furiosamente distorcionadas, y, en cambio, se dedicaba a ejecutar canciones casi acústicas, melancólicas, más bien melódicas.

En este caso, entonces, volvemos un poco al origen de la banda, aunque, paradójicamente, esta vuelta al origen la hagamos mediante la presentación de su último disco de estudio, Watershed (2008).

Entonces, tenemos un disco en el cual vuelve el death metal, vuelve la distorción, vuelven los gritos desesperados, pero sin perder lo que hace a esta banda realmente grande: la capacidad de combinar estos elementos del metal más pesado con los del progresivo más elaborado y a la vez la habilidad de componer fascinantes y melancólicas baladas, como el caso de Burden, single de difusión del disco, y de donde surge la idea de poner, a partir de ahora, el énfasis en este tipo de composiciónes más tranquilas y emocionales, pero que nunca pierden la energía propia del grupo.

Es este un disco que muestra una real madurez de la banda, tanto en lo musical como en lo compositivo y así también en lo ejecutivo. Digo, si bien siempre se destacaron por su habilidad tanto musical como técnica, en esta nueva entrega de Opeth, esta capacidad se ve aun más perfeccionada, lo cual da al disco una solidez y uniformidad incluso más clara que en sus trabajos anteriores (en los metaleros, digo). Hasta antes de Watershed, personalmente, siempre me ha ocurrido que en algunas canciones de esta banda perdía el hilo conductor, hasta que, como por sorpresa, me daba cuenta de que todo volvía a donde debía estar, y volvía a reconocer la canción. Esto si bien muchas veces lo considero una virtud (digo, esto de estar en cualquier lado y súbitamente caer todos donde deben), a la vez puede marear y generar cierto desconcierto. En el caso de Watershed esto no ocurre: es un disco constante, integrado, homogeneo, con un claro hilo conductor a pesar de los múltiples cambios de ritmos, melodías, etc. Me atrevería a decir que es, hasta ahora, el disco más logrado en este nivel (el de la homogeneidad), aunque es cierto que algunas composiciones anteriores, como de Still Life (1999), o Blackwater Park (2001) son quizás más elaboradas y hasta quizás más atrapantes... hasta que se pierden (hasta que me pierdo).

Teniendo en cuenta todo esto diría que Watershed es un disco equilibrado, perfectametne equilibrado. Con la cantidad justa de metal, la cantidad justa de balada, canciones largas pero no tanto, progresivas pero no tanto, enérgicas pero no tanto. Un disco equilibrado, y emocionante, profundo y sensible. Un disco excelente.

En este caso les ofrecemos la edición especial que consta con tres canciones ausentes en el original.

Descargar (159.6 mb)

Enchained Souls - Silentium æternus

Disco enviado por Enchained Souls

01. Intro

02. Sicario Sideral

03. Nostalgias, Preludio De Un Suicidio Emocional

04. Congelando El Tiempo En Paredes

05. Oda A Mi Desolación

06. Requien I (Retrato De Un Desdicha)

07. Oda A La Desolación

08. Requien II (Suspiro Intraural)

09. Más Allá Del Muro Del Sueño

10. Paternidad En Inopía

11. Incoherent Minds

12. Eternal Bloody Romances

13. De Misantropía e Hipocrecía

14. Arrebato Demencial

15. Slave Of Your Wishes

Antes que nada, queremos agradecer a la gente de Enchained Souls por haber enviado gentilmente su último trabajo para que lo publicáramos en cd-boxset, confiando en nosotros como un buen espacio para la difusión de su música, así como también les agracedemos su posición en cuanto a esta difusión, que sigue los lineamientos principales de este espacio: la idea es compartir buena música.

Enchained Souls es una banda de Gothic Metal melódica de Bahía Blanca, Argentina, nacida en los primeros meses del 2004, año en el que ya realizan su primera presentación en un bar local, con una excelente aceptación. A partir de esa fecha la banda ha realizado mas de 20 presentaciones en la ciudad y la provincia de Buenos Aires sumando gran cantidad de seguidores y logrando llegar más allá de las fronteras de su país, si bien no con su presencia efectiva, sí con la difusión de lo que fué su primer disco de estudio llamado Tears Of Silence, lanzado de manera independiente durante el año 2006.

Ya durante sus primeros meses de vida la banda participó activamente de concursos a nivel local y regional en los cuales logró destacarse entre más de 250 bandas de la zona, y obteniendo un lugar en el Epecuén Rock 2005. Más tarde, en el año 2007, logran uno de sus sueños, lo que será uno de sus máyores logros hasta el momento: tocar junto a Anathema. En este mismo año editan el demo Symphonic Poems, adelanto de lo que sería su segundo disco de estudio, y que llegaría aun más lejos que el primero, dando a conocer a la banda en diferentes partes del mundo, sobre todo en Europa, Rusia y otros países orientales.

Para septiembre del 2007 la banda encuentra su formación definitiva: Carolina Villamayor (voces), Pablo Costamagna, (guitarra y voces), Marcos Lacalle (bajo) y Bruno Reggiani (batería), formación con la cual grabarán su segundo larga duración: Silentium æternus (2008), obra conceptual que marca una diferencia notable en el género y estilo de la banda, mostrando una mayor madurez en todos los aspectos. Así, en el disco pueden apreciarse notables diferencias con respecto a su su trabajo anterior. De estos cambios se destaca un giro hacia canciones más agresivas, más enérgicas, más cercanas al Back Metal, pero sin perder en ningún momento un enfático tinte melancólico. (Fuente: http://www.enchainedsouls.net/)

En cuanto a nuestra visión personal (la de cd-boxset, digo) podemos agregar que Silentium æternus es un disco que cava hondo. Todo el trabajo goza de una homogeneidad firme y constante, lo que lo hace un trabajo integrado e integrador, que permite, sin sobresaltos aunque con energía, escuchar el disco completo de un tirón, leerlo como si fuera un libro apasionante, acompañar a sus protagonistas a lo largo a lo largo de esta suerte de tragedia griega de manera vivencial, sufriendo sus infortunios casi en carne propia, a la vez que vemos como aprenden a, mediante el absurdo del infortunio mismo, salir adelante, o, al menos, no morir en el intento.

Es este un disco sensible, compuesto y ejecutado por gente sensible.
Un disco en el que- sobre todo- priman las emociones fuertes, las sensaciones profundas. Que invita a identificarse con su vivencia, o, al menos, intentar comprender la fé y a la vez el dolor que las mueven y revuelven. Un disco que, si lo permitimos, enfrenta a cada uno con sus más profundos dolores, así como también con sus más profundas y ocultas capacidades para superarlos de manera airosa, pero sin olvidar nunca quiénes somos, de dónde venimos... y, más que nada, hacia dónde vamos.

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Neil Zaza - When Gravity Fails

01. Something Anything
02. Purple Plush
03. Cinematie
04. In My Dreams
05. Bleed
06. Celestine
07. Danza Della Notta
08. Heavyoeity
09. My Only Son
10. The Dearest
11. Ultra
12. The Awakening
13. Before The Throne

Bonus Tracks
14. Amazing Grace
15. I'm Alright

Personalmente, Neil Zaza es una de las sorpresas más agradables que he tenido en los últimos tiempos (con esto me refiero a que lo descubrí hace muy poco, por pura casualidad. Sin embargo, la carrera de este muchacho data de varios años atrás, casi 20 años atrás)

Oriundo de Northfield, Ohio (USA), Za comienza a tocar la guitarra a la tierna edad de 10 años, para dedicarse luego al estudio de la guitarra clásica. Ya crecidito comienza a impartir clases de guitarra, y para 1987 forma su primera banda, Zaza, agrupación que, a pesar de un gran y repentino éxito, se diluye al poco tiempo. Momento en el que Neil comienza su fructífera carrera solista.

En 1992 lanza su primer álbum solista, Two Hands, One Heart, con el cual se vuelve instantáneamente, según pude enterarme, en la nueva sensación guitarrera, un nuevo guitar hero hacia el cual todos los entendidos orientarán su mirada. Ya en este trabajo comienza a delinearse lo que será un estilo único, una técnica implecable y un corazón de oro.
Para 1993 Zaza edita su segundo trabajo Thrills and Chills, que sigue el mismo camino del éxito. Su habilidad musical llevan a que ese mismo año sea invitado como solista en una presentación junto a la Hartford Symphony Orchestra, para la ejecución de piezas como 1492 y West Side Story.
A pesarde todos estos datos, es recién en 1997 cuando Zaza alcanza el estrellato, el renombre de los grandes de la guitarra, con I'm Alright, single incluido en su tercer disco solista, Sing. Canción que además de generar sensaciones sumamente positivas, de tener una melodía inexorablemente inolvidable, y a pesar de, gracias a estas dos cuestiones, ser aparenentemente una pieza simple y fácil de ejecutar, requiere de una técnica y un feeling extremadamente bien desarrollados, a la vez que (y esto resulte quizás obvio) de una capacidad compositiva, de introspección, de expresión realmente importante. Una de esos temas que hablan básicamente del autoconocimiento, del autoexamen, de la autocrítica, y, finalmente y derivado de todo ello, de la satisfacción. A partir de este momento la carrera de Zaza no puede ir más que en subida, una fácil aunque merercida subida.
Su cuarto disco, Staring At The Sun es la prueba más inmediata de este hecho, que lo llevó, por otra parte, a participar de varias compilaciones y homenajes, como es el caso de Warmth In The Wilderness. Vol II, en el que se rinde tributo al más grande: Jason Becker.
Pero, siguiendo con los trabajos solistas, en el año 2002 son editados los dos volúmenes de One Silent Night..., disco dedicado a la ejecución de canciones navideñas (o que al menos emulan el estilo), y que dará más de una satisfacción al gran artista, siendo uno de los discos más queridos por él mismo, y que ejecuta más de una vez en vivo.

Llegamos entonces al año 2006. Zaza es ya un grande de la guitarra, un virtuoso, una referencia obligada. Por ende goza no solo de renombre, sino de la amistad de otros grandes músicos, esos que cada uno de nosotros quisiera conocer y poder sentarse a tomar una cerveza con ellos. En este contexto amistoso/profesional/artístico, lanza When Gravity Fails, disco que, además de ser una obra maestra del rock instrumental, cuenta con la participación de artistas realmente grandes, nombres realmente importantes: Peter Frampton, Jordan Rudess, Steve Smith, Ros Valory, entre otros, acompañarán a Zaza en este nuevo viaje al más allá.

When Gravity Fails se pasa. Zaza se pasa (y sin esfuerzo, me salió un verso (?).
Todo lo arriba referido acerca del artista está puesto en este disco de manera enfática, destacando cada una de sus virtudes, tanto en lo compositivo como en lo referente a la ejecución, tanto en lo relativo a la técnica como en lo tocante al corazón, al feeling. Este es un disco que hace, tema a tema, referencia directa, sin vueltas al nombre mismo de cada pieza, lo cual no siempre es fácil de lograr ni de encontrar en el rock instrumental. Con esto quiero decir que canciones como Bleed, hacen entender la sensación de un corazón que sangra, In My Dreams es un sueño, Something Anything es algo de lo que sea, pero algo que puja por hacerse reconocer, aunque aun no sepa muy bien cómo. Así es como se va destacando una habilidad envidiable del artista para la expresión, para la manifestación mediante simples sonidos de cada una de sus mas profundas sensaciones, sean estas las mas felices o las mas desafortunadas, sean estas las mas claras como las mas confusas. Sea la que sea... pero siempre siendo alguna.
Y este es el momento en que se hace necesario dejar de hablar, y permitir que la música haga el resto.

A propósito, nos tomamos el atrevimiento de incluir dos bonus tracks: Amazing Grace y el renombrado I´m Alright.

Enjoy it!

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Rick Wakeman - The Six Wives Of Henry VIII

01. Catherine Of Aragon

02. Anne Of Cleves

03. Catherine Howard

04. Jane Seymour

05. Anne Boleyn (The Day Thou Gavest Lord Has Ended)

06. Catherine Parr

Rick Wakeman es quizás uno de los tecladistas más reconocidos, representativos e influyentes que haya exisitido en el mundo del rock, sobre todo del rock progresivo y sinfónico.

De formación clásica, y nacido el 18 de mayo de 1949 en Perivalle, Midlesex, Inglaterra, ha sido desde sus comienzos una referencia obligada, fama seguramente ganada a partir de sus primeras colaboraciones en el grupo Yes, banda a la cual es imposible hacer referencia sin tener presente a este gran músico. Pero no todo comenzó en Yes... ni siguió sólo allí.

En 1970 Wakeman se une a la agrupación The Strawbs, con la que edita dos discos (Just A Collection Of Anquites And Curious, de 1970 y From The Witchwood, de 1971). Y es en 1972 cuando, luego de dejar esta agrupación se une a Yes, con quien editará, inicialmente, los dos trabajos que, quizás, le han otorgado la fama de la que hoy en día goza: Fragile y Close To The Edge, ambos de 1972, lo cual da al artista el impulso inicial para emprender, a partir de 1973, una fructífera carrera solista, gracias a la cual decide desvincularse de Yes (al menos por un tiempo), con vistas al desarrollo en solitario.

En 1973 Rick firma contrato con A&M Records, sello con el cual lanza a la venta, ese mismo año, su primer y sensacional trabajo solista: Six Wives Of Henry VIII.

Este es un disco conceptual que intenta, de alguna manera, mediante seis complejas composiciones instrumentales de caracter netamente progresivo, realizar una suerte de perfil psicológico (?) de cada una de las seis esposas del polémico rey inglés Enrique VIII, segundo monarca de la casa Tudor, famoso, entre otras cosas (probablemente más importantes), por haber tenido ni más ni menos que seis esposas (bueno, creo que lo de las esposas ya quedó claro).

En cuanto a la música en sí, se podría decir que dan una idea bastante cabal de cada personaje del que hablan. Es cierto que ninguno de nosotros podría comprobar los tintes de personalidad de cada una de ellas, pero, si se puede decir que Wakeman ha logrado resumir y desarrollar de manera impecable al menos lo que la historia nos cuenta sobre cada personaje y su relación con el monarca.

En resumidas cuentas, se puede afirmar que, luego de los excepcionales trabajos con Yes, Wakeman no erró al dedicarse de lleno a una profusa carrera solista y de colaboraciones, ya que, apenas comenzada, con el lanzamiento de The Six Wives... ya comienza a demostrar una capacidad inigualable para la composición y sobre todo, para la asimiliacón y posterior manifestación de temáticas completamente ajenas a él mismo, digo, a él mismo como sujeto: Por ejemplo, hablar de las seis esposas de Enrique VIII, o, posteriormente, desarrollar el Viaje al centro de la tierra, de Julio Verne (obra más exitosa aun), como otras tantas.

En sentido estricto, The Six Wives Of Henry VIII es un disco descomunal, ya que no solo permite leer las ya nombradas características de sus protagonistas, sino que encuentra la manera de expresarlas en melodías que a la vez transportan a otra época, a la época en que ellas vivieron. En este sentido se podría decir que Wakeman se transforma en un juglar del medioevo, cantando por la ciudad las peripecias de estas seis mujeres, generando una comprensión inmediata e innigualable no solo de las personalidades, sino de las sensaciones, de las emociones que el artista sospechó (donde se podría establecer quizás una rélación con él mismo como sujeto) en estas renombradas mujeres, que, de alguna manera, hicieron a la historia misma de su tierra natal, Inglaterra.

Que lo disfruten!

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Fish - Internal Exile

01. Shadowplay

02. Credo

03. Just Good Friends (Close)

04. Favourite Stranger

05. Lucky

06. Drear Friend

07. Tongues

08. Internal Exile

09. Something In The Air

Derek William Dick, mejor conocido como Fish, nació en Edimburgo, Escocia, un 25 de abril de 1958, ciudad donde creció y fue educado.

Habiendo pasado por diferentes trabajos (desde trabajar en la gasolinera de sus padres, hasta jardinero, empleado en comisión de bosques e inspector de sistemas contra incendios), en 1980 decide lanzarse al mundo de la música, audicionando para bandas en busca de vocalista. Luego varias audiciones, conoce a Steve Rothery, del grupo Marillion, grupo al cual se sumará, realizando su primera presentación en 1981 en un pequeño pub de Bicester.
En 1981 Marillion firma contrato con EMI para la grabación de un disco. Momento a partir del cual Fish comienza ser reconocido por el publico y la crítica, que lo comparan con Peter Gabriel por su estilo y energía, así como también por el tipo de voz y tono.

Luego de 7 años con la banda y varios trabajos de estudio, en 1988 Fish decide dejar la agrupación para dedicarse de entero a su carrera solista. Así, en 1990 lanza su primer disco solista, Vigil In A Wilderness Of Mirrors, que le valdrá el elogio de los seguidores de Marillion, quienes, con razón, seguían de cerca la carrera del ahora solitario vocalista.

Fish fue siempre reconocido, sobre todo, por sus letras. Es cierto que su particular voz fue también una característica distintiva, pero, como se dijo más arriba, gracias a esta voz fue comparado por ejemplo con Peter Gabriel. Lejos de ser una mala comparación, es una comparación al fin, lo cual quiere decir, un parámetro, alguna coincidencia. Ahora bien, en cuanto a las letras, a la poesía de Fish, se puede decir, simplemente, que son únicas. Es un artista que cuenta con una capacidad excepcional para poner en palabras cada una de sus sensaciones, pensamientos, impulsos, reflexiones. A todo esto, se suma una particular habilidad para elegir palabras y frases armónicas, melódicas, con ritmo; lo cual hace que, aparte de excepcionales líricas, sus temas cuenten con hermosas y armónicas líneas melódicas, con lo que logra que sus letras dejen de ser simple (aunque hermosa) poesía para ser música, palabras musicales, independientemente de la música efectiva que las acompañe. Si bien el componente musical de Fish siguió en general los lineamientos adoptados en Marillion, el componente principal de su música, no es la instrumentación, sino más bien su canto, la forma en que canta cada palabra. Y esta es otra característica en la que no se encuentra comparación, o, en todo caso, se podrá compara a otros con Fish, pero no a Fish con otros. Fish es, en el amplio sentido de la palabra, un vocalista, un cantante.

Internal Exile es el segundo disco de estudio del artista, y data de 1991.
Es este un disco que desborda de los elementos arriba referidos. Sin ir más lejos, pueden comprobar esta capacidad lírica apenas comenzada la reproducción del disco, con las primeras frases de Shadowplay, e incluso en cómo la instrumentación sigue la melodía de su voz, y no al revés. Esto es un fenómeno que se da durante todo el disco, que es, por otro lado, una verdadera joyita del rock progresivo.

A la vez, es con Internal Exile que Fish comienza a ganarse el derecho de piso: Si bien manteniendo un estilo característico que había desplegado en Marillion, y luego de un primer disco seguir principalmente por el público de dicha banda, y mirado bajo la lupa de la comparación, en este segundo trabajo, Fish demuestra que no necesita de Marillion ni de ninguna otra banda ícono para seguir componiendo y desarrollando grandes piezas musicales, grandes letras, e incluso, espectaculares instrumentaciones. Digamos que, luego de rendir tributo a su ex banda, con su disco de 1990, aquí decide demostrar quien es Fish, aquel Fish que está más allá de los velos de Marillion.

En síntesis, es este un disco profundamente personal, íntimo, en el cual el cantante despliega todas sus sensaciones, ideas y creencias, pero no solo en lo que dice, sino, sobre todo, en el cómo lo dice, en cómo suena, en lo que genera- profundamente- al que escucha cada una de estas preciosa piezas musicales.

Que lo disfruten!

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Fe de erratas: Error fatal (?)

Acabo de percatarme de que en el post dedicado al envío de discos para publicar (acá), la dirección de e-mail estuvo siempre mal escrita y linkeada (quiero suponer que por eso no llegaban discos :P).

Entonces, en vez de ser cd-boxset@gmail.com, la dirección correcta es cdboxset@gmail.com, sin el guión intermedio.

Pedimos disculpas por el error, y esperamos ahora lleguen más cosas para publicar!

Saludos!

staff de cd-boxset.

ESPECIAL ANIVERSARIO - 1 AÑO DE VIDA PARA CD-BOXSET!

Buenas a todos!

Como algunos ya lo saben, y otros se estarán enterando en este preciso instante, hoy, día 8 de enero del 2009, cd-boxset cumple su primer año de vida, cuestión con la cual estamos más que felices!

Y todo cumpleaños merece su festejo, y esta no es la excepción, así que como homenaje a nosotros mismos- aunque en realidad es en homenaje a todos ustedes, los que entrando al blog, comentando de manera tan halagadora, etc, son los que hacen que este aniversario pueda ser posible-, como homenaje a este precioso año que pasó (al menos en lo referente al crecimiento y llegada de cd-boxset), les traemos un humilde pero no por eso menos importante presente.

Luego de largas horas de escucha, y una árdua tarea de selección, lanzamos en esta ocasión la primera serie (y esperemos no sea la última) de compilados de cd-boxset. Se trata de 4 Volúmenes en los cuales podrán encontrar los estilos que más representan al blog, Volúmenes en los cuales intentamos (esperamos haberlo logrado), intentamos integrar la obra de diversas agrupaciones, con sus estilos propios, sus maneras de hacer música, sus maneras de componer, en 4 compilaciones por estilo, que buscan ser lo más homogéneas y representativas posible.

De esta manera, surgió la siguiente estructura:

Vol. I: Progressive Metal
Vol. II: Neo-Progressive / Symphonic Prog
Vol. III: Progressive Rock
Vol. IV: Classic Prog

Como se dijo más arriba, entonces, cada uno de los compilados intentará ser una guía de lo más respresentativo en materia de cada estilo, aunque claro está, no la guía definitiva, sino más bien, una guía programada más desde el amor al arte que desde la realidad técnica/teórica, etc... En Síntesis, agarramos algunas de las bandas que más nos gustan, que más nos mueven, que más nos llegan, y buscamos compartir lo que creemos de lo mejor de cada una de ellas. Siguiendo esta lógica, lo que creemos de lo mejor de cada género.

Dicho todo esto, esperamos que disfruten de este humilde trabajo, pero que tanto trabajo costó, y les deseamos tanto a todos ustedes como a todos nosotros un muy buen año 2009!

Vol. 1: Progressive Metal

01. So Cold [Spheric Universe Experience]
02. The Mirror [Dream Theater]
03. Gravity [Heavenblast]
04. The Show [Ephrat]
05. Beneath The Mire [Opeth]
06. The Mission [Damn The Machine]
07. The Accolade [Symphony X]
08. ! (Foreword) [Pain Of Salvation]
09. Mental Torments [Spheric Universe Experience]
10. The Hurricane [Solid Vision]
11. Cliffhanger [Shadow Gallery]
12. The Monster ]Dominici]
13. Octavarium [Dream Theater]

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Vol. II: Neo-Progressive / Symphonic Prog

01. If I Were The Wind (And You Were The Rain) [Pendragon]
02. Welcome To The Cage [Arena]
03. Outer Limits [IQ]
04. Half Moon Sreet [Caamora]
05. Kayleigh [Marillion]
06. Shadowplay [Fish]
07. The Cross & The Crucible [Pallas]
08. Seldon [Clive Nolan & Olvier Wakeman]
09. The Fall Of Rome [Pangaea]
10. The Wistleblower [Shadowland]
11. Sleep Until You Wakeup [The Lens]
12. Master Of Illusion [Pendragon]

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Vol. III: Progressive Rock

01. In Darkest Dreams 1. Prelude/Time For You [The Tangent]
02. In Darkest Dreams 2. Night Terrors [The Tangent]
03. In Darkest Dreams 3. The Midnight Watershed [The Tangent]
04. King Of Gold [Björn Johansson]
05. Motions Of Desire [Magic Pie]
06. No Way Out [Sylvan]
07. Sailing Home [Big Muff Project]
08. The Chase [A.C.T.]
09. 2112 [Rush]
10. Analysis Of Life [Gerard]
11. Il Difficile Equilibrio Tra Sorgenti D'Energia [Taproban]
12. Astral Dog [The Flower Kings]
13. Mystery Train [Transatlantic]
14. The Door [Neal Morse]

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Vol. IV: Classic Prog

01. Peccato D'orgoglio [Alphataurus]
02. Freefall [Camel]
03. If I Could Do It All Over Again I'd Do It All Over You [Caravan]
04. Toccata (An Adaptation of Ginastera's 1st Piano Concerto, 4th Movement) [Emerson, Lak & Palmer]
05. Hocus Pocus [Focus]
06. The Gumbo Variations [Frak Zappa]
07. Lady Lake [Gnidrolog]
08. Auqualung [Jethro Tull]
09. Super's Ready [Genesis]
10. Song For America [Kansas]
11. 21st Century Schizoid Man [King Crimson]
12. Collage [Le Orme]
13. After The Flood [Van Der Graaf Generator]
14. Starship Trooper [Yes]

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FELIZ AÑO NUEVO PARA TODOS!

Mediante este mensaje queremos desearles a todos los asiduos (y no tan asiduos visitantes) de cd-boxset un MUY FELIZ AÑO NUEVO!!!

Esperamos, de corazón, que puedan empezar este 2009 con toda la energía y con las mejores espectativas y esperanzas.

Y, a propósito, hace casi casi un año, nosotros, acá en este blog, comenzamos con toda la energía y las mejores expectativas y esperanzas, confiando en que, a pesar de los tiempos que corren la música, la buena música, siempre estaría de nuestro lado, en en el día a día, en los buenos y en los malos momentos. Así, empezamos del cero absoluto.

Hoy, casi un año después de que este proyecto fuera tomando forma poco a poco, nos encontramos con un crecimiento que, a pesar de nuestras expectativas, quizás no esperábamos, al menos no en tan poco tiempo. Y por eso, queremos también agradecer a todos ustedes, que día a día ingresan sabiendo que, aunque no haya acutalización, siempre encontrarán algo para llevarse a casita.

Estamos muy alegres de contar con tanto apoyo y con tanta fuerza y buenas intenciones para seguir adelante con este proyecto que hemos llamado cd-boxset.

Esperamos habernos podido convertir para todos ustedes en algo tan importante como todos ustedes lo son hoy en día para nosotros. Ustedes, sin quienes hoy no existiríamos más que como uno de los tantos blogs musicales dispersados por la red.

MUCHAS GRACIAS, de corazón.

Finalmente, aludiendo a los "casi casi un año" de arriba, les informamos que el día 8 de enero del corriente 2009 cd-boxset estará cumpliendo un año de existencia. Y por lo tanto, intentaremos, en la medida de lo posible, ofrecerles algún tipo de agasajo, quizás humilde, pero valioso en las intenciones.

Muchas felicidades, y nos estamos viendo!

El staff de http://cd-boxset.blogspot.com/

Jason Becker - Collection

01. Rain

02. River Of Longing

03. Images

04. Opus Pocus

05. Air

06. Higher

07. It's Showtime

08. Altitudes

09. End Of The Beginning

10. River Of Longing (Reprise)

11. Meet Me In The Morning

12. Electric Prayer For Peace

13. Mandy's Throbbing Little Heart

Jason Becker, más que una leyenda, más que un guitarrista. Un ejemplo para toda la comunidad artística, para toda la humanidad. Sólo hablar de él me hace emocionar.

Este espectacular guitarrista y artista nace el 22 de julio de 1969 en Estados Unidos. Comienza a tocar la guitarra desde jóven, gracias a la influencia de su padre y su tio, ambos guitarristas, quienes lo introducen en el mundo de los clásicos clásicos: Bob Dylan, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Van Halen e Yngwie Malmsteen. A su vez, y sobre todo gracias a la escucha de la obra de Malmsteen (que en esa època era resptable) y clásicos como Stravinski comienza a interesarse por el desarrollo de la música clásica en la guitarra eléctrica. Así, a partir de los fallos que notaba en el gran guitarrista sueco, comienza a desarrollar sus propios fraseos y modos de ejecutar distintas piezas clásicas, de oido.

A los 16 años conoce a otro virtuoso indiscutible: Marty Friedman (ex Megadeth), con quien consolidará una profunda y duradera amistad, y con quien para 1987 estará formando su primera banda, Cacochopny, con la cual editarán dos espléndidos discos (Speed Metal Symphony en 1987 y Go Off!!, en 1988), a partir de los cuales se podría decir que nace un nuevo estilo, fundado sobre la base de la fusión de los de cada guitarritas: Friedman, exótico, armónico, orientalista occidentalizado y Becker aportando sus influencias de la música clásica, sumadas a su gran habilidad técnica y a su gran corazón.

También en 1988 Becker lanza su primer disco solista, que será un disco legendario: Perpetual Burn. Disco en el cual el artista vuelca toda la carne al asador, poniendo en juego tanto sus influencias clásicas y barrocas, así como también la adquirida gracias a su padre y tio, más afianzada en el blues y el rock and roll, y finalmente, toda la experiencia adquirida tocando con su gran amigo Friedman. Así, tenemos un disco en el cual se puede escuchar Heavy Metal, Trash Metal, Metal Neo-Clásico, Blues, Música barroca, e infinidad de estilos entremezclados dando un resultado inigualable.
Este disco marca un quiebre, no solo en su carrera, sino en el devenir de la música en general (de lo que se puede considerar música, en el sentido más lato y concreto).
En el mismo año, gracias a una serie de demos en los cuales interpretaba canciones de Van Halen, Becker ingresa a la banda de solista de David Lee Roth, (Van Halen), como guitarrista principal, bajo la gran presión de tener que reemplazar a Steve Vai. El sueño del pibe se iba haciendo realidad. La carrera de este chico de tan solo 19 años no podía ir más que en subida. Pero no todo sería color de rosas.

En 1989 Becker es diagnosticado de Esclerosis Lateral Amiotrófica, extraña enfermedad en la que los músculos del cuerpo se van atrofiando de a poco, hastar perder completamente la movilidad del cuerpo, una enfermedad mortal.

Su enfermedad comienza y avanza rápidamente, quitándole la capacidad de tocar la guitarra, por lo que comienza a componer en un teclado. Más tarde, no podiendo ya mover más que los ojos, su padre desarrolla un sistema por medio del cual, con simples movimientos oculares Becker logra comunicarse con sus allegados, y, mediante un sistema informático, continuar componiendo, gracias a lo cual, el ARTISTA sigue componiendo, volcando toda la masa de ideas y geniales creaciones en las manos de grandes amigos que lo ayudarán a convertirlas en realidad. Este es el caso de Michael Lee Firkins, quien, acompañado por una orquesta, se encargará de ejecutar las composiciones que Becker realizara para el disco Perspective, editado en 1999, y que contará con tan sólo una canción performada por el autor en cuestión.

En 1999 y 2003 dos nuevos discos son editados: Raspberry Jams y Blackberry Jams, compuestos principalmente de viejos demos y grabaciones caseras del gran guitarrista.

Y hoy, año 2008, luego de 18 largos años postrado en una silla de ruedas (cuando los médicos pronosticaron no más de 3 años de vida), Becker nos trae otro gran disco: Jason Becker's Collection. Disco conformado en su mayoría por canciones emblemáticas del gran artista, así como también de algunas nuevas y espectaculares composiciones.

Una vez más un disco plagado de sentimientos, de espiritualidad, de Dios (en el sentido que cada uno lo entienda y quiera darle). Un disco que, a pesar de contener canciones viejas, ya conocidas, logra, en su totalidad, generar una sensación de novedad y profundidad raramente lograda por una compilación. Por otro lado, no se trata de una simple compilación, sino un disco completamente nuevo, que cuenta con la participación de músicos de primer nivel (Steve Vai, Joe Satriani, Michael Lee Firkins, Marty Friedman, Steve Hunter, Greg Howe), quienes logran ejecutar cada una de las piezas ideas por el gran Becker respetando al 110% el significado, el alma de cada pieza.

En fin, un disco que cuenta la historia de este gran artista, de este ejemplo para la humanidad, de este ejemplo para todos aquellos que creen que ya no pueden seguir adelante, que la vida los pasa por arriba y se dejan morir en la impotencia de la inercia cotidiana. Un artista que nos invita a reflexionar, y sobre todo, a dejar de lloriquear, y luchar en pos de nuestras metas, de nuestros sueños, de nuestras utopías.

Descargar (145.1 mb)

ESPECIAL DE NAVIDAD!

Como todos saben, la estructura de este blog es más o menos siempre la misma: un poco de historia sobre el artista, seguido por alguna reseña primero pretensiosamente objetiva y luego subjetiva, y finalmente el link de descarga.

En este caso, debido a la razón de esta publicación, me limitaré a decir que se trata de dos trabajos dedicados a la navidad.

En cuanto al primer trabajo presentado (The Christmas Album), se trata del gran Keith Emerson, tecladista, líder y alma matter del trío de británico de rock progresivo, Emerson, Lake & Palmer. Un trabajo dedicado íntegramente a estas fechas festivas, en el cual interpreta algunos de los más tradicionales villancicos navideños- a su manera, claro- a la vez que se adentra en la ejecución y composición de piezas propias, muy bien logradas (ni hace falta decirlo) y adaptadas a la situación. Una perlita.

El segundo trabajo, es algo más irrisorio, pero no deja de sorprender: Se trata de una compilación de temas clásicos navideños (y otros no tanto), performados por algunos de los más representativos personajes del Heavy Metal (y otros estilos). Así, tenemos un interesante trabajo en el cual participan figuras de la talla de Lemmy Kilmister, Jeff Scott Soto, Dany Shaw, Steve Morse, Joe Lynn Turner, Billy Sheehan, Greg Bissonete, George Lynch, Tony Iommi, Geoff Tate, Ronie James Dio, Dave Grohl, Alice Cooper, Steve Lukather, entre muchos otros.

El álbum en cuestión lleva por etiqueta "We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year", y data del corriente 2008. Otra perlita, con algunas versiones muy buenas, y con otras completamente irrisorias e inescuchables, pero que en todo caso, son divertidas.

Espero que disfruten de este humilde presente.

Keith Emerson - The Christmas Album

01. Troika

02. Variations On "O Little Town of Bethlehem"

03. We Three Kings

04. Snowman's Land

05. Captain Starship Christmas

06. Aria (From Bach's Christmas Oratorio)

07. I Saw Three Ships

08. Glorieta Pt. 1

09. Glorieta Pt. 2

10. Petites Letanies de Jesus

11. It Came Upon A Midnight Clear

12. Silent Night

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VA - We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year


01. We Wish You A Merry Christmas
(Jeff Scott Soto, Bruce Kulick, Bob Klucik, Chris Wyse, Ray Luzier)

02. Run, Rudolph, Run
(Lemmy Kilmister, Billy F. Gibbons & Dave Grohl)

03. Santa Clauss Is Coming To Town
(Alice Cooper, John 5, Billy Sheehan, Vinny Appice)

04. God Rest Ye Merry Gentlemen

(Ronnie James Dio, Tony Iommi, Rudy Sarzo, Simon Wright)

05. Silver Bells

(Geoff Tate, Carlos Cavazo, James Lomenzo, Ray Luzier)

06. Little Drummer Boy

(Dug Pinnick, George Lynch, Billy Sheehan, Simon Phillips)

07. Santa Clauss Is Back In Town

(Tim "Ripper" Owens, Steve Morse, Juan Garcia, Marco Mendoza, Vinny Appice)

08. Silent Night

(Chuck Billy, Scott Ian, Jon Donais, Chris Wyse, John Tempesta)

09. Deck The Halls

(Oni Logan, Craig Goldy, Tony Franklin, John Tempesta)

10. Grandma Got Run Over By A Reinder

(Stephen Pearcy, Tracii Guns, Bob Kulick, Billy Sheehan, Greg Bissonette)

11. Rockin' Around The Xmas Tree

(Joe Lynn Turner, Bruce Kulick, Bob Kulick, Rudy Sarzo, Simon Wright)

12. Happy Xmas (War Is Over)

(Tommy Shaw, Steve Lukather, Marco Mendoza, Kenny Aronoff)

Descargar (79.65 mb)

Que tengan todos una muy feliz navidad, y un próspero año nuevo!!!

Overdrive - EP

01. Overdrive
02. Ayúdame
03. Elixir

Sobre Overdrive ya he dicho MUCHAS cosas, que pueden leer acá. De todas maneras tengo algunas más para agregar.

Anoche tuve la oportunidad de presenciar un nuevo show de esta fantástica banda de la zona norte de la Provincia de Buenos Aires. Una vez más, me dejaron pasmado. Este GRAN cuarteto formado por Hernán Rupolo (guitarra), Germán Ivaldi (voz y teclados), Facundo Veloso (batería) y Martín Casado (bajo), da cada vez más que hablar, a tal punto que hace no mucho pudieron ser de los flamantes teloneros de Symphony X en su última visita a nuestro país, show gracias al cual pudieron recaudar varios nuevos fanáticos ayer presentes.

Luego de otro estupendo show (aunque Hernán diga que no lo fue, yo digo que sí), quedé entusiasmado y me dieron ganas de publicar este gran trabajo de la banda, su primer trabajo en estudio. Este EP, al que algunos pueden haber ya accedido de manera gratuita en el sitio web de la banda (www.overdrivemetal.com), data del corriente 2008, y fue mezclado y masterizado en VirtualStudio, de Emiliano Obregon, y cuenta con una calidad, tanto musical como técnica realmente rara en materia de EP's, al menos en nuestro país. Además de ser cada una de las tres piezas que lo conforman verdaderas obras maestras del metal progresivo (o del metal, con cortes progresivos), el sonido, la mezcla, el masterizado son una cosa realmente impresionante.

En cuanto a lo específicamente musical, se trata de tres temas realmente buenos, sin desperdicio (dos de ellos Overdrive y Ayúdame cantados, y un tercero, Elixir, de porte instrumental), tres temas de una energía, de una fuerza, de una calidad, tanto en lo ejecutivo como en lo referente a la composición, que más de uno envidiaría. De la misma manera, todo el EP cuenta con instrumentaciones realmente bien armadas, muy bien estructuradas y unificadas, y más que bien acompañadas por la estupenda voz del pelado Ivaldi.

La verdad, una pequeña obra de arte... y digo "pequeña", y de paso paso la info, porque la banda acaba de entrar nuevamente al estudio, pero esta vez para concretar su primer larga duración, en palabras del guitarrista "con mejor sonido"... eso sí que será interesante. Así que prepárense, porque parece que para algún momento del 2009 vamos a poder contar con nuevo material de la banda.

Una vez más recomiendo tanto el EP como las presentaciones en vivo de Overdrive. Y esto independientemente de que sean amigos de la casa: es porque realmente vale la pena.

Descargar (30 mb)

Riverside x 2 - Out Of Myself // Rapid Eye Movement

Discos enviados por David

Out Of Myself (2003)

01. The Same River

02. Out Of Myself

03. I Believe

04. Reality Dream I

05. Loose Heart

06. Reality Dream II

07. In Two Minds

08. The Curtain Falls

09. Ok

Rapid Eye Movement (2007)

01. Beyond The Eyelids
02. Rainbow Box
03. 02. Panic Room
04. Schizophrenic Prayer
05. Parasomnia
06. Through The Other Side
07. Embryonic
08. Cybernetic Pillow
09. Ultimate Trip

Sobre Riverside ya hablamos anteriormente.

En cuanto a los discos, tanto Out Of Myself (2003), como Rapid Eye Movement (2007) forman parte, junto con el ya publicado Second Life Syndrome, de la trilogía Reality Dream, con la que la banda, inicia su carrera en las bateas en el año 2003. Estos discos son, entonces, el principio y el final de la trilogía, respectivamente; Mientras que en el medio, como nudo, tenemos Second Life..., que, como ya comenté anteriormente, reune, sobre todo en el tema que da nombre al disco, los elementos básicos que dan estructura a toda la trilogía, haciendo las veces de resumen, tanto del estilo, como de la idea que todo el trabajo busca transmitir.

Siguiendo este camino, Out Of Myself, del año 2003, es un disco, si bien enérgico y potente, más bien tranquilo, más romantico y meloso, digamos. Ojo, a no confundir con las comedias románticas de Hollybú, eh! No. Con este disco, Riverside no solo demuestra de lo que son capaces de hacer tanto en lo compositivo como en lo ejecutivo en sí, sino que también logran un trabajo que genera hondas expectativas, lo cual es algo muy importante si tenemos en cuenta que luego se prometen dos partes más que formarán parte de una misma matriz. Esto se resume en que ya desde su primer disco, la banda sabe ser homogenea, crear un todo integrado y sin vacios de sentido, pero que a la vez deja preguntándose por el sentido de todo lo que ocurre. Y da ganas de pedir más. En síntesis, un comienzo perfecto para engancharse con la serie semana a semana.

El disco del año 2007, Rapid Eye Movement, da un giro esencial en cuanto a los estilos de los dos anteriores, y ya desde un principio, da la posibilidad de sospechar un final. En este sentido podría decir que todos los elementos del disco son una suerte de avalancha de hechos, melodías, músicas, catástrofes, y toda situación movilizante que se les pueda ocurrir, que decanta, finalmente, en el final perfecto (valga la redundancia). Tal como el nombre del disco lo describe, con su rápido movimiento ocular (estadío REM del sueño, estadío en el que los sueños en sí tienen lugar), el alboroto, el conflicto se hacen presentes, las imágenes se amontonan, las ideas se traspapelan, todo es un lío, y sin embargo: todo suena al mismo trabajo, tanto en si mismo, como en comparación con el resto de las partes de la trilogía. Así, es realmente sorprendente que tres discos tan distintos entre sí, puedan, sin embargo, mantener una continuidad tan precisa y determinante, a la vez que transportan cada uno hacia un universo, hacia un momento distinto.

En fin, el final de la historia, y quedando a la espera de nuevos trabajos de la banda, esperamos que los disfruten.
Agradezcan a David que fue el que amablemente nos acercó estas dos joyitas.

Descargar Out Of Myself (71.7 mb)

Descargar Rapid Eye Movement (76.3 mb)
Contraseña: dsito_hdez

Blackfield - Blackfield II

Disco enviado por Óscar

01. Once

02. 1000 People

03. Miss U

04. Christenings

05. This Killer

06. Epidemic

07. My Gift Of Silence

08. Some Day

09. Where Is My Love?

10. The End Of The World

Sobre Blackfield.

El disco... otro disco complicado y a la vez sencillo de catalogar y reseñar. Sencillo, porque sólo se pueden decir cosas positivas del mismo. Lo dificil es cuando uno tiene que hablar mal de algo o alguien y generar el menor daño. Esto, en cambio, es sencillo.

Complicado porque es el día de hoy (y se darán cuenta si leen la cantidad de etiquetas que pongo para esta banda), es el día de hoy que no sé cómo catalogar lo que hacen (aparte de como genialidad), cómo describir las múltpiples sensaciones, emociones que se despiertan y gritan por salir con cada elemento de cada una de estas hermosas piezas de arte israelí-británico.

En fin, digamos entonces que Blackfield II, es un disco realmente hermoso; Melancólico, MUY melancólico, más que Blackfield I, pero hermoso, también MUY hermoso. Cada melodía, cada línea, cada acorde sabe transportar, en el tiempo, en el espacio, en el espíritu. Cada canción es un incesante dejavù de experiencias pasadas, presentes y por ocurrir.

Lo único que me queda por decir es Gracias.

Descargar (59.2 mb)

Algunos discos vuelven a la vida!

Gracias al generoso aporte de David, hoy contamos nuevamente con 4 discos que se habían caído del blog.

Blackfield - Blackfield

Dream Theater - Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory



John Petrucci - Suspended Animation

Riverside - Second Life Syndrome

Muchas gracias, y que los disruten!

CAP, Taproban & Tempano / The 7 Samurai - The Ultimate Epic

01. Alla Corte Degli Eroi: 1550, Periodo Sengoku (I. Shimada Kambei/II. Kikuchiyo: Il Volo/III. Crepusculo - Parte Uno/IV. Il Vecchio Mulino/V. Katayama Gorobei: Le Sete Spade/VI. Fa Che Io Sia: Il Dono) - CAP
02. The Farmers: (I. Farewell To The Season/II. The Lone Samurai/III. Despair, Shout !/IV. The Blind Crow) - Tempano
03. The Bandits (I. First Ride/II. Eagle’s Peak Pyre/III. The Flaming Lady/IV. Last Ride)- Taproban

Tempano, gran banda venezolana, ya tuvo su post exclusivo, así que no agrego nada.
En cuanto a Taproban y CAP, destacadas bandas italianas, vamos a ver qué podemos decir.

Taproban nace en Roma, corriendo el año 1996, cuando el tecladista y compositor Gianluca De Rossi y el baterista Fabio Mociatti deciden que quieren y tienen el derecho divino (?) de hacer música, y para complicarla más, música progresiva. Es entonces que, siguiendo esta idea rectora, reclutan al bajista Stefano Proieti y al vocalista Paolo Cedrone, con quienes completarán la primera formación estable, con la cual grabarán, entre mayo y diciembre de ese mismo año, su primer demo.
El nombre de la banda (inicialmente Taprobana) se refería a la denominación antigua con que se conocía Sri-Lanka (o Ceylon Island), en la cual Tomasso Campanella- 1568/1639; filósofo, poeta, teólogo y astrólogo itialiano-, ubicaría su Ciudad del Sol, obra clásica de la literatura italiana.
Para 1997 sufren su primer quiebre, cuando se produce una renovación de la formación original, siendo reclutados Valter Strappolini (batería) y Roberto Pizzi (bajo). Y es con esta nueva formación que para 1998 la banda graba su segundo demo, al cual seguirá, a pesar del entusiasmo y el naciente éxito, la disolución del grupo.

Luego de dos largos años de inactividad, los que el tecladista De Rossi dedicará al trabajo personal y la composición de nuevo material y arreglo del antiguamente grabado, en julio del 2000 Taproban se reforma, esta vez con Davide Guidoni en batería y percusión y Guglielmo Mariotti en bajo, guitarra de 12 cuerdas y voces. Ambos musicos que dejarían la agrupación en abril del corriente 2008, pero dejando esta vez 3 discos en el haber de la banda: Ogni Pensiero Vola (2001), Outside Nowhere (2004) y Poseidonian Fields (2006). Por cierto, 3 discos uno mejor que el otro, de los cuales ya publicaremos alguno.
En cuanto al sonido y estilo de la banda, gracias a la ausencia de guitarras eléctricas, y la prominente presencia de los teclados y largas y complejas secciones instrumentales, hacen recordar a la mítica formación británica Emerson, Lake & Palmer, o a los incluso más cercanos- geográficamente hablando- Le Orme, clásica banda del prog italiano de la década del 70, década no menos rica en manifestaciones sincopadas que la británica.
Síntesis: Flor de banda!

CAP (Consorzio Acqua Potabile), es una banda con una historia algo extraña: Formada en la década de los 70's, en el furor del estilo que aquí promulgamos, la banda no grabó absolutamente ningún trabajo, y, de hecho, a finales de dicha década, se separaron. Recién en la década de los 90's, luego de ser descubierta por un pequeño sello discográfico llamado Kaliphonia, los integrantes originales se vuelven a reunir para la edición en cd de un viejo concierto en vivo, que databa de 1977, y era guardado en los anaqueles del recuerdo de los integrantes de la banda. A partir de este momento, la banda se re-forma y comienza a componer nueva música, editando varios discos (no tengo el dato de cuantos exactamente) y generando un interesante furor en todos los amantes del género, sobre todo en aquellos melancólicos 70'teros.

La banda nace en 1971, en Boffalora Tinico, Italia, y luego de algunos conciertos pequeños y aislados, lanzan una prog-opera, llamada Gerbrand, que es representada por esos años en algunos teatros, pero nunca grabada para su edición y lanzamiento al mercado.

El estilo y dirección musical de la banda se acerca mucho a lo que podríamos escuchar en bandas como Premiata Forneria Marconi o a Banco Del Mutuo Soccorso, es decir: puro y neto rock progresivo de los 70's, con toda su carga experimental, su sonido crudo pero prolijo y toda la energía que este movimiento derramaba en su entusiasmo como nuevo ser con entidad propia.

El trabajo acá presentado, nace por iniciativa del sello francés de rock progresivo Musea Records, quienes, aburridos y con tiempo libre, deciden que sería bueno comenzar a juntar bandas del género, clásicas, nuevas y/o desconocidas, darles una consigna (en general relacionada con alguna obra clásica dela literatura, cine, pintura, etc) y que el cumplimiento de dicha consigna sea editado en forma de disco. Así, el sello tiene en su haber varios trabajos interesantes, como es el caso del disco aquí presentado, o el de otro trabajo, en el que colaboran también otras bandas, dedicado exclusivamente a la recreación en clave musical de la Odisea de Homero.

En el caso de The Ultimate Epic, del año 2006, la consigna se apega al clásico cinematográfico de Akira Kurosawa: The 7 Samurai, que transcurre en el siglo XVI, y en la que un grupo de aldeanos japoneses cansados de los continuos abusos de un grupo de bandidos decicen contratar a un Samurai para que los proteja. Luego de varias infructuosas búsquedas, llegan a Kanbei, quien reune a un grupo de 7 Samurais que defenderán heróicamente la aldea de los malvados bandidos. Con esta base entonces, Musea encarga a las tres bandas que cuenten la historia como más les plazca... peeeeeeero, con una condición esencial: deben utilizar únicamente instrumentos de la década de los 70's, aquellos que hacían las delicias de los inicios del progresivo y sinfónico.
Así, las tres bandas hacen lo propio, concluyendo con un perfecto disco de 3 temas (uno por banda) que conformarán, desde la perspectiva de cada grupo, la parte que le toca.

En resumidas cuentas, tenemos ante nosotros una obra de arte esencial, perfecta, aunque previsible en su calidad, imprevisible en todo momento en su contenido: Digo, era esperable, gracias a la calidad de las bandas, una gran calidad de disco... Pero así y todo, las tres formaciones saben mantenernos en la punta de la silla, siguiendo la historia con expectativa entusiasta y ansiosa, tal como si nos encontráramos frente a la pantalla disfrutando de la cinta del gran Kurosawa. Y todo esto, con sonido a los 70's ¿Puede haber algo mejor?

En síntesis: una historia del siglo XVI, contada en el Siglo XXI, haciendo como que estamos en el Siglo XX....

Y QUÉ BUENA MEZCLA.

Descargar (121.4 mb)

Björn Johansson - Discus Ursi

01. Discus Ursi's Prelude
02. King Of Gold
03. Time Fracture
04. Pegasus
05. The Last Minstrel Of Marble
06. Discus Ursi's Rhapsody

Mah si!, Me rindo, yo lo publico así hace una semana que vengo buscando información sobre Björn Johansson, y si bien vengo encontrando diversos artículos sobre sus discos y constantes elogios a su polifuncionalidad instrumental, no he logrado encontrar ni un solo dato biográfico que me permita introducir al artista como de costumbre. Lástima, realmente me gusta que sepan a quién están escuchando.
Pero en fin, los datos que logré destacar luego de tanta (infructuosa) investigación, son básicamente cuatro:

1. Es Sueco

2. Lo que dije arriba, que es un multiinstrumentista fabuloso, cosa que no hace falta destacar demasiado ya que quien adquiera este disco que acá les traemos, lo podrá comprobar.
3. Que mantiene una continua y fructífera alianza con su colega y también gran músico (sobre todo en lo referido a las todo instrumento que cuente con alguna tecla), Par Lindh, con quien ha realizado varios proyectos de rock progresivo sinfónico, y quien, para variar, lo acompaña en Discus Ursi.

4. Finalmente, y como derivado del punto anterior, tanto Johansson como Lindh son grandes fanáticos de la obra de JRR Tolkien, y han compuesto y grabado algunos interesantes trabajos relacionados con la misma. Tal es el caso de dos excepcionales discos: Bilbo, del año 1996, y Dreamsongs From The Middle Earth, del 2004, ambas obras recomendadísimas (sobre todo si se es fanático de la música de tinte épico, que hace imaginar caballeros, dragones y todo eso).

Pensé que sería poco, pero al final estos pocos puntos dicen muchísimo sobre el artista que aquí intento presentarles. Y también el disco que acá les traigo, Discus Ursi, dice mucho sobre él.
Este disco, del año 1999, es una obra magistral, sobre todo su simpleza (dando por descontado lo musical, que desborda virtud): Es un disco más que escuchable, más que accesible a cualquier público, que no se pierde en la pretensión de complejidad extrema, sino que más bien intenta expresarse de manera clara y concreta, pero haciéndose a la mano de elementos básicos e imprescindibles de toda obra que se pretenda sinfónica/progresiva. Así logra mantener cierta complejidad, cierto virtuosisimo, cierta matemática, a la vez que logra sostener la atención y despertar la curiosidad e imaginación del oyente, tanto del atento por voluntad, como del que presta atención porque la inercia del disco a eso lo conduce.

Por otro lado, la presencia de dos monstruos como Johansson y Lindh, hace que este disco sea, musicalmente hablando, una obra completa y homogenea, que sin dejar nada por explicar, despierta del deseo, la inspiración, la imaginación: la capacidad creativa. Es una creación que da ganas de crear, digamos.

En fin, espero puedan comprobarlo por uds. mismos. Luego me comentan.

Descargar (89 mb)

Guy Manning - Songs From The Bilston House

01. Songs From The Bilston House
02. The Calm Absurd
03. Lost In Play
04. Understudy
05. Skimming Stones
06. Antares
07. Icarus & Me
08. Pillars Of Salt
09. Inner Moment

Para quienes no conocen a Guy Manning, les voy adelantando que se están perdiendo de uno de los mejores exponentes del rock contemporaneo. Es uno de esos artistas (como los hay muchos), de los que gracias a sus incontables colaboraciones con otros artistas se olvida- y hasta se pasa por inexistente- su abundante y fructífera carrera solista, ; esto en favor de un constante renombre y referencia a sus variados proyectos paralelos (que de todas maneras son excelentes y sólo suman)

Pero para empezar por el principio, es bueno contextualizar: Guy Manning nació en Leeds, Yorkshire, Reino Unido, en enero de 1957. Por un lado, Inglaterra, cuna de lo que sería unos pocos años después un explosivo e imparable experimento musical, que derivaría gran cantidad de los géneros que hoy en día conocemos del rock. Por otro lado, justamente cursando los tiernos años de su infancia, el artista se encontraría con esta revolución musical . Es de imaginar que este contexto dejó vastas impresiones en el jóven británico, impresiones que fueron reforzadas por una gran colección de LP's que el hermano de un amigo cercano poseía, a la que Guy accedío a los 12 o 13 años: allí escuchó por primera vez Emerson, Lake & Palmer, Jefferson Airplane, y Grateful Dead, según recuerda el artista.
En 1972, Guy asiste al su primer concierto de rock: Wishbone Ash, luego del cual Guy- que había heredado el banjo de su abuelo- y su amigo Ian, con quien había ido al concierto, y que tocaba algo de guitarra, deciden comenzar a realizar covers de la banda que acaban de ver. Un camino de ida.
Más tarde, conoce al Simon Baskind- quien lo meterá de lleno en el terreno del rock- quien le presenta Led Zeppelin, Frank Zappa, Beefheart, y, sobre todo, Jethro Tull. Queda tan impresionado que se hace de Genesis Live, (Genesis) y Aqualung (Jethro Tull): ya nunca volvió a mirar atrás. En esta época se ofrece como vocalista de la banda Acromasia, formada por su amigo Simon y otros seis melómanos, con quienes realizará covers de Wishbone Ash, Free, Groundhogs y Pink Fairies, entre otros. Un tiempo depués, Acromasia se desbanda y Guy no pierde tiempo en emprender la búsqueda de los que serán los integrantes de una nueva agrupación, Foxtrot (en homenaje al legendario álbum de Genesis), donde Manning compondría su primer material, netamente progresivo.

Estas son, entonces, esencialmente, las bases que llevarán a Manning a instalarse de lleno en el mundo del rock progresivo, y a formar parte de algunas de las bandas más interesantes y representativas que han existido, como es el caso de Throuhg The Looking Glass, The Tangent, Parallel Or 90 Degrees, La Voce Del Vento.

Ahora bien, independientemente de todas las agrupaciones de las que Manning formó parte, este muchacho, como no podía ser de otra manera, cuenta con una abundante y bien desarrollada carrera solista, que comenzó allá a finales de los 90's, con su primer experimento, Tall Stories For Small Children, y continúa hasta el momento con un sobresalto tras otro. Nueve sobresaltos (nueve discos, y uno por venir en breve) hasta el momento, para ser exacto, uno mejor que otro, con lo cual se hace realmente complicado elegir uno en particular, tanto para halagar, como para ofrecer en este blog como introducción a este gran guitarrista, vocalista, tecladista, compositor; este gran artista.

Pero había que elegir uno, y elegimos entonces aquel disco que de alguna manera sintetizara su carrera , a la vez que agregara un nuevo componente, algo novedoso e innovador.
Es el caso de Songs From The Bilston House, su último disco hasta el momento, editado en el año 2007, y que, como si fuera poco, fue premiado como el mejor disco de rock progresivo de dicho año. Este disco es realmente una joya. Un disco en que, si bien muy influenciado por las bandas mencionadas más arriba como sus grandes influencias (Genesis, Jethro Tull), agrega un toque personal como el que solo Manning podía poner. Entonces, es un disco poderoso y enérgico, homogeneo y variado, plagado de melodías pegadizas y a la vez complejas e inquietantes, y con un fuerte basamento foclórico (como es el caso de la música celta) y progresivo. En este sentido, el disco no solo sintetiza su carrera en tanto muestra su progreso musical, sino que se hunde en las raices del artista, en sus más hondas emociones, y en sus más disparatadas ideas.

En resumen, teniendo en cuenta todo lo antedicho, Manning viene a ofrecernos un disco sopresivo y memorioso, que nos invita a navegar por diversos paisajes y épocas, así como por variados climas emocionales y complejas melodías; todas características que hacen que este disco tenga más que merecido su premio.

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Richard Wright (1943-2008) - Wet Dream // Broken China

Wet Dream (1978)
01. Mediterranean C
02. Against The Odds
03. Cat Cruise
04. Summer Elegy
05. Waves
06. Holiday
07. Mad Yannis Dance
08. Drop In From The Top
09. Pink's Song
10. Funky Deux

Broken China (1996)
01. Breaking Water
02. Night Of A Thousand Furry Toys
03. Hidden Fear
04. Runaway
05. Unfair Ground
06. Satellite
07. Woman Of Custom
08. Interlude
09. Black Cloud
10. Far From The Harbour Wall
11. Drowing
12. Reaching For The Rail
13. Blue Room In Venice
14. Sweet July
15. Along The Shoreline
16. Breakthrough

Como es de conocimiento público, el pasado lunes 15 de septiembre del corriente 2008, se dio a conocer la dolorosa noticia del fallecimiento de Richard Wright, uno de los más influyentes músicos de la historia del rock sinfónico y progresivo, tecladista y co-fundador de la legendaria Pink Floyd, y artífice de algunos de los grandes éxitos de dicho gigante del género.

Rick Wright, como era mejor conocido, si bien no se destacó por su virtuosismo en las teclas (con esto me refiero a velocidad, gran complejidad armónica, y el resto de características que suelen definir a la mayoría de tecladistas destacados del género), supo ser virtuoso justamente (y como todos los integrantes de Floyd), desde una capacidad especial y esencial para la simpleza y armonía, esa capacidad para lograr de lo más simple, lo más bello, lo que más profundo toca.

En este caso, y sin querer extenderme demasiado, a manera de homenaje, les traemos dos discos solistas de este genio, sus dos únicos discos como completamente solista: Wet Dream (1978) y Broken China (1996).

En cuanto al primero, de 1978, se trata de un disco con un sonido en su mayoría acústico, y, como es de esperar, liderado en general por las teclas, mayormente por el piano, aunque con alguna que otra inclusión de sintetizadores y sus tan característicos hammonds. Sinfónico clásico.

En general son melodías tranquilas y voladoras, que, de alguna manera, sienta las bases para lo que será Pink Floyd una vez que Roger Waters dejara la agrupación (Lo cual no es raro, ya que según se cuenta, Wright abandonó la PF durante la grabación de The Wall, justamente por las interminables peleas con el bajista y líder de la banda, para acompañarlos durante la gira como músico a sueldo). Una suerte de venganza por mano(s) propia.
A su vez, se puede reconcer la influencia que RW logrará sobre el guitarrista de la banda, David Gilmour.

En segundo lugar, el trabajo de 1996, Broken China, Wright se interna en terrenos mucho más experimentales, haciendo un mayor uso de sintetizadores y samplers, logrando un trabajo más ambiental, más espacial quizás, pero sin perder nunca de vista sus raices sinfónicas, psicodélicas y jazzeras, y dando a la vez un mayor énfasis a su lado progresivo.

En todo caso, son dos discos que deberia haber publicado antes, ya que son realmente espectaculares, y no da perdérserlos. Lamentablemente tuvo que ocurrir lo que ocurrió para que mi voluntad de homenaje empujara a esta humilde pero cariñosa empresa.

Que los disfruten.

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Descargar Broken China (81 mb)

Gordian Knot - Gordian Knot

01. Galois
02. Code/Anticode
03. Reflections
04. Megrez
05. Singularity

06. Redemption's Way
07. Komm süsser Tod, komm sel'ge (arreglo de J.S. Bach)
08. Rivers Dancing

09. Srikara Tal

10. Hidden Track: Grace

Bonus Track (Exclusivo Edición Japonesa)

11. Unquity Road

Gordian Knot es una de esas bandas que nacen de la siguiente manera: estaban algunos grosos de la música tomando unas cervezas en un bar de mala muerte, deprimidos por su exitosa, pero ya poco aventurera carrera musical, que consideraban rutinaria y aburrida, con el agravante de estar bajo las órdenes de un jefe tirano y autoritario (?). Hasta que uno dice- en este caso, Sean Malone- "¿Y si armanos algo distinto a lo que venimos haciendo, aunque aprovechando todo lo que venimos aprendiendo y escuchando como influencia, y, por lo menos durante dos discos, la rompemos?

A todo esto, los demás comenzales, se miran tímidamente, aunque con la emoción y el impulso de decir que si, sin pensarlo dos veces. Finalmente uno (alguno) rompe el hielo y dice: Y daaaaaaale.
Entonces, se juntan Sean Malone (Cynic), Sean Reinert (Cynic), Trey Gunn (King Crimson), Ron Jarzombeck (Watchtower) y Glenn Snelwar (Ar War With Self), y, gracias a una borrachera emotiva, forman, como si nada, Gordian Knot. Ah, y me olvidaba de que a último momento, uno se acuerda de un viejo amigo que anda medio solitario, y es sistemáticamente dejado de lado en su grupo de referencia, y propone llamarlo para ver si le copa la idea, aduciendo que es un fenomenal músico. Todos asienten, y llaman inmediátamente por teléfono a John Myung (Dream Theater), para que se toque unos temas.*

*Nota: algunos de los hechos aquí relatados no han sido oportuna y completamente cotejados con la realidad e historia oficial de la banda, pero se me ocurre que algo así debió ocurrir.

Bueno, ahora hablando en serio (o intentando); esta es una banda que nace en 1998 de la iniciativa del arriba nombrado bajista de Cynic, Sean Malone, quien, muy conforme con su banda, decide de todas maneras conformar un proyecto paralelo dedicado exclusivamente al rock y metal progresivo. Así, Malone se convierte en el único integrante full-time de la banda, reclutando de tanto en tanto a distintos músicos del género, tanto para la grabación de algún disco (por ahora sacaron dos, en 1999 y en 2003), como para sus presentaciones en vivo.

Siguiendo esta extraña estructura de trabajo Gordian Knot a contado con la presencia de íconos fundamentales del género. Aparte de los arriba nombrados, han pasado por la formación personajes como Paul Masvidal (Cynic), Jason Gobel (Cyinic), Jim Matheos (Fates Warning), Steve Hackett (Genesis), Bill Bruford (King Crimson), entreo otros.
El resultado, como no puede ser de otra manera, es el de una excepcional amalgama de colores, melodías, sonidos y estilos de lo más variados y delirantes, pasando por líneas cercanas al fussion rock y al jazz, transitando variaciones y arreglos de música clásica, mientras recuerdan las viejas y las trabadas melodías del genio Robert Fripp; y siempre poniendo en juego la energía y vigor que el mismo peso del rock y metal progresivo puede poner por el solo hecho estar allí.
Así, hablar de Gordian Knot como una banda de metal o rock progresivo, no es más que un tecnisisimo, necesario unicamente ante la imparable necesidad humana de etiquetar cada actividad para saber qué hacemos, que somos, en fin, dar un sentido, aunque sea trivial, a cada una de nuestras acciones.

Lo cierto es que Gordian Knot hace músicas (en plural), músicas de las mejores que he escuchado en mucho tiempo, músicas arriesgadas, músicas no temerosas, todo tipo de músicas. Músicas excepcionales.

Este disco, el primero lanzado bajo el proyecto en cuestión y bajo el mismo nombre en 1999, , no hace más que demostra todo lo arriba dicho. Y también todo lo no dicho, que seguramente sea mucho más que lo sí dicho al respecto.

En síntesis otra joya (otras joyas), que no hay que perderse.

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Steven Wilson - Cover Versions I a IV

Cover Version I

01. Cover Version I

02. Moment I Lost

Cover Version II

01. Cover Version II

02. Please Come Home

Cover Version III

01. Cover Version III

02. Four Trees Down

Cover Version IV

01. Cover Version IV

02. The Unquiet Grave

Steven Wilson es bien conocido en el ambiente del rock progresivo (en realidad en varios ambientes musicales, porque hace de todo) principalmente por ser el líder/cantante/guitarrista/compositor de la excepcional Porcupine Tree, aunque también por su proyecto paralelo Blackfield, en el cual lo acompaña el fenomenal artista israelí Aviv Geffen.

Por otro lado, para sumar curriculum, Wilson se ha desempeñado como productor de varios discos de grandes bandas del género (como es el caso de Damnation, de Opeth disco prácticamente compuesto por SW). Aunque en realidad, sus raices más profundas se encuentran en el rock psicodélico y sinfónico de los años 60's y 70's, desde The Beatles, hasta Pink Floyd .

Sea cómo sea la mayoría de sus proyectos recorren un camino que en algún punto, se encuentran con un factor común: un marcado dejo de melancolía y cinismo, expresado por medio de sugerentes, angustiantes y crudas melodías, líricas e instrumentaciones de lo más finas. Definamos esto como su estilo.

En fin, queda claro que este muchachito es una cosa de otro mundo, en cuanto a flexibilidad, capacidad, habilidad musical y poética y todos esos adjetivos positivos de los cuales desearía tener al menos 1/2.

El caso de los Cover Version 's no escapa a estas reglas.

¿De qué se tratan estos curiosos trabajos? Bien, los Cover Version son una serie de singles lanzados por el músico a partir del año 2006 (y hasta la actualidad), que cuentan con la característica de ser trabajos semi acústicos, de guitarra y piano (aunque en algunos casos aparece uno que otro sintetizador), conformados básicamente por una estructura común: 2 tracks; el primero, el cover de algún tema ajeno (en su mayoría conocidos), y el segundo, un tema original de SW, que fue presentado en algún en presentaciones en vivo, pero nunca grabado como repertorio de alguna de sus agrupaciones. Así, nos encontramos con covers realmente inesperados (al menos para el estilo que suele seguir SW) como el caso de Thank U, de Alanis Morissete y algún otro. Y de todas maneras nos encontramos con versiones como nadie más que Wilson podría ejecutarlas: un marcado dejo de melancolía y cinismo, expresado por medio de sugerentes, angustiantes y crudas melodías, líricas e instrumentaciones de lo más finas. Definamos esto como su estilo.

En definitiva, una serie de trabajos bastante interesantes y curiosos, que merecen unas cuantas oidas.

En este caso, debido a la corta duración de cada single les dejo los 4 primeros, faltando el 5to y último hasta el momento, lanzado en julio del corriente 2008

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Premiata Forneria Marconi - Per Un Amico

Disco enviado por Guido

01. Apenna Un Pó'

02. Generale

03. Per Un Amico

04. Il Bancheto

05. Geranio

La Premiata Forneria Marconi es una banda Italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, fueron la única banda italiana de su tipo en obtener un gran éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

En pocas palabras, una banda de la re puta madre.

Per un amico es el segundo álbum de la banda italiana de rock progresivo Premiata Forneria Marconi editado en el año 1972; disco que un año después sería editado en Estados Unidos bajo el apodo de Photos Of Ghosts (vaya uno a saber por qué coño le cambiaron el nombre).

Teniendo en cuenta los antecedentes arriba referidos, me voy a limitar a decir: Pedazo de disco. (por no decir como mi amigo Guido: "Un disco de la re puta madre")

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Anathema - Hindsight

01. Fragile Dreams

02. Leave No Trace

03. Inner Silence

04. One Last Goodbye

05. Are You There

06. Angelica

07. A Natural Disaster

08. Temporary Peace

09. Flying

10. Unchained (Tales Of The Unexpected)

Acá, info sobre Anathema.

Finalmente esta increible banda de Liverpool ha lanzado el primero de los dos discos prometidos para el correr de este agitado 2008: Hindisight.

Este nuevo trabajo que acá presentamos es una suerte de recopilación de los temas más clásicos de la banda, pero re arreglados y grabados en versiones semi-acústicas, realmente imperdibles, y sumando una nueva canción (la nº 10, Unchained (Tales Of The Unexpected) al vasto repertorio de la banda.

Hindsight es un disco realmente hermoso y agradable, que cuenta con versiones a las cuales se les ha prestado una gran atención y dedicación, de lo cual decanta que no sea un simple "acústico", sino una recreación (y a veces uno piensa que no puede ser mejor) en la cual se nota una abundante cuota de amor y sentimiento, logrando un producto de primer nivel, que como siempre, nos acerca a nuestras más hondas emociones, los más olvidados recuerdos, las más enterradas experiencias.

Simplemente hermoso, emotivo, sensible y melancólico. Simplemente Anathema.

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Chaneton - Questions Inside The Picture

01. Heroe's Graves

02. a) Bridge / b) Tears In The Rain

03. A Long Time Past

04. Dolphin's Song

05. The Last Dream

06. A Long Time Past (Fast)

07. Soul's Shapes

08. The Frontier

09. The Secret Box

10. Heaven's Sound

11. Aquatic Dreams

12. Questions Inside The Picture

Chaneton es otra de las bandas under argentinas que me han venido sorprendiendo en este últimop tiempo, a partir de que pude conocerlos en el festival Conceptuarg 2008. Aunque la banda cuenta en este momento con más de 10 años de carrera.

El grupo nace en diciembre de 1995, cuando el ex Mandrágora, Alex Chaneton, había decidido dejar su agrupación anterior por diferencias de índole musical. El nuevo proyecto se desarrolla primero de manera acústica, para luego ir tomando poco a poco la forma que hoy en día manifiesta. Según cuenta la leyenda (?), es en uno de los últimos shows de Mandrágora que Alex conoce a Patricio Villanueva, cantante en ese momento de Rapto de Europa, oportunidad en la cual le comenta de su idea de conformar una nueva agrupación. Entonces, Ricardo "Lancelot" Medina, quien fuera el promotor responsable de ese decisivo show, propone a los dos músicos una reunión a partir de la cual descubrirán el equilibrio perfecto que les permitiría desarrollar en todo su potencial el nuevo proyecto. Al poco tiempo, Patricio deja Rapto de Europa para dedicarse full time al nuevo y entusiasta proyecto junto a Alex.

Comienzan a tocar covers y temas propios en formato acústico, bajo el nombre de Los Juglares De Camelot, reclutando luego de algunas agradables experiencias a Adrián "Marques" Gómez, alumno de guitarra de Alex, quien ocupará el lugar de guitarrista rítmico, pero manteniendo siempre el formato desenchufado.

Al poco tiempo dos nuevos integrantes son incluidos en la formación: Willy Ingrassia (teclados), Kaito Barragan (batería), y el nombre de la banda cambia a Chaneton; esto debido a que la mayoría de los temas eran patrimonio de Alex, y que su nombre era el más conocido en el ámbito. Al poco tiempo, los dos más nuevos integrantes dejan el grupo, para ser reemplazados por Germán Lami (teclados) ex Rapto de Europa y Quique Gentille (batería), quienes también abandonan el proyecto al poco tiempo. Era necesario encontrar dos integrantes que se adaptaran de manera rápida y flexible a las exigencias y estilo del proyecto: Carlos Kleppe (teclados) y Jano Perez Sarmenti (batería), se acoplan a la banda en 1999. Así llegamos a la formación estable y actual de Chaneton, grupo que, gracias a su capacidad y habilidad, han sido teloneros de grandes bandas y solistas del género progresivo/sinfónico en sus visitas a la Argentina: En el año 2001, luego del lanzamiento de su primer disco, lo presentan en diversos lugares y tocan como invitados de grupos como: Par Lindh Project, Arena, Flowers Kings y Steve Hackett, Caamora, entre otros.

Questions Inside The Picture es el primer álbum de estudio de la banda, y sale a la venta en el año 2000, 5 años después de la formación de la misma, cuando, finalmente, logran una formación estable con la totalidad de los miembros decididos a mirar en una misma dirección, tanto en lo relativo al proyecto musical, como en lo relativo al proyecto de vida de cada uno de ellos. Y debo decir que este acuerdo implícito, este equilibrio y entendimiento mutuo da los mejores frutos, y puede interpretarse y percibirse inmediatamente en esta opera prima.

Questions Inside The Pictures pone el énfasis en los climas y variaciones dentro del estilo, siendo un trabajo que logra llevar al oyente en un interesante viaje que comparte variados altibajos tanto emocionales como musicales, y todo esto en el mejor sentido del concepto altibajo. Quiero decir que la banda tiene una capacidad y flexibilidad musical muy desarrollada y elaborada, que les permite jugar con todo tipo de sonidos e ideas, manipulando y generando climas que saben mantener en todo momento la expectativa, tanto en lo musical como en lo lírico, dando una sensación de placer e inquietud al mismo tiempo; sensación no que culmina, ni siquiera, una vez culminada la reproducción el disco.

En definitiva, Questions Inside The Picture, es un trabajo realmente excelente, serio y homogeneo, que, dentro de su homogeneidad logra una ilimitada heterogeneidad que nos lleva de paseo por los rincones más recónditos de nuestro y su Ser.

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Gerard - Pandora's Box

1. Pandora's Box

2. Analysis of Life

3. Chaos

4. Siren in the Mysterious Sea

5. Delirium

6. Freedom

Como lo había anticipado, otra niponada. En este caso hablo de Gerard, banda a la cual me referí más de manera alusiva que directa algunos post atrás.

Gerard nace luego de que el gran tecladista japonés Toshio Egawa decidiera dejar la legendaria (al menos en lo que respecta al ámbito nipón) banda de rock neo progresivo Novela, para ampliar sus horizontes y dar a conocer al mundo de lo que era capaz, poniéndose, quizás sorpresivamente, a la altura de los más grandes tecladistas del género hasta ese moment (Rick Wakeman, Keith Emerson, Eddie Jobson, entre otros). Recluta entonces algunos músicos de la ostia, como es el caso del guitarrista Yukihiro Fujimura, y se lanza al ruedo nomás.

Así, desde el mismísimo primer lanzamiento de la banda en 1984, comienza a quedar claro que Gerard será uno de los grupos más significativos e influyentes de la escena japonesa del rock progresivo y sinfónico.

En cuanto al sonido y estilo, en líneas generales se puede decir que Gerard es una banda clásica, fiel a los más básicos axiomas del rock neo progresivo (lo cual no es raro tratándose de una banda ideada por un tecladista). Contando entonces con este característico sonido tan conocido por los amantes del género, Egawa, para variar, da un toque personal y exclusivo que hace que, a pesar de ser una banda más del género, sea LA banda más, generando un quiebre fundamental con lo que se venía escuchando, primero en el Sol naciente, y luego en el mundo.

Los temas de Gerard cuentan con largas secciones instrumentales (cuando no lo son completamente), plagadas, claro está, de complejas y armónicas líneas melódicas lideradas general y alternativamente por el teclado y/o la guitarra, siendo de alguna manera la voz, (eventualmente) el instrumento que haría las veces de solo. Entonces, a pesar de, en apariencia, encontrarnos con algo que nada nuevo aporta, al ir escuchando los distintos trabajos, arreglos y melodías, vamos descubriendo un paisaje al que, a pesar de haber estado siempre a la vista, nunca habíamos prestado atención. Gerard logra imprimir un toque (enorme) de originalidad sin salir, sin embargo, de los límites más standarizados (y esto, contrariamente a lo que parece, es bueno, BUENISIMO). Una vez más, una banda experta en la reinvención de sí mismos y del geénero.

Pandora's Box es lo que, personalmente, llamo una obra de arte.

Todas y cada una de sus canciones tienen algo para decirnos, aunque, en lo literal, no digan nada. Son melodías extraviantes y enérgicas, y de alguna manera engañosas, que, llevándonos por caminos conocidos, nos empujan, poco a poco y sutilmente, a lugares desconocidos, profundos, propios de nuestro espíritu, de nuestra propia alma, de esa esencia a partir de la cual el arte toma forma.

Entonces, para ir sintetizando, puedo decir que nos topamos acá con una de las mejores bandas de neo progresivo que ha existido. Una banda en la que palpitan los corazones de Yes, Genesis, Emerson Lake & Palmer y todos esos clásicos que la hicieron nacer, pero que a la vez, se hunde en sus raices niponas, poniendo toda su disciplina, todo ese arte para trabajar de manera constante, organizada y voluntariosa, para llegar, como siempre, a los mejores y más meritorios resultados.

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Pain Of Salvation - 12.5

Book I: Genesis
1. Brickwork Part I (Leaving Entropia)

2. Brickwork Part II (This Heart Of Mine T5)
3. Brickwork Part III (Song For The Innocent)

4. Brickwork Part IV (Descend 1)
5. Brickwork Part V (Leaving Entropia)

Book II: Genesister
6. Winning A War
7. Reconciliation
8. Dryad Of The Woods
9. Oblivion Ocean
10. Undertow
11. Chainsling

Book III: Genesinister
12. Brickwork Part VI (Ascend 1)
13. Brickwork Part VII (Ascend 2)
14. Brickwork Part VIII (Second Love)
15. Brickwork Part IX (Ashes)
16. Brickwork Part X (Descend 2)

Pain Of Salvation es una RE banda que ya ha sido comentada en un post anterior.

12.5 es el primer disco en vivo de la banda, y cuenta con varias particularidades que pasaré a sintetizar.

Para entrar en contexto, este dico es grabado a partir de mayo del año 2003, para salir a la venta en febrero del 2004. Para este momento, la banda cuenta ya con un patrimonio de cuatro excelentes placas (Entropia (1997); One Hour by the Concrete Lake (1998); The Perfect Element, part I (2000), y Remedy Lane (2002), y tomará lo mejor de cada una para armar este perfectísimo álbum en vivo: 12.5. Hasta acá, nada fuera de lo normal: banda con varios discos y cierto éxito que toma sus grandes éxitos para sacar una nueva placa, pero en vivo. Algo así como el camino obligado.

Pero Pain Of Salvation, sacando 12.5, se destaca en dos puntos fundamentales:

Por un lado, el disco en cuestión es complétamente acústico, lo cual es bastante extraño tratándose de una banda fuertemente enraizada en el heavy metal, del cual se aprovechan bastante para obtener gran parte de su fuerza e identidad. Creo que ni siquiera bandas como Dream Theater, con algunos casos aislados, han encarado semejante proyecto (Digo "con algunos casos aislados" porque, efectivamente, existen una serie de grabaciones acústicas de DT, pero que no son más que sus temas rasgados en guitarra acústica). Sin embargo, Pain Of Salvation logra versiones acústicas que nada tienen que envidiar a los originales. NADA, realmente. Versiones súper completas y súper complejas que hacen que uno olvide de dónde vienen.

Lo que me lleva al segundo punto importante y distintivo. Este disco no se trata de un simple Unplugged o un simple vivo de la banda. Sino que, además, se toman el gran trabajo de reversionar sus propios temas, y con esto me refiero a realmente reversionarlos, no solo hacerlos acústicos; teniedo como resultado temas completos en un tono distinto y hasta opuesto al original (El caso de Ashes es un buen ejemplo: comienza en La menor, como el original, para transcurrir el resto todo en tono mayor); extrañas mezclas y adiciones en las melodías (Por ejemplo, un fragmento de La Marcha Imperial, de Star Wars dando vueltas por allí), etc.

Digo: lo buenísmo que tiene el disco (y la banda) es que no se quedaron en el arreglar sus temas para tocarlos con instrumento acústicos, sino que llevan su propia música a otro nivel, más profudo y personal, lo cual habla muy bien de la banda, que sabe aprovechar cada oportunidad para dar una vuelta de tuerca a lo que hacen. Está buenísimo ver a tu banda favorita tocar tus temas preferidos en vivo, concuerdo, y vivo festejándolo, pero mejor aun es ver a tu banda favoria, tocando tus temas preferidos de manera tal que dejen de ser tus temas preferidos, para volver a convertirse en tus temas preferidos (digo, las nuevas versiones). Y creo que de eso se trata el arte en general, o de eso debería tratarse: de reinventarse continuamente. No dedicarse unicamente a crear cosas nuevas desde cero, inventando algo nuevo, sino poder reinventar, y así, reinventarse a uno mismo, lugar del que, en definitiva nace toda expresión artística. Cuando esto no ocurre, tenemos muuuuchos ejemplos (que obviaré en este momento) para ver lo que sí ocurre. Lo curioso es que mientras menos reinvención y crecimiento personal hay en los grupos, más fanatismo genera a nivel masa, a nivel popular. Lo cual apoya la hipótesis de una masa en la cual cada elemento sobrevive como tal gracias a la identificación con todos y cada uno de los demás, dejando de lado la singularidad propia y esencial.

Que lo disfruten MUCHO!

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Teru's Symphonia - Human Race Party

01. Human Race Party

02. The Clock

03. Midnith Dreamer

04. In The Back Of Welfare

05. After The Party

06. Twinkle Children

Teru's Symphonia es una banda dedicada pura y exclusivamente a deleitar a sus oyentes con el mejor rock progresivo sinfónico. Originarios del imperio del sol naciente, y liderada por el ex guitarrista de Novela, Terutsugu Hirayama, hacen lo que todo japonés: hacer las cosas bien, excelente (y voy avisando que vamos a poner varias bandas japonesas, así que feliz sea quien le guste el disco que estamos publicando aquí).

Siguiendo la línea de bandas como Marillion, IQ y otras del estilo, con un fuerte énfasis en los teclados, las secciones instrumentales y las melodías dulces y pegajosas, a la vez que sus letras cínicas y críticas, Teru's Symphonia sabe definir y explicar perféctamente de qué se trata la cosa, siendo contundentes y claros al momento de poner "lo suyo" sobre la mesa. En general, sus discos son de una diversidad musical y lírica realmente sorprendente, a lo que se suma la hermosa voz Megumi Tokuhisa, lo que los aleja de otras bandas de sus pagos, muy buenas, pero quizás más lineales, tanto musical como compositivamente, como es el caso de Gerard o Arsnova.
Así, Teru's logra ubicarse como otro de los niños prodigio del sello de música progresiva/sinfónica Musea, que tantas gratas sorpresas ha sabido darnos, siendo uno de los más destacados sobrevivientes de la casi extinta escena progresiva japonesa de los 80's, convirtiéndose en un verdadero y merecedor exponente.

Human Race Party es editado a finales de los 80's, precisamente en 1989, aunque no pierde esa frescura y excentricidad artística que caracterizó a toda la década, sobre todo en sus principios: ese sonido tan particular y tan atractivo que nos hablaba de peinados inflados y coloridos, maquillajes exagerados, ropajes colorinche y extravagantes.

Un lanzamiento realmente interesante y atrapante, sobre todo por las líneas melódicas que saben crear expectativa, estructuralmente perfectas y también perfectamente engarzadas con la hermosa y armónica voz de la vocalista nipona.

Un disco que cuenta con varias perlitas, de las cuales me siento obligado a destacar Human Race Party, Midnight Dreamer y la infantilísima y cínica After The Party.

En definitiva, un disco para escuchar, recomendar, y al cual recurrir en cualquier momento en que la ansiedad musical comience a despertarse en nuestros pechos.

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Crucis - Los Delirios Del Mariscal

01. No Me Separen De Mi

02. Los Delirios Del Mariscal

03. Pollo Frito

04. Abismo Terrenal

Crucis fue una de las bandas más importantes y representativas de la escena progresiva Argentina en aquellos años 70's (aquellos tan recordados y anhelados, musicalmente hablando, años 70). (¡Carajo, cómo me gusta hacerles conocer bandas importantes de mi país!)

Formada en agosto de 1974 por Anibal Kerpel (teclados), Daniel Frenkel (batería), Gustavo Montesano (guitarra y voz), José Luis Fernández (bajo) y Pino Marrone (guitarra), para octubre del mismo año ya llenaban los teatros más importantes del país, éxito que sorprendió incluso a Charly García, quien se ofreció para producir el primer disco de la banda, Crucis, en 1976, logrando ubicarse en los charts como la segunda mejor banda del momento, justo detrás de Sui Generis, agrupación encabezada por el mismo Charly García en esos tiempos.

Así, sin demasiadas vueltas, Crucis se fue convirtiendo en una de las bandas del género que más éxito cosechó en nuestro país y en el exterior, girando, luego del lanzamiento del segundo disco, en 1997 (Los Delirios Del Mariscal) incluso por los Estados Unidos y sorprendiendo también allí por su virtuosismo y capacidad creativa y musical, gira luego de la cual anunciaron, sorpresivamente, la disolución del conjunto. Gran éxito en poco tiempo, corta carrera, pocos disco en su haber, y, así y todo, un recuerdo imborrable, para descansar por el resto de la historia en los anaqueles de los genios de la música y en las discotecas de cualquier persona que aprecie, aunque sea mínimamente, este hermoso arte, el de la música.

Los Delirios Del Mariscal, de 1977 es, como ya lo adelanté, el segundo y último disco de la banda (al menos durante su existencia efectiva, ya que en el año 2000 salió al mercado una Cronología que consta, justametne, de los dos discos en uno), decía, es el segundo y último disco de la banda, y el que los catapultó al mayor de los éxitos: el de ser reconocidos internacionalmente, cosa algo complicada, sobre todo en la escena artística, por esos años de mi país, fuertemente marcados por la censura y la represión de la dictadura militar más sangrienta de nuestra historia (tema para otro apartado).

Podrán imaginarse entonces que este disco tiene lo suyo (y ya lo comprobarán al escucharlo). Así, es un disco recontrarequetecompleto, de un genio incomparable, realmente sólido, homogéneo y de una creatividad realmente sorprendente.

Humilde cuantitativamente (son sólo 4 canciones), goza cualitativamente de un nivel hiperdotado, de una excelencia, de una calidad que poco y nada tiene que envidiar a las agrupaciones más influyentes de la escena británica, pioneros de la época y el género.

En definitva es una banda y un disco que no deben perderse, o que, en todo caso, lamentarán perderse, o mejor dicho, lamentarán haber dilatado la escucha el día que, habiendo hoy leido esta reseña sin hacerse de este ejemplar, lo escuchen y se transformen en adictos.

Salud!

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