24 de diciembre de 2009

FELICIDADES A TODOS!

Buenas a todos!

Mediante el presente y humilde mensajito queremos desearle a todos los usuarios que día a día hacen de cd-boxset un éxito una MUY FELIZ NAVIDAD y UN PROSPERÍSIMO AÑO NUEVO!

Este año, por cuestiones de tiempo, no hemos podido preparar nada especial para la ocasión, pero esperamos en poco tiempo poder volver a la dinámica que siempre nos caracterizó, siempre con la mejor calidad musical, y pensando en gritar al mundo:


EY, MUNDO DE LOS MEDIOS MASIVOS, MUNDO TE TINELLI, MUNDO DE RIAL, MUNDO DEL REGGAETON Y LA CUMBIA CABEZA: TODAVIA EXISTIMOS ALGUNOS QUE VALORAMOS EL ARTE DE CALIDAD, Y ESTAMOS DISPUESTOS A PENSAR UN POCO ANTES DE CASARNOS CON LO QUE NOS PONEN ADELANTE DE LOS OJOS

Gracias a todos por un año más poniendo el grito en el cielo!!!

QUE TENGAN UNAS MUY FELICES FIESTAS! :D

staff cd-boxset.

11 de diciembre de 2009

AKROS EN LOCA BOHEMIA! - Sábado 12.12.2009, 22 hs puntual! NO TE LO PODÉS PERDER!


Una vez más Akros, gran banda de Hard Rock formada en la Ciudad de Buenos Aires, se estará presentando en el acogedor escenario de Loca Bohemia, ahora con nueva formación, y con más energía que nunca.

Para conocer algo de la banda: MySpace // PureVolume

Sin más, los invito a que la cita se haga efectiva!
Que lo disfruten!!!

* * *

Día y Horario: Sábado 12 de diciembre del 2009, 22.00hs
Lugar: Loca Bohemia, Av. La Plata 727, Caballito, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Género: Hard Rock

Entradas*: Anticipadas $10, + $5 en la entrada del lugar (consumisión mínima requerida)

*Por entradas, consultar al mail del blog.

1 de noviembre de 2009

Green Carnation - Acoustic Verses


01. Sweet Leaf
02. The Burden Is Mine... Alone
03. Maybe?
04. Alone
05. 9-25-045
06. Childs Play Part 3
07. Hign Tide Waves

Tengo en esta oportunidad el honor- y el deber- de presentarles, uno de los discos más hermosos, más expresivos y mejor compuestos que he escuchado en los últimos tiempos. Pero primero, como somos conservadores, hablemos de los genios creadores: Green Carnation.

Oriundos de Kristiansand, Noruega, la banda se forma en 1990 para luego de varias idas y venidas llegar al año 2006- año de su último lanzamiento- habiendo pasado por una interesante variedad de estilos, siempre muy prolijamente lograda. Al respecto podemos anticipar que la tendencia fue, desde sus inicios a la actualidad, a ir se suavizando, poniendo quizás a la vez una cuota más musical, de más trabajo y dedicación.

Green Carnation nace de la mano del guitarrista, bajista y compositor Terje Vik Schei, mejor conocido como Tchort, como dijimos en 1990. Luego de algún tiempo, y con tan solo un demo en su haber (Hallucinations Of Despair, 1991), Tchort decide unirse a Emperor como bajista, lo cual concluye en una precoz ruptura de banda, que dará por otro lado como resultado la formación de In The Woods, conformada entonces por el resto de los integrantes de la Green Carnation de aquel tiempo.

Pasados algunos años, a principios del 2000, con la ruptura de Emperor, Tchort retoma el proyecto Green Carnation. Ese mismo año editan su primera placa de estudio: Journey To The End Of The Night, que siguiendo los pasos del demo de 1991 se encuadra básicamente en el género del Doom Metal.
Inmediatamente un año después, el primer giro se hace patente con el lanzamiento de Light Of Day, Day Of Darkness (2001), álbum que se hunde de lleno en los escabrosos caminos del metal progresivo, y que consta de una sola canción de una hora de duración. A partir de este momento, la orientación hacia el rock progresivo será la regla, cada vez más y mejor pronunciada. Siguiendo esta línea aparecen los siguientes trabajos de la banda: A Blessing In Desguise (2002) y The Quiet Offspring (2003).

Finalmente, es durante 2006 que, previa salida del el EP The Burden Is Mine... Alone, lanzan a la venta el disco Acoustic Verses, que marcará el giro fundamental y definitivo de la banda, basicamente apoyado en dos cuestiones: Primero, el ingreso del vocalista y bajista Stein Roger Sordal y segundo, el cambio más destacado, y señalado en el nombre del disco: es un disco pura y exclusivamente acústico. Pero lo aun más curioso del disco es, que si bien termina de alejar a la banda de todo lo relativo al metal, la sigue acercando cada vez más al terreno del progresivo. En efecto, se trata de un disco netamente acústico y netamente progresivo. Y llama la atención lo bien logrado que está. Entedámoslo: no se trata de versiones acústicas de viejos éxitos de la banda. Tampoco de versiones acústicas de otras bandas de renombre. Es un disco nuevo, de Green Carnation, banda signada en todo momento por el sello del metal, a veces doom, a veces death, otras progresivo, pero siempre metal, de ese que es bien metalero. Ahora nos sorprenden con un disco acústico realmente hermoso, de composiciones profundas, de líricas quie llegan profundo, de sonidos suaves y dulces... de emociones hondas y oscuras.

Es realmente un disco precioso, lleno de climas y colores, repleto de matices, de una claridad y que encandila y compuesto y ejecutado con una delicadeza y prolijidad intachable, de esas que hoy en día cuesta encontrar... que será el último trabajo de la banda, luego del cual Tchort anunciará una nueva disolución... aunque con el aviso de que seguirá componiendo material, aunque por ahora, sin presentarlo. Quizás, luego de semejante trabajo, es la decisión más acertada. Es bueno saber retirarse cuándo aun se encuentra uno en un buen momento.

19 de octubre de 2009

Solid Vision - The Hurricane


01. Ivan
02. The Hurricane
03. Spectrum
04. Will You Back Home
05. Panic
06. Train Of Mind
07. Confusion
08. Endless War
09. Shattered World

Solid Vision nace en Cagliari, Italia a principios de la década del 2000. Luego de la grabación y presentación de su disco If Only, los integranrtes de Magic Power (M.A.P.O.), deciden tomarse unas vacaciones creativas, con la intención de-cada uno por su lado- mejorar su técnica y tener la libertad suficiente para desarrollar sus propias ideas.

Brian Maillard (guitarra), Ricardo Atzeni (bajo) y Yan Maillard (batería), aprovechan este periodo sabático para dar forma a un trío que basará su conformación en la realización de diversos covers, sobre todo de metal progresivo, y más sobre todo todavía, de Dream Theater y derivados (Liquid Tension Experiment, por ejemplo). A esta primera formación del grupo, deciden llamarla Solid Session III (haciendo referencia, por un lado a la conformación del tipo sesionista y por el otro a la cantidad de miembros, III). Así es que completando el repertorio con versiones de Steve Vai, Gregg Bisonette, Rush, Lobotomis, y algunos fragmentos de temas de Metallica y Deep Purple (propuestos en un interesante Medley), realiza algunas presentaciones en vivo. Es luego de esta primera gira cuando deciden hacer más interesantes sus performances agregando al grupo un vocalista. El elegdido es Samuele Pintus, y el nombre cambia un a vez más: Solid Session IV.
Finalmente, es durante su tour 2002-2003, que un nuevo miembro es incorporado a la banda: Americo Rigoldi, tecladista de grandes capacidades. Es con esta última incorporación que la banda deja de lado los covers y versiones, para dar lugar al desarrollo y presentación al mundo de sus propias creaciones. Con este giro, viene entonces un nuevo cambio de nombre: ya no se trataba de un grupo de sesionistas, sino de una banda solidamente conformada, con una visión clara y concreta de su futuro y objetivos. Así, coherentemente con esta idea, conservan el Solid de su anterior nombre, al que agregan el término Vision (tomado en su doble perspectiva: 1. una fuerte determinación, y 2. la de un sueño que se vuelve realidad), haciendo la V (de Vision, claro) referencia, como en los casos anteriores, a la cantidad de personas que conforman el grupo.

Luego de varias presentaciones en vivo, entre las que se incluyeron presentaciones como banda soporte en fechas italianas de Helloween y Children Of Bodom, ya con varias canciones compuestas, la banda entra al estudio para lanzar después de unos meses su primer trabajo larga duracón: Eleven (11), número que hará referencia a diversas situaciones internas que han marcado el nacimiento de la banda. A partir de ese momento, el camino de Solid Vision solo conoce el éxito: por ejemplo, gracias a varias presentaciones de la banda, Ibanez incorpora a Brian Maillard y Ricardo Atzeni como endorsers de sus instrumentos.

Tan solo algunos meses después de la presentación de Eleven, la banda entra nuevamente al estudio, para comenzar con la grabación de lo que será su segundo (y gran) disco oficial.
The Hurricane sale a la venta en el año 2006 y tiene, efectivamente, la fuerza de un huracán. Es un disco realmente poderoso, sólido. Plagado de composiciones en las que se lee una completa, casi obsesiva, dedicación. Se trata en todos los casos de piezas muy trabajadas, pensadas, precisas. Es un trabajo más que correcto: De formidable producción y mezcla, de impecable y más que prolija ejecución y técnica, The Hurricane nos enfrenta con piezas que saben generar los más variados climas, con la capacidad de virar en una u otra dirección sin previo aviso, pero sin perdernos, logrando mantener en todo momento el hilo conductor que da al disco una particular integración, una destacable sensación de todo, de forma bien lograda, forma que cualquier teórico de la Gestalt envidiaría.

Desde el enérgico tema que da nombre al disco, pasando por el emotivo Will You Back Home, y hasta el épico cierre propuesto por Shattered World, la banda nos ofrece un trabajo más que aceptable, más que muy bueno, más que excepcional, bien integrado, con una indudable buena selección de canciones, todos elementos que ofrecen más de una razón para dedicar alguna que otra hora para la atenta y placentera escucha.

16 de octubre de 2009

Dream Theater - Black Clouds & Silver Linings [ Deluxe Collector's Edition Box Set ]



Disco 1: Black Clouds & Silver Linings
01. A Nigthmare To Remember
02. A Rite Of Passage
03. Wither
04. The Shattered Fortress
05. The Best Of Times
06. The Count Of Tuscany

Disco 2: Bonus Disc. Unovered 2008/2009
01. Stargazer [ Rainbow ]
02. Tenement Funster / Flick Of The Wrist / Lily Of The Valley [ Queen ]
03. Odyssey [ Dixie Dregs ]
04. Take Your Fingers Out Of My Hair [ Zebra ]
05. Lark's Tongues In Aspic [ King Crimson ]
06. To Tame A Land [ Iron Maiden ]

Disco 3: Bonus Disc. Instrumental Mixes
01. A Nigthmare To Remember (Instrumental)
02. A Rite Of Passage (Instrumental)
03. Wither (Instrumental)
04. The Shattered Fortress (Instrumental)
05. The Best Of Times (Instrumental)
06. The Count Of Tuscany (Instrumental)

Como ya lo habíamos adelantado hace algunos meses, el pasado 23 de junio Dream Theater, gran banda que a esta altura no necesita presentación, editó su décimo trabajo de estudio, Black Clouds & Silver Linings, que aquí les presentamos y revisamos.

¿Qué se puede decir de este nuevísimo lanzamiento de la banda? Mucho, en realidad... elogios, sobre todo, muchos elogios. En primera instancia, quiero decir que no estoy para nada de acuerdo con los muchos comentarios que he leído acerca de los dos discos anteriores (Octavarium y Systematic Chaos): no creo que sean para nada olvidables, de hecho, creo que son ambos grandes discos. Quiero darles una noticia: Images & Words y Awake, son grandísimos discos, pero fueron hace mucho tiempo, supérenlo: el progresivo progresa :).
Pero, esto no quiere decir que Black Clouds & Silver Linings no sea, a mi parecer, realmetne superior a aquellos trabajos.

Este nuevo trabajo de la banda, es algo realmente sorprendete sobre todo en comparación a lo que nos tenían acostumbrados.
Primero, no quiero dejar de destacar la labor, la EXCEPCIONAL labor del vocalista James Labrie. Creo que es moneda corriente escuchar/decir que el canadiense es el punto más flojo de Dream Theater (si es que Dream Theater tiene algún punto flojo). En el caso de este nuevo trabajo, lo que hace Labrie no tiene explicación, la palabra que voy a repetir y que queda a la perfección es: excepcional. En efecto, es una real excepción en comparación al resto de los discos, una excepción que no sé muy bien cómo explicar. Lo que sí puedo decir es que en este caso logra climas, sensaciones, transmitir emociones como nunca antes lo había hecho. Es el más agresivo, como también el más suave, el más oscuro y el más optimista. En todos los casos con una solidez y una firmeza que quizás nunca le habíamos escuchado. Para le quien le quede alguna duda, basta con escuchar su desempeño en el Medley de Queen, y especialmente en la sección de Lily Of The Valley. En cuanto al resto de la banda, impecables como siempre.

Lo mismo puede decirse de las composiciones: impecables, como siempre. Dream Thetaer es una agrupación que se caracteriza, sobre todo y además de por su precisión en la ejecución, en el extremo cuidado y delicadeza al momento de componer. Es una banda que no hace las cosas a la ligera, sino que pone tiempo, pone trabajo. No se apresura a terminar, sino que primero, se preocupan por empezar.
Pero, intentando hablar un poco de lo concreto del disco, se trata de piezas en general enérgicas, y bien integradas. Si buscamos un punto de comparación sería quizás aceptable remontarse al año 2003, con A Train Of Thought. Efectivamente, Black Clouds... recuerda a muchos de los elementos utilizados en ese disco: el tipo de sonido y distorsiones, el estilo general tirado hacia algo quizás más trash, el énfasis en las instrumentaciones agresivas, que rescatan el trasfondo heavy metal de la banda. Se trata también de pocas piezas, en su mayoría de larga duración, con temáticas concretas y desarrolladas tanto vocalmente como musicalmente. A este respecto no hace falta explicar la estructura de largas secciones instrumentales ni sus características.

Asi y todo, el disco da lugar también a dos piezas más bien tranquilas, hasta optimistas. Por un lado, la balada Wither, hermoso y melancólico tema por cierto, y por otro, a la preciosa The Best Of Times dedicada al recientemente fallecido padre del baterista Mike Portnoy (Ambas canciones incluidas en el Wither EP)

Finalmente, cómo lo habíamos adelanteado hace algunos meses, el disco viene en dos formatos: uno simple, con los nuevos temas, y una Deluxe Collector's Edition Box Set, de 3 discos. Esta última es la que aquí les ofrecemos. De todas maneras, les entregamos las 3 partes por separado, uds deciden.
El disco 1, es el nuevo trabajo en si
El disco 2, se trata de una serie de covers realizados por la banda, en estudio, en el correr de los años 2008 y 2009. Versiones MUY BUENAS todas ellas.
El disco 3, entrega las mezclas instrumentales del nuevo trabajo, con alguna que otra modificación de las versiones originales. Ideales para el karaoke (?).

13 de octubre de 2009

Pocupine Tree - The Incident


Disco 1
01. Occam's Razor
02. The Blind House
03. Great Expectations
04. Kneel And Disconect
05. Drawing The Line
06. The Incident
07. Your Unpleasant Family
08. The Yellow Windows Of The Evening Train
09. Time Flies
10. Degree Zero Of Liberty
11. Octane Twisted
12. The Sceance
13. Circle Of Maniacs
14. I Drive The Hearse

Disco 2
01. Flicker
02. Bonnie The Cat
03. Black Dahlia
04. Remember Me Lover

Había un cartel que decía “Policía – Incidente” y todo el mundo empezó a aminorar la marcha para ver lo que había sucedido. Más tarde se me ocurrió que ‘incidente’ es una palabra muy ajena a algo tan destructivo y traumático para las personas involucradas. Y entonces tuve la sensación de que el espíritu de alguien que había muerto en el accidente entró en mi coche y estaba sentado a mi lado.

Así explica escuetamente Steven Wilson, líder y fundador de Porcupine Tree, el concepto que puso en movimiento la creación de The Incident, disco más reciente de la banda: contar una serie de historias que, lejos de ser así, suelen ser tratadas de manera fría y lejana por los encargados de dar cuenta de ellas. En efecto, el tiempo, el correr de la vida, la pérdida, la mirada impotente de quien ve cómo se aleja un amor, la muerte, pueden ser simples incidentes desde la óptica del espectador, quien luego los relatará, pero... ¿qué hay de quien los vive? Es esta la idea que da consistencia al más reciente trabajo de la banda.

The Incident es uno de esos discos que desde antes de su misma salida a la venta, se encuentran, gracias a una metafísica intuición (o quizás a la más cotidiana experiencia), destinados a ser grandes, a dejar una marca en la historia.
Compuesto por un único tema, separado cuidadosamente en 14 partes interdependientes (disco 1), es una obra que promete y cumple: Primero, porque no es ninguna sorpresa que la banda princeps de Wilson nos entregue trabajos impecables, intachables, sin lugar a la duda excepcionales por donde se los mire: sea en lo técnico, en lo relativo a la composición, a la ejecución, a la mezcla, edición, etc.
Pero, por otro lado, y a pesar de las aparentes contradicciones, se trata de una banda que en todos los casos, sabe ir más allá de las expectativas mismas que genera: Siempre sabemos que nos dará un gran trabajo... pero también que nos sorprenderá, y no es esta la excepción. Si hay algo en lo que se le puede decir monótona, es en su continua capacidad para ser excepción.

Nos encontramos en este caso con un disco que reactualiza, de manera renovadora, todo lo que la banda nos ha entregado a lo largo de los años. The Incident es un disco profundo y oscuro, que no pierde en tinte cínico que caracteriza a las diversas creaciones de Wilson, pero que agrega una crudeza que se manifiesta no solo en las melodías o en la poética de las canciones, sino también en un sonido quizás decididamente más duro, agresivo y calculadamente desprolijo: Características que no encuentran problema al momento de definir y transmitir, justamente, la idea que da tema al disco. Sin perder por todo esto el clásico contraste con secciones acústicas, de voces limpias y bien definidas. En este sentido podría quizás encontrarse alguna analogía con el último trabajo solista de SW, Insurgentes, recientemente revisado en este mismo blog... aunque sin dejar de ser un trabajo completamente nuevo, original, digno de excesivas- casi obsesivas- escuchas.
Finalmente, y como si fuera poco, nos encontramos con un segundo disco, en el cual se desarrollan 4 canciones independientes, pero que, curiosamente, a pesar de funcionar por si mismas sin problema, se acoplan facilmente, desde la primera escucha, al conjunto propuesto por The Incident.

En definitiva, aunque no haga falta aclararlo, se trata de de un disco, una vez más, sin precedentes, el que los invitamos a escuchar con gran regocijo y alegría. Que lo disfruten!

26 de agosto de 2009

A NUESTROS AMIGOS!!

Buenas a todos!

Debido a algunos problemas en la última reestructuración del blog, como habrán notado (o no), desapareció la sección de enlaces que se encontraba en la barra de la derecha... ytambién perdimos la info contenida en ella.. Por lo cual queríamos pedirles a todos nuestros amigos y futuros amigos; todos aquellos que se encontraban en esa lista de enlaces, y a quienes deseen aparecer en la misma, vía intercambio de enlaces, envién vía e-mail los datos del sitio a enlazar.. bah, básicamente: nombre del sitio y el url del mismo.

Como siempre, estaremos recibiendo sus mensajes a cdboxset@gmail.com

Saludos!

19 de julio de 2009

Steven Wilson - Insurgentes


Disco 1
01. Harmony Korine
02. Abandoner
03. Salvaging
04. Veneno Para Las Hadas
05. No Twilight Within The Courts Of The Sun
06. Significant Other
07. Only Child
08. Twilight Coda
09. Get All That You Deserve
10. Insurgentes

Disco 2
01. Port Rubicon
02. Puncture Wound
03. Collecting Space
04. Insurgentes (Mexico)
05. Untitled

De Steven Wilson hemos hablado en más de una ocasión, aunque por lo general nos hemos referido sus participaciones (si bien protagónicas) en otras agrupaciones (Blackfield, Porcupine Tree, No-Man, Bass Communion, entre otros), o a sus distintas participaciones como productor, asesor, etc., en trabajos de otras bandas (como son los casos Damnation y Watershed, de Opeth). Pero, si bien en algún momento les acercamos una serie de covers del artista (sus Cover Versions), poco hemos hablado de la carrera puramente solista de este gran músico, compositor, productor, y todo lo que se les ocurra que pueda hacer alguien en el mundo de la música... nuevamente aclaro: obviando que en sus disintos proyectos musicales, suele ser la cabeza principal, así y todo, hablamos de cosas distintas. En efecto; Steven Wilson es un artista sin precedentes; uno se pregunta de donde sacan tanto la capacidad para generar tanto, de tan distinto tenor y estilos; y también de dónde saca el tiempo para llevar adelante tantos proyectos, tantas apariciones, tantas genialidades. Digamos, por ahora, y ante la falta de una mejor respuesta, que todo eso lo obtiene por medio de su amor a la música.

Bueno, cómo sea, el pasado 2008 nos ha dado la grata sorpresa de entregarnos Insurgentes, el primer y tan esperado disco completametne solista de este gran músico.

Si bien no es sorpresivo encontrar en el disco constantes reminiscencias a estilos ya recorridos en otros de sus trabajos (lo cual es obvio siendo siempre Wilson el alma mater de estos otros trabajos), a la vez se siente en el aire algo distinto, algo que lo hace un disco completamente diferente a lo que venimos acostumbrados a escuchar.
Intentando sintetizar lo que escuchará todo aquel que decida (acertadamente) obtener su copia de Insurgentes, podemos decir que es algo así como una mezcla entre rock psicodélico clásico, algo de progresivo y sinfónico, una pizca de música electrónica (vale aclarar: una sutil pizca), algo de espacial, algo de ambiental, algo de melancólico, algo de enojado y violento, algo de pacífico y relajado; todo esto mezclado y revuelto en una gran cacerola experimental.
De esta gran variedad de estilos, todo en uno pero bien diferenciados entre sí, decanta un disco variado y flexible, sentimental, expresivo, desesperante y esperanzador. Climas armónicos y contrapuestos, voces profundas y desgarradoras; canciones amorosas y despiadadas. En definitiva, una placa para todo tipo de público... todo tipo de público capaz de salirse de lo dado, de lo esperable, de lo oficial. Un disco como sólo Steven Wilson podía componer, ejecutar y producir (todo esto perféctamente hecho, claro); con composiciónes cuidadas y delicadas; y que deja ver tras de sí una dedicación y amor a su arte realmente elogiable.

9 de julio de 2009

Jordan Rudess - Notes On A Dream


01. Throug Her Eyes
02. Lifting Shadows Of A Dream
03. Perpetuum Mobile
04. The Silent Man
05. Another Day
06. Hollow Years
07. The Grand Scapement
08. The Spirit Carries On
09. Speak To Me
10. The Answer Lies Within
11. Collision Point
12. Vacant

Sobre Jordan Rudess ya hablamos más de una vez.

Sobre su música también hemos hablado en repetidas ocasiones, y esta no será la excepción, aunque sea hoy de manera bastante acotada.

En este nuevo trabajo, recién salido a las bateas, Rudess continúa, de alguna manera, con una suerte de tributo: En su trabajo anterior, The Road Home, todas las piezas eran covers de grandes bandas clásicas, aquellas que hicieron las veces de influencia a este gran músico. En este caso, esta suerte de tributo es más bien contemporanea y se podría decir que se dirige, en parte, a él mismo: En efecto, Notes On A Dream es un disco compuesto, en su mayoría, de adaptaciones completament acústicas- para piano-, de canciones de la banda por la que Rudess ha sido más conocido: Dream Theater.

Muy de más esté entonces decir que se trata de un disco musicalmente excelente, de adaptaciones realmente fenomenales y de una ejecución más que perfecta, pero sea quizás necesario hacerlo si deseamos un post como la gente.
Entonces, vamos a destacar muy brevemente algunas cositas. Se me hace dificultosa la categorización de este disco: Si bien son canciones mayormente de Dream Theater (hay alguna que otra que son de autoría del mismo Rudess), el disco se encuentra bien lejos del metal, y hasta del rock. Más que adaptaciones, podría decir que son re-versiones, ya que salvo algunas excepciones, como el caso de Through Her Eyes o The Answer Lies Within, temas que se prestan para este experimento sin demasiado esfuerzo, el resto de las piezas distan mucho de ser el metal progresivo y enérgico de la banda homenajeada, para lograr versiones más bien ambientales, melancólicas, generadoras de paz y tranquilidad... (bueno, también admitamos que Rudess no eligió las canciones más poderosas de la banda, sino que todas destilan, en sus versiones originales, la categoría de lento o, en el caso más rebelde, la de balada)

Rudess logra entonces un producto de calidad superior. Se trata de un disco simplemente hermoso. Un disco melódico y romántico, en el sentido más cursi de la palabra, a la vez que melancólico y profundamente sensible. En fin, un punto más para Rudess.

2 de julio de 2009

The Beatles - Rubber Soul


Disco resubido por Jessa Valdez

01. Dive My Car
02. Norwegian Wood (This Bird Has Flown)
03. You Won't See Me
04. Nowhere Man
05. Think For Yourself
06. The Word
07. My Michelle
08. What Goes On
09. Girl
10. I'm Looking Through You
11. In My Life
12. Wait
13. If I Needed Someone
14. Run For Your Life

Me niego terminantemente a hablar o decir algo acerca de The Beatles. Hacerlo sería una falta de respeto, tanto para con ellos como para con cualquier persona que alguna vez en su vida haya escuchado rock, sea cual fuere el sub-género. Cualquier persona que haya alguna vez escuchado aunque sea una canción de cualquier disco de rock, sea contemporáneo, sea del rock experimental y progresivo, o sinfónico, o rock and roll de los 60', 70's, escuchó a los Beatles.
Por lo cual, en este caso, me voy a limitar a intentar argumentar la presencia de este disco en este blog.

Muchos, o quizás sólo algunos, se estarán preguntando qué hace un disco de este grupo en este espacio, generalmente dedicado a bandas de la escena progresiva, sinfónica, fusión, metal, psicodélica, etc etc. Bueno, exáctamente por eso, por ser un espacio dedicado a bandas de la escena progresiva, sinfónica, fusión, metal, psicodélica, etc, etc, es por lo que este disco está acá. Por que los Beatles fueron todo eso, y muchas cosas más.

¿Por qué este disco? Porque estoy completamente convencido de que si este disco no hubiese sido grabado, jamás hubiesen existido ninguno de los géneros del rock que arriba nombré.
En este disco de 1965, Rubber Soul, el grupo hasta ese momento reconocido como un grupo de rock and roll que pasaban sus días escribiendo temas que enamoraban a sus fanáticas, explotando la temática del amor romántico y cursi, da un giro fundamental en su forma de componer, para, por un lado, comenzar a abarcar en sus letras temáticas mucho más amplias, relegando el tema del amor romántico a un lado, y meterse en situaciones más retorcidas y complejas. Por otro lado, dejan de lado su sonido y estilo musical originales, aquen apoyado en las melodías felices y pegadizas, para comenzar a experimentar, no solo con nuevos ritmos, sino también con nuevos instrumentos, como el sitar, siendo todos los temas del disco escritos por los integrantes de la banda.
Todas estas características dan un resultado notable, que justifica la caracterización de este disco como EL antecendente fundamental de toda la vertiente de rock experimental y progresivo a partir de fines de los 60's y la década del 70': composiciones completamente originales e íntimas, de un profundo contenido personal que da a conocer por primera vez la verdadera capacidad compositiva de la banda, sumado esto a lo que sería el primer esbozo de un rock experimental, con una clara tendencia hacia el progresivo.
Así y todo, el disco cuenta con varios hits, como son los casos de My Michelle, Drive My Car, y, de igual manera, aunque en una perspectiva más elitista, In My Life o Norwegian Wood (This Bird Has Flown).

En general la voz popular etiqueta a The Beatles como una banda de rock and roll, perdiéndo completamente de vista la veta que muestran a partir de este disco, que es en definitiva la más franca y personal, la más esencial, la que mejor define el estilo verdadero de la banda, aquel que no apunta a quedar sonando en las cabecitas de los oyentes, u obtener los chillidos de las fanáticas, sino más bien (y por primera vez) a demostrar todo lo que The Beatles fueron, y sobre todo, todo lo que The Beatles sería.

14 de junio de 2009

The Shadowland - Falling


Disco resubido, publicado originalmente el 01.03.2008

01. Can You Tell Me
02. Turn Back Home
03. Falling
04. Perfection
05. Don't Turn This Love Into Hate
06. Some Old Muddy Roads
07. Justice With My Hands
08. In The End
09. Turn Back Time
10. Don't Chain My Heart


The Shadowland (no confundir con la banda inglesa de neo-progresivo formada formada en los 90's por el tecladista de Pendragron, Clive Nolan, llamada Shadowland), es una joven banda de metal (en varias de sus formas) oriunda de Suecia. Al ser una banda completamente nueva es de entender que haya poco para decir de ellos, o al menos de su historia, que tampoco ha prolifierado en las fuentes habituales que la net tiene para ofrecernos. Lo único que puedo decir de la banda es lo que he encontrado en el MySpace de la misma, a saber: http://www.myspace.com/shadowland1. Me basaré entonces en esta pequeña y poco específica reseña histórica.

Según cuentan, algunos años atrás, algunos de los actuales miembros terminaron, al parercer por arte del azar, tocando en la misma banda. En ese momento, y luego, construyeron, sin siquiera darse cuenta, las bases para lo que sería The Shadowland. Algunos años y cambios de formación después el cantante Robert Forse (ex Heads Of Tales y Afterglow) y el guitarrista Tobias Andersson (miembro de Seven Wishes), comenzaron a escribir canciones juntos. A medida que la composición avanzó, también fueron grabando sus creaciones, para dar con un productoi final bastante interesante. Finalmente a este duo de se suman el baterista Olle Rodéhn y el bajista Magnus Jönsson (ex Damned Nation), con quienes la banda terminará de tomar forma como proyecto firmemente conformado.

Ahora sigo yo, como librepensador que soy (?). En cuanto a sonido y estilo, se hace difícil ubicar a esta fabulosa banda en un único estilo. Lo que sí puedo afirmar sin miedo a ningún tipo de represalia, es que me hace acordar MUCHO a Symphony X (de la que asumo son fanáticos), y por momentos, también a Dream Theater y bandas similares.
Pero hay algo que los diferencia de estas bandas. The Shadowland parece dar mucha importancia a las melodias, contando así con secciones instrumentales mucho más cortas y menos complejas que las bandas que antes nombré, optando por un formato si bien metalero, más de canción. En este sentido, si bien la banda se perfila en muchos casos como un buen representante del metal progresivo contemporáneo, me atrevo a destacar una veta más bien de metal melódico, más acentuado en la melodía y las letras, que en la complejidad musical y técnica. Lo asombroso es que a pesar de esto, es una banda que no pierde ni un céntimo de calidad frente a estos dos gigantes del metal progresivo y melódico.
Y todo esto se pone de manifiesto en su primer trabajo (y único por el momento), Falling, del año 2007.

Las bandas suecas no son de las más conocidas en el ambiente, y The Shadowland no corre una suerte distinta del grueso de grupos de dicho origen. Así que en pro de la escena musical sueca (que por otro lado nos ha dado algunas bandas muy interesante, como es el caso de Opeth o Nightingale), les dejo este precioso disco.

13 de junio de 2009

Museo Rosenbach - Zarathustra


01. L'ultimo Uomo
02. Il Re Di Ieri
03. Aldilá Del Bene E Del Male
04. Superuomo
05. Il Tempio Delle Dessidre
06. Degli Uomini
07. Della Natura
08. Delleterno Ritorno

Volvemos, luego de un moderado (?) lapso en el que el tiempo y las circunstancias hicieron dificil realizar el árduo trabajo de investigar, postear, publicar, etc. Y no sólo volvemos al ruedo con la publicación de discos, sino que también es una vuelta a los clásicos de clásicos, a esas bandas que hicieron que hoy en día exista el rock, el rock de Ley, tal y como es. Esas bandas que ya desde principios de los 70's se animaban a experimentar, a dejarse llevar más por sus corazones que por sus cuentas bancarias, en fin, a hacer algo de arte; de ese que hoy en día viene escaceando.

Es este el caso de Museo Rosenbach, agrupación italiana, formada allá a principios de los años 70's (entre 1971 y 19732 se consolida la primera formación), por Stefano Galifi (voz), Enzo Merogno (guitarra y voz), Pit Corradi (teclados), Alberto Moreno (bajo, piano y melotrón) y Giancarlo Golzi (batería, percusión, voz).
Cuenta la historia que la banda comienza su desempeño musical en vivo presentandose como soporte de otras bandas de le época (como Richi e Poveri, o Delirium), para ir poco a poco y gracias a la gran capacidad de todos y cada uno de sus integrantes, ganando adeptos que con con el correr de sus presentaciones comenzarían a asistir a las mismas con la exclusiva intención de ver a Museo Rosenbach. Y hablando de la capacidad de sus músicos, cabe destacar que si bien funcionan de manera impecable como banda, lo que cada uno puede hacer y hace, efectivamente nos pone frente a una agrupación formada por excelentes instrumentistas y músicos solistas. Con esto no hablo de individualidades o división, sino más bien de que cada uno de los integrantes e Museo Rosenbach puede, debido a su virtuosismo, ser el protagonista en cualquier momento para pasar a un segundo plano luego, cuando cede su lugar a alguno de sus compañeros. Ultimamente esto es bastante complicado de encontrar, ya que en general, en toda banda exite algún flojito, alguno que no termina de encajar. Bien, esto es lo que no está ni cerca de ocurrir en Museo Rosenbach. Todos y cada uno son genios, virtuosos, artistas de la más elevada índole. Voz y música se entremezclan de una manera única, incomparable realmente, de la mejor manera, claro.

Y en este contexto nace Zarathustra, disco que, a pesar de la cantidad de elogios que la banda merece, será su único lanzamiento oficial (luego apareceran distintas ediciones ilegítimas de trabajos en vivo, rarezas, lados b, etc.). El disco es editado en el año 1973, y como su nombre lo indica, se trata de una obra conceptual dedicada íntegramente al libro de Nietzsche, "Así habló Zarathustra", en el cual el autor desarrolla su concepto de Superhombre, a partir de la idea de un Dios que ha muerto, al cual ya no se puede recurrir como base para la existencia ni para la acción.
Ahora, lo curioso es que no se trata para nada de una musicalización del los pasajes del libro, ni de una mera adaptación a sus ideas, sino más bien de una suerte ópera en la cual se realiza una rigurosa lectura filosófica del libro del autor alemán. No hablamos un disco en el cual algunas temáticas de la obra son tomadas y poetizadas, no. Hablamos de ocho canciones que son ocho discursos, ocho monólogos de Zarathustra, aquel personaje que recorre el mundo brindando su enseñanza, coligiendo su profesía. Como monólogo, como discurso, se tratan de distintas plasmaciones de verdad. No en el sentido absoluto del término, sino en el de verdad del sujeto. Cada canción habla de una verdad de este polémico personaje que, como el nuevo elegido, dicta la Ley y hace la regla.

Yendo ahora a lo estrictamente musical, es desde un principio notable el cuidado puesto tanto a la composición como a la ejecución. Todas las piezas son de una solidez destacada, de una prolijidad pocas veces palpada, y, sobre todo, constan de una continuidad que lo hacen un disco integrado, integrador, homogeneo hasta en su más mínimo detalle. Uno de esos discos en los que uno se propone prestar una profunda atención a todo lo que ocurre, pero que, sin excepciones, termina hudiendo al oyente en los profundos mares de su contenido, oyente que se sorprende cuando el disco, como de la nada, llega a su finalización. Y es esta una sorpresa grata: no por desear el final del disco, sino porque el viaje fue tan agradable, que ni siquiera se sintió, y sin embargo, genera un sentimiento de armonía y paz unicos.

Finalmente, me gustaría hacer una mención especial al sonido. Si bien estamos en la era del cd, dvd, etc, todos hemos tenido la experiencia de adquirir grabaciones muy antiguas que, aunque hayan pasado por veinte remasterizaciones, no dejan de atestiguar lo pobre de las tecnologías pasadas. En el caso de Zarathustra, lo podrán comprobar, es una pieza de un sonido tan prolijo, tan cuidado, tan delicado, que sorprende pensar que se haya grabado hace más de 30 años. Recuerda quizás a la experiencia Dark Side Of The Moon, otro disco notable en lo referente al sonido (sin entrar en detalles sobre lo grandioso del disco en sí); pero tengamos en cuenta que en este caso, no nos encontramos ni en Inglaterra, ni en los estudios Abbey Road, ni está Alan Parsons a cargo del sonido y la mezcla. Estamos en Liguria, pequeña población al norte de Italia, con no más de 1.700.000 habitantes en la actualidad. Esto es algo completamente distinto.

8 de mayo de 2009

Para junio, nuevo disco de Dream Theater !

Para los que aun no están al tanto, el pasadísimo 13 de marzo del corriente 2009, Dream Theater, banda ícono del metal progresivo, a esta altura recontrareconocida ya por todos los visitantes de este blog, anunció, para el día 23 de junio, la salida de su décimo trabajo de estudio: Black Clouds & Silver Linings, disco en el que venían trabajando desde octubre del 2007, luego de lanzado Systematic Chaos.


El disco, editado por Roadrunner, y nuevamente producido por Mike Portnoy y John Petrucci (baterista y guitarrista de la banda respectivamente) y mezclado por Paul Northfield, será lanzado en dos versiones: una versión standar, en cd (con la opción vinilo) y otra, una Edición Especial de 3 cd's que incluirá: 1. el álbum completo; 2. otro disco que constará de las mezclas instrumentales y, 3. un tercer cd con 6 covers.
El disco contará de 6 tracks:

01. A Nightmare to Remember
02. A Rite of Passage
03. Wither
04. The Shattered Fortress
05. The Best of Times
06. The Count of Tuscany

El día 6 de mayo pasado la banda liberó, vía web oficial del sello Roadrunner, A Rite Of Passage, primer corte de difusión del disco, que pueden descargar haciendo click en el nombre del tema.

Que lo disfruten!

29 de abril de 2009

Anathema en Argentina - 31.05.2009, Espacio Cultural ND Ateneo


Felizmente, Anathema, una de las mejores bandas que el post rock ha dado en los últimos casi 20 años, vuelve a presentarse en la Argentina, para presentar en este caso su último trabajo de estudio, Hindsight, álbum semiacustico que revive las canciones más representativas de la historia de la banda, y que ha sido publicado en su momento en este mismo blog.


La cita será entonces el día domingo 31 de mayo del corriente 2009, en el Espacio Cultural ND Ateneo, Paraguay 918, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina, a partir de las 19 hs.

Las entradas pueden ser adquiridas mediante Plateanet o en el teatro, hasta una hora antes del show.

Entonces:
Fecha: 31 de mayo, 2009
Horario: desde las 19 hs
Lugar: Espacio Cultural ND Ateneo (Paraguay 918, Capital Federal, Bs. As., Argentina)

Valor de las entradas:
Platea: $150, $120, $110, $100 (según ubicación)
Palco: $150
Super Pullman: $100, $90 (según ubicación)
Pullman: $90, $80 (según ubicación)

Nos estamos viendo allí!

5 de marzo de 2009

Liquid Trio Experiment 2 - When The Keyboard Breaks: Live In Chicago



01. Universal Mind (When The Keyboard Breaks)
02. The Chicago Blues & Noodle Factory
03. Fade Away Or Keep Going?
04. The Haunted Keyboard
05. Close Encounters Of The Liquid Kind
06. Ten Minute Warning
07. That 'Ol Broken Down Keyboard Blues
08. Liquid Anthrax
09. That's All Folks

Si bien en otro post ya hablamos de esta súperformación circunstancial, que en lo general se mantiene, es necesario en este caso destacar algunas diferencias. Y más específicamente una diferencia, la que da sentido a la existencia misma de este disco.

En caso de Spontaneous Combustion, primer disco editado bajo la autoría de este grupo, la cosa era más o menos así: Durante la grabación del segundo proyecto de Liquid Tension Experiment, John Petrucci, guitarrista de la formación (y de Dream Theater) pendiente del nacimiento de su hija, deja por un tiempo el estudio. En este tiempo libre los tres integrantes restantes (Mike Portnoy, Jordan Rudess (Dream Theater) y Tony Levin (King Crimson) continuan en el estudio realizando diversas improvisaciones, que Mike Portnoy grabará, las que formarán dicho primer trabajo.

En el caso de este nuevo trabajo, When The Keyboard Breaks, grabado en junio del año 2008 en y recientemente editado, las cosas son algo distintas.
Cuenta la leyenda que promediando los 2/3 del show que Liquid Tension Experiment diera el día 25 de junio del año 2008 en la ciudad de Chicago, el teclado de Jordan Rudess sufre un extraño desperfecto a partir del cual una serie de notas comiezan a sonar de manera extraña. Ante la imposibilidad de corregir de manera inmediata el problema, el tecladista desespera, se irrita y corre a hablar vía telefónica con la fábrica misma de los teclados Roland, en Japón.
Mientras tanto, Portnoy, Petrucci y Levin siguen en el escenario, pero no se quedan con los brazos cruzados: Como afortunadamente esta es una formación a la que no sólo le encanta improvisar, sino que además lo hacen de manera fenomenal, el accidentalmente conformado trío decide entretener al público con sus creativas y a la vez increibles melodías espontáneas y circunstanciales.

En cuanto a lo musical, las diferencias más notables son quizás en cuanto a los géneros recorridos: en el trabajo anterior se podía notar quizás un dejo más experimental, más cercano al jazz y fussion, logrando piezas quizás menos definidas que en este caso, en el cual el liderazgo es ejercido más bien por el guitarrista John Petrucci, recorriendo lugares más accesibles al oído común, poniendo algo de órden al asunto, adentrándose en melodías más rockeras, algún que otro blues, alguna balada melosa y, claro está, el infaltable metal progresivo.

Nace así entonces un nuevo disco del trío. Esta vez en vivo. Esta vez con guitarra y sin teclado. Pero, como siempre, con una calidad musical y creativa excepcional, que como siempre, vale la pena no perderse. Estamos una vez más ante un trabajo sin precedentes (en sentido amplio, ya que ni siquiera fue planeado) y sin comparación completa posible. Otro 10+.

22 de febrero de 2009

3 x 1 de Progresivo Experimental Instrumental

Russian Circles - Enter


01. Carpe
02. Micah
03. Death Rides a Horse
04. Enter
05. You Already Did0
06. New Macabre


Russian Circles es un trío oriundo de Chicago, formado por Mike Sullivan (guitarras), Dave Turncrantz (batería) y Brian Cook (bajo).
El estilo de la banda podría ser fácilmente comparado con otras agrupaciones como Isis y sus vecinos Pelican (dos bandas por demás esenciales y recomendables), siempre y cuando se caiga en el reduccionismo y la falta de profundidad en la escucha/observación de lo que Russian Circles intenta hacer. Quiero decir con esto que es esta una banda que, a pesar de transitar eventualmente los senderos más bastos del post rock instrumental, experimental y progresivo, es una banda que, gracias a sus melodías, homogeneidad, su tinte más bien metálico y a la vez, su capacidad para lograr que dentro de una misma pieza convivan las más variadas melodías y ambientes sin generarse conflicto alguno, y combinado todo esto con la más delicada técnica y un sonido realmente prolijo, en el que se deja ver un gran esfuerzo y dedicación.

Enter, del año 2006, es el primer disco larga duración de la banda. Como todo primer trabajo describe por medio de sus sonidos (más que nunca acá, tratándosede un álbum puramente instrumental), describe por medio de sus sonidos todas las características arriba referidas, las cuales hacen a la banda en si, a su esencia, convirtiéndola quizás en una de las bandas más prometedoras de estos géneros.


Scale The Summit - Monument


01. Shaping The Clouds
02. Wolves
03. Crossing The Ocean
04. Omni
05. Rode In On Horseback
06. Roof Of The World
07. Penguins In Flight
08. Holding Thunder


Scale The Summit es un cuarteto de formado en Texas, Estados Unidos, formada en el año 2004 por los jóvenes guitarristas Travis LeVrier y Chris Letchford. Con un espíritu jóven e innovador, el objetivo de la banda era claro y conciso: Crear un nuevo sonido que, sin dejar de lado la técnica y la complejidad melódica, pudiera ser accesible a todo tipo de oido. Es a partir de este objetivo común que los dos talentosos muchachos comienzan a desarrollar su obra.
En marzo del año 2005 se suma a la agrupación Pat Skeffington, baterista que con su gran técnica y habilidad suplementará al hasta ese momento duo convirtiéndose en una parte esencial de la música de la banda. En agosto del mismo año se suma el último miembro del grupo, el bajista Jordan Eberhardt, consumándose así lo que será la formación definitiva de un gran grupo de metal progresivo/experimental instrumental.
En cuanto al estilo propio del grupo, me atrevería a decir que estos muchachitos tejanos logran a la perfección su objetivo primero, ya que manteniendo el virtuosismo, una técnica impecable y una complejidad musical y melódica fuera de serie, de una matemática perfecta, logran piezas realmente accesibles, relativamente cortas, bien definidas y desarrolladas, y que se sostienen en el fondo en la base del metal más clásico a la vez que toman los elementos esenciales del rock progresivo más básico, logrando una amalgama muy interesante y más que recomendable.

Monument data del año 2007, siendo el primer trabajo de estudio de la banda. Con lo antedicho sobre la banda no hace falta describirlo ni dar más apreciaciones personales; pero sí se hace extremadamente necesario- más bien urgente- escucharlo.


K3 - Under A Spell


01. Under A Spell
02. Fear Of Death
03. Trapped
04. Persecution
05. Ritual
06. Path Of A Storm
07. Soul Of The Forest
08. Before Disaster
09.The End Of Evolution

K3, trio oriundo de Hungría es formada por János Kállai en 1995, con el objetivo de tocar/crear la música que le gustaba escuchar: rock instrumental. Así la banda comienza realizando, entre otras cosas, covers y versiones de canciones de Joe Satriani quien ejercerá una gran influencia, experiencia de por medio de la cual la banda irá poco a poco logrando el perfeccionamiento progresivo tanto de su técnica como en lo tocante a la composición, alejándose poco a poco del estilo Satriani, o mejor dicho, desarrollando un estilo propio, un estilo K3 en el cual se podrá escuchar por un lado rock/metal progresivo del más contundente, técnico y complejo, a la vez que se encontrará siempre presente una base, un trasfondo bien rockero, cortesía de los años de escucha y ejecución de las canciones del virtuoso de la guitarra.
Este estilo personal cuenta con un sonido realmente original, que por momentos se acerca a lo más crudo y pesado, de raices metaleras y distorcionadas, a la vez que las melodías principales son en general, a pesar de su agresividad y espontaneidad, dulces y suaves: una concepción muy difícil de explicar teóricamente, pero asumo que claramente reconocible al escuchar cada pieza.
Con estas características y siguiendo estos lineamientos nace en el año 2002 su primer disco de estudio, Above The World, si bien aun más cercano a sus raíces rockeras, contando con todos los gérmenes de lo que será la actualidad de la banda.

Es entonces en el año 2007 editan Under A Spell, disco en el cual la banda se anima finalmente a lanzar todo el progresivo que tiene adentro, quedando consumado el estilo K3 del que hablába más arriba.
Un disco con claras influencias tanto de Joe Satriani, Steve Vai y otros, pero también, de bandas netamente progresivas, como Dream Theater, y de otras más metaleras como Slayer, así como también de algunas que no sé cómo catalogar, como es el caso de Slipknot.
Un dato útil alr especto es que en este disco participa Jordan Rudess, tecladista de Dream Theater.
En consecuencia, Under A Spell se presenta como un disco variado y flexible, a la vez que homogeneo y definido, que permite más de una escucha consecutiva, a pesar de su energía y destacada agresividad. Un disco que sabe crear y destruir ambientes variados, y esto en el sentido más positivo: sabe cómo hacer una u otra cosa sin destruir por eso la obra completa, sabiendo saltar de un estilo a otro de manera casi imperceptible, o mejor dicho, logrando que el oyente se percate del salto sólo una vez que fue consumado.

Realmente recomendable. Especial para escuchar por la mañana, para comenzar el día con energía y empuje.

4 de febrero de 2009

Roger Waters - Amused To Death


01. The Ballad Of Bill Hubbard
02. What God Wants (Part 1)
03. Perfect Sense (Part 1)
04. Perfect Sense (Part 2)
05. The Bravery Of Being Out Of Range
06. Late Home Tonight (Part 1)
07. Late Home Tonight (Part 2)
08. Too Much Rope
09. What God Wants (Part 2)
10. What God Wants (Part 3)
11. Watching TV
12. Three Wishes
13. It's A Miracle
14. Amused To Death

¿Realmente hace falta hablar de Roger Waters? ¿Hace falta siquiera nombrarlo una vez más luego del título de esta publicación? Creo que no, peeeero, independientemente de que sea o no necesario, él se lo merece, se merece este homenaje, aunque sea por medio de una pequeña reseña de su vida y obra.

George Roger Waters nace en 6 de setiembre de 1943 en Great Bookham, Reino Unido, donde vivía junto a su madre y sus dos hermanos, John y Duncan. Su padre, Eric Fletcher Waters era maestro de educación física y religión, y era profundamente cristiano. Cuando murió, el 16 de febrero de 1944, en Anzio, Italia, cuando corriendo la 2da Guerra Mundial, los alemanes contraatacaron el área donde la Real Compañía C estaba acantonada, Roger tenía apenas 5 meses, y nunca llegó a conocerlo.
Al poco tiempo de la muerte de Eric Fletcher Waters, la familia se muda a Cambridge, donde viven con su madre. Según el mismo Roger "... Ella (su madre) no incentivó mi creatividad, Ella, no estaba interesada en música o el arte, solo le interesaba la política. Yo no tuve una infancia feliz, me escapaba de la escuela, sobre todo después que fui al colegio de gramática…"

Es durante esta época que conoce a Roger "Syd" Barret, con quien formará una gran amistad y junto a quien pasará toda su juventud emborrachándose, consumiendo drogas y conquistando chicas, y a quien todavía hoy considera su fuente primaria de inspiración.

Luego del colegio Roger estudia arquitectura en la Universidad de Cambridge. Fue mientras estudiaba en dicho establecimiento que uno de los directores de la carrera lo anima a llevar su guitarra para que tocara durante las clases dedicadas a tareas de diseño: Fue ese su primer sentimiento de animación, su primera motivación seria hacia la música. Si bien había tenido otros intentos de aprender a tocar la guitarra en su adolescencia, a Roger le había parecido una tarea muy difícil y la había abandonado: "era difícil, me dolían los dedos y lo encontré muy difícil... ", dice.
En el politécnico había un salón donde al parecer la gente gravitaba con sus instrumentos. Waters comenzó entonces a involucrarse en esos grupos, formando varias bandas con distintos nombres. Fue con la entrada de Syd Barret a una de esas formaciones que nació The Pink Floyd, que luego sería, simplemente, Pink Floyd. Aunque es recien con la llegada de Bob Close que la banda comienza a tomar forma, pasando Roger a la guitarra rítmica, y finalmente, al bajo.
A medida que la banda comienza a tener cierto renombre en el underground londinense, Roger comienza a percatarse de que, en realidad, la banda era realmente desastrosa: "... Nosotros dabamos risa. Eramos inútiles. No podíamos tocar en lo mas mínimo así que teníamos que hacer algo estúpido y experimental.". Esta situación, sumada al rápido deterioro mental de Syd Barret, hasta ahora líder de la banda, lleva a Waters a la decisión de expulsarlo de la banda y tomar él el rol de compositor principal, convirtiéndose progresivamente en el nuevo líder de Pink Floyd.

En este punto deberíamos hablar a fondo de Pink Floyd, pero no es el objetivo (y ya lo hicimos en otro lado). Así que vamos diréctamente al momento crítico.
en 1978 Waters presenta a la banda dos proyectos: The Wall y The Pros And Cons Of Hitchicking. Si bien ambos proyectos eran profundamente personales, la banda acepta grabar The Wall. pero a medida que la grabación avanza, las diferencias y peleas entre Roger Waters y Rick Wright se tornan cada vez más fuertes y la relación insostenible, por lo cual Roger amenaza con detener la grabación al menos que Rick se alejara del grupo. Ambos abandonan el grupo, pero Waters regresa una vez que Wright se ha alejado. Al mismo tiempo hay problemas entre Waters y David Gilmour. Queda claro que The Wall es un disco completamente personal e íntimo de Waters. Así bautiza al personaje Pink Floyd, identificándose con él. El disco sería un éxito, pero el fin era inexorable.
En 1983 Waters encara la grabación de lo que será su último disco en Pink Floyd: The Final Cut, para abandonar luego la banda y dedicarse de entero, y completamente alejado de sus ex compañeros, a su carrera solista.

Así, Waters edita su primer disco en solitario: el proyecto anteriormente ofrecido a los integrantes de Pink Floyd: The Pros And Cons Of Hitchicking, que podría, por su estilo, haber sido un disco de la banda. Pero ¿de qué Floyd? ¿el de The Final Cut? ¿El anterior?.
Entre varias peleas legales con los demás integrandes de Pink Floyd y con el manager del grupo, Waters continua su carrera solista, siendo convocado para grabar la banda sonora del film When The Wind Blows, de Rymondd Biggs, a la vez que continúa trabajando en lo que será su segundo disco solista: Radio KAOS, disco de tintes más bien pop, en el cual, a pesar de todo Waters no pierde su cinismo característico, que revitaliza su compromiso social, desde la ficción de una Radio ubicada en Los Angeles.
El 21 de julio de 1990 presenta The Wall Live In Berlin, grabación en vivo del mítico disco en la que participarán grandes artistas del momento: Scorpions, Bryan Adams, Sinead O´Connor entre otros. Show del cual dona todas las ganancias a la Leonard Cheshire´s Fund para desastres internacionales. De todas maneras, en esta presentación queda clara una cosa: si bien The Wall era su creación íntegra... no era lo mismo sin Pink Floyd, sin la verdadera Pink Floyd.

1992. Roger Waters comienza a entender que Pink Floyd es más, mucho más que Roger Waters. Y es justamente cuando el artista es capaz de reconocer esta situación el momento en que nace lo que será su obra maestra, lo mejor lejos en la carrera solista de Waters, comparable a sus mejores momentos en Pink Floyd. La vista del artista se aleja del espejo, su ego se diluye. Nace Amused To Death, obra en la cual Waters recorre una a una sus contradicciones, sus obsesiones, sus conflictos internos; obra en la cual busca entender el sentido, el perfecto sentido de todo lo que ocurre en el mundo; obra en la cual intenta comprender y explicar todo lo que ocurre. La guerra y la pérdida de su padre, al que nunca pudo conocer realmente, aun lo atormentan. Mientras tanto, la televisión muestra los levantamientos armados en distintas partes del mundo como si se tratara de un programa de chismes o un partido de basquetball.
Esta profunda incomprensión, manifestada en la más irónica explicación, en la más cruda queja, en la más sarcástica manifestación del perfecto sentido, son lo que hacen de este trabajo un trabajo una obra maestra, una obra brillante, una avalancha de sensaciones, de impulsos desbordados por la impotencia ante una maquinaria de idiotización sistemática.
Y cuenta para esta arriesgada obra con la participación, ni más ni menos, de la guitarra en manos de Jeff Beck quien, advertido de cuán necesario era David Gilmour para semejante obra, da todo de sí, dándo a la obra un toque único, como el que sólo él podría aportar.

En definitiva, este es un disco que no pasa desapercibido, como quizás si ocurrió con los primeros intentos solistas de Waters. Quizás conocidos, pero dejando una sensación de incompletud, de forzamiento. En este caso, contrariamente, nace un disco que surge de lo más profundo del ser del artista, quien, finalmente y luego de incontables luchas tanto internas como externas, consigo mismo, con los integrantes de Pink Floyd, con su manager, etc., puede ahora decir: Este es Roger Waters: cínico, electrizante, emocionante, sensible y profundo.

Hoy, si entramos al sitio oficial de Roger Waters, podemos leer, sobre un fondo de velas, un sensible mensaje/homenaje a quien fuera otro genio creador de Pink Floyd: Richard Wright.

3 de febrero de 2009

Twilight en Vivo! 7 de marzo 2009 en Unione & Benevolenza!


Sobre la banda.

Les informamos que el día 7 de marzo del corriente 2009, Twilight, excelente banda de heavy metal, se estará presentando, junto a Leonidas y Walyria en Unione & Benevolenza, cito en Perón 1372, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.

En esta ocasión, contando con un considerable éxito en el ámbiente, un excelente disco en grandes disquerías, y hasta con un fenomenal video en rotación (Katrina), la banda que ha secundado en más de una ocasión a grandes del género (Sonata Artica, Edguy, Angra, Avantasia, Symphony X, entre otros) recibe el nuevo año con otro enérgico show, en el que, según las malas lenguas, no faltarán las sorpresas.

Muy recomendable!

Fecha: 7 de Marzo del 2009
Horario: 19.30 hs puntual!
Lugar: Unione & Benevolenza (Perón 1372, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina)
Entradas: $15 - Se pueden conseguir en BVM Records; Volumen 4, o enviando un e-mail a la casilla de la banda: twilightmetal@gmail.com.

Para más info:

1 de febrero de 2009

Opeth - Watershed (Special Edition)


01. Coil
02. Heir Aparent
03. The Lotus Eater
04. Burden
05. Porcelain Heart
06. Hessian Peel
07. Hex Omega

Bonus Tracks
08. Derelict Herds
09. Bridge Of Sights
10. Den Ständiga Resan

Acá la info sobre Opeth.

Una suerte vuelta las raíces.... a las raíces de Opeth, acá en cd-boxset. Digo esto porque la única vez que publicamos algo de esta gloriosa banda, fue aquel disco inusual de 2003, Damnation, en que la banda se alejaba completamente de sus usual estilo death metal, de voces guturales, y guitarras furiosamente distorcionadas, y, en cambio, se dedicaba a ejecutar canciones casi acústicas, melancólicas, más bien melódicas.

En este caso, entonces, volvemos un poco al origen de la banda, aunque, paradójicamente, esta vuelta al origen la hagamos mediante la presentación de su último disco de estudio, Watershed (2008).
Entonces, tenemos un disco en el cual vuelve el death metal, vuelve la distorción, vuelven los gritos desesperados, pero sin perder lo que hace a esta banda realmente grande: la capacidad de combinar estos elementos del metal más pesado con los del progresivo más elaborado y a la vez la habilidad de componer fascinantes y melancólicas baladas, como el caso de Burden, single de difusión del disco, y de donde surge la idea de poner, a partir de ahora, el énfasis en este tipo de composiciónes más tranquilas y emocionales, pero que nunca pierden la energía propia del grupo.

Es este un disco que muestra una real madurez de la banda, tanto en lo musical como en lo compositivo y así también en lo ejecutivo. Digo, si bien siempre se destacaron por su habilidad tanto musical como técnica, en esta nueva entrega de Opeth, esta capacidad se ve aun más perfeccionada, lo cual da al disco una solidez y uniformidad incluso más clara que en sus trabajos anteriores (en los metaleros, digo). Hasta antes de Watershed, personalmente, siempre me ha ocurrido que en algunas canciones de esta banda perdía el hilo conductor, hasta que, como por sorpresa, me daba cuenta de que todo volvía a donde debía estar, y volvía a reconocer la canción. Esto si bien muchas veces lo considero una virtud (digo, esto de estar en cualquier lado y súbitamente caer todos donde deben), a la vez puede marear y generar cierto desconcierto. En el caso de Watershed esto no ocurre: es un disco constante, integrado, homogeneo, con un claro hilo conductor a pesar de los múltiples cambios de ritmos, melodías, etc. Me atrevería a decir que es, hasta ahora, el disco más logrado en este nivel (el de la homogeneidad), aunque es cierto que algunas composiciones anteriores, como de Still Life (1999), o Blackwater Park (2001) son quizás más elaboradas y hasta quizás más atrapantes... hasta que se pierden (hasta que me pierdo).

Teniendo en cuenta todo esto diría que Watershed es un disco equilibrado, perfectametne equilibrado. Con la cantidad justa de metal, la cantidad justa de balada, canciones largas pero no tanto, progresivas pero no tanto, enérgicas pero no tanto. Un disco equilibrado, y emocionante, profundo y sensible. Un disco excelente.

En este caso les ofrecemos la edición especial que consta con tres canciones ausentes en el original.

Descargar (159.6 mb)

30 de enero de 2009

Enchained Souls - Silentium æternus


Disco enviado por Enchained Souls

01. Intro
02. Sicario Sideral
03. Nostalgias, Preludio De Un Suicidio Emocional
04. Congelando El Tiempo En Paredes
05. Oda A Mi Desolación
06. Requien I (Retrato De Un Desdicha)
07. Oda A La Desolación
08. Requien II (Suspiro Intraural)
09. Más Allá Del Muro Del Sueño
10. Paternidad En Inopía
11. Incoherent Minds
12. Eternal Bloody Romances
13. De Misantropía e Hipocrecía
14. Arrebato Demencial
15. Slave Of Your Wishes

Antes que nada, queremos agradecer a la gente de Enchained Souls por haber enviado gentilmente su último trabajo para que lo publicáramos en cd-boxset, confiando en nosotros como un buen espacio para la difusión de su música, así como también les agracedemos su posición en cuanto a esta difusión, que sigue los lineamientos principales de este espacio: la idea es compartir buena música.

Enchained Souls es una banda de Gothic Metal melódica de Bahía Blanca, Argentina, nacida en los primeros meses del 2004, año en el que ya realizan su primera presentación en un bar local, con una excelente aceptación. A partir de esa fecha la banda ha realizado mas de 20 presentaciones en la ciudad y la provincia de Buenos Aires sumando gran cantidad de seguidores y logrando llegar más allá de las fronteras de su país, si bien no con su presencia efectiva, sí con la difusión de lo que fué su primer disco de estudio llamado Tears Of Silence, lanzado de manera independiente durante el año 2006.

Ya durante sus primeros meses de vida la banda participó activamente de concursos a nivel local y regional en los cuales logró destacarse entre más de 250 bandas de la zona, y obteniendo un lugar en el Epecuén Rock 2005. Más tarde, en el año 2007, logran uno de sus sueños, lo que será uno de sus máyores logros hasta el momento: tocar junto a Anathema. En este mismo año editan el demo Symphonic Poems, adelanto de lo que sería su segundo disco de estudio, y que llegaría aun más lejos que el primero, dando a conocer a la banda en diferentes partes del mundo, sobre todo en Europa, Rusia y otros países orientales.

Para septiembre del 2007 la banda encuentra su formación definitiva: Carolina Villamayor (voces), Pablo Costamagna, (guitarra y voces), Marcos Lacalle (bajo) y Bruno Reggiani (batería), formación con la cual grabarán su segundo larga duración: Silentium æternus (2008), obra conceptual que marca una diferencia notable en el género y estilo de la banda, mostrando una mayor madurez en todos los aspectos. Así, en el disco pueden apreciarse notables diferencias con respecto a su su trabajo anterior. De estos cambios se destaca un giro hacia canciones más agresivas, más enérgicas, más cercanas al Back Metal, pero sin perder en ningún momento un enfático tinte melancólico. (Fuente: http://www.enchainedsouls.net/)

En cuanto a nuestra visión personal (la de cd-boxset, digo) podemos agregar que Silentium æternus es un disco que cava hondo. Todo el trabajo goza de una homogeneidad firme y constante, lo que lo hace un trabajo integrado e integrador, que permite, sin sobresaltos aunque con energía, escuchar el disco completo de un tirón, leerlo como si fuera un libro apasionante, acompañar a sus protagonistas a lo largo a lo largo de esta suerte de tragedia griega de manera vivencial, sufriendo sus infortunios casi en carne propia, a la vez que vemos como aprenden a, mediante el absurdo del infortunio mismo, salir adelante, o, al menos, no morir en el intento.

Es este un disco sensible, compuesto y ejecutado por gente sensible.
Un disco en el que- sobre todo- priman las emociones fuertes, las sensaciones profundas. Que invita a identificarse con su vivencia, o, al menos, intentar comprender la fé y a la vez el dolor que las mueven y revuelven. Un disco que, si lo permitimos, enfrenta a cada uno con sus más profundos dolores, así como también con sus más profundas y ocultas capacidades para superarlos de manera airosa, pero sin olvidar nunca quiénes somos, de dónde venimos... y, más que nada, hacia dónde vamos.

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29 de enero de 2009

Neil Zaza - When Gravity Fails


01. Something Anything
02. Purple Plush
03. Cinematie
04. In My Dreams
05. Bleed
06. Celestine
07. Danza Della Notta
08. Heavyoeity
09. My Only Son
10. The Dearest
11. Ultra
12. The Awakening
13. Before The Throne

Personalmente, Neil Zaza es una de las sorpresas más agradables que he tenido en los últimos tiempos (con esto me refiero a que lo descubrí hace muy poco, por pura casualidad. Sin embargo, la carrera de este muchacho data de varios años atrás, casi 20 años atrás)

Oriundo de Northfield, Ohio (USA), Za comienza a tocar la guitarra a la tierna edad de 10 años, para dedicarse luego al estudio de la guitarra clásica. Ya crecidito comienza a impartir clases de guitarra, y para 1987 forma su primera banda, Zaza, agrupación que, a pesar de un gran y repentino éxito, se diluye al poco tiempo. Momento en el que Neil comienza su fructífera carrera solista.

En 1992 lanza su primer álbum solista, Two Hands, One Heart, con el cual se vuelve instantáneamente, según pude enterarme, en la nueva sensación guitarrera, un nuevo guitar hero hacia el cual todos los entendidos orientarán su mirada. Ya en este trabajo comienza a delinearse lo que será un estilo único, una técnica implecable y un corazón de oro.
Para 1993 Zaza edita su segundo trabajo Thrills and Chills, que sigue el mismo camino del éxito. Su habilidad musical llevan a que ese mismo año sea invitado como solista en una presentación junto a la Hartford Symphony Orchestra, para la ejecución de piezas como 1492 y West Side Story.
A pesarde todos estos datos, es recién en 1997 cuando Zaza alcanza el estrellato, el renombre de los grandes de la guitarra, con I'm Alright, single incluido en su tercer disco solista, Sing. Canción que además de generar sensaciones sumamente positivas, de tener una melodía inexorablemente inolvidable, y a pesar de, gracias a estas dos cuestiones, ser aparenentemente una pieza simple y fácil de ejecutar, requiere de una técnica y un feeling extremadamente bien desarrollados, a la vez que (y esto resulte quizás obvio) de una capacidad compositiva, de introspección, de expresión realmente importante. Una de esos temas que hablan básicamente del autoconocimiento, del autoexamen, de la autocrítica, y, finalmente y derivado de todo ello, de la satisfacción. A partir de este momento la carrera de Zaza no puede ir más que en subida, una fácil aunque merercida subida.
Su cuarto disco, Staring At The Sun es la prueba más inmediata de este hecho, que lo llevó, por otra parte, a participar de varias compilaciones y homenajes, como es el caso de Warmth In The Wilderness. Vol II, en el que se rinde tributo al más grande: Jason Becker.
Pero, siguiendo con los trabajos solistas, en el año 2002 son editados los dos volúmenes de One Silent Night..., disco dedicado a la ejecución de canciones navideñas (o que al menos emulan el estilo), y que dará más de una satisfacción al gran artista, siendo uno de los discos más queridos por él mismo, y que ejecuta más de una vez en vivo.

Llegamos entonces al año 2006. Zaza es ya un grande de la guitarra, un virtuoso, una referencia obligada. Por ende goza no solo de renombre, sino de la amistad de otros grandes músicos, esos que cada uno de nosotros quisiera conocer y poder sentarse a tomar una cerveza con ellos. En este contexto amistoso/profesional/artístico, lanza When Gravity Fails, disco que, además de ser una obra maestra del rock instrumental, cuenta con la participación de artistas realmente grandes, nombres realmente importantes: Peter Frampton, Jordan Rudess, Steve Smith, Ros Valory, entre otros, acompañarán a Zaza en este nuevo viaje al más allá.

When Gravity Fails
se pasa. Zaza se pasa (y sin esfuerzo, me salió un verso (?).
Todo lo arriba referido acerca del artista está puesto en este disco de manera enfática, destacando cada una de sus virtudes, tanto en lo compositivo como en lo referente a la ejecución, tanto en lo relativo a la técnica como en lo tocante al corazón, al feeling. Este es un disco que hace, tema a tema, referencia directa, sin vueltas al nombre mismo de cada pieza, lo cual no siempre es fácil de lograr ni de encontrar en el rock instrumental. Con esto quiero decir que canciones como Bleed, hacen entender la sensación de un corazón que sangra, In My Dreams es un sueño, Something Anything es algo de lo que sea, pero algo que puja por hacerse reconocer, aunque aun no sepa muy bien cómo. Así es como se va destacando una habilidad envidiable del artista para la expresión, para la manifestación mediante simples sonidos de cada una de sus mas profundas sensaciones, sean estas las mas felices o las mas desafortunadas, sean estas las mas claras como las mas confusas. Sea la que sea... pero siempre siendo alguna.

Y este es el momento en que se hace necesario dejar de hablar, y permitir que la música haga el resto.

25 de enero de 2009

Rick Wakeman - The Six Wives Of Henry VIII


01. Catherine Of Aragon
02. Anne Of Cleves
03. Catherine Howard
04. Jane Seymour
05. Anne Boleyn (The Day Thou Gavest Lord Has Ended)
06. Catherine Parr

Rick Wakeman es quizás uno de los tecladistas más reconocidos, representativos e influyentes que haya exisitido en el mundo del rock, sobre todo del rock progresivo y sinfónico.

De formación clásica, y nacido el 18 de mayo de 1949 en Perivalle, Midlesex, Inglaterra, ha sido desde sus comienzos una referencia obligada, fama seguramente ganada a partir de sus primeras colaboraciones en el grupo Yes, banda a la cual es imposible hacer referencia sin tener presente a este gran músico. Pero no todo comenzó en Yes... ni siguió sólo allí.

En 1970 Wakeman se une a la agrupación The Strawbs, con la que edita dos discos (Just A Collection Of Anquites And Curious, de 1970 y From The Witchwood, de 1971). Y es en 1972 cuando, luego de dejar esta agrupación se une a Yes, con quien editará, inicialmente, los dos trabajos que, quizás, le han otorgado la fama de la que hoy en día goza: Fragile y Close To The Edge, ambos de 1972, lo cual da al artista el impulso inicial para emprender, a partir de 1973, una fructífera carrera solista, gracias a la cual decide desvincularse de Yes (al menos por un tiempo), con vistas al desarrollo en solitario.

En 1973 Rick firma contrato con A&M Records, sello con el cual lanza a la venta, ese mismo año, su primer y sensacional trabajo solista: Six Wives Of Henry VIII.
Este es un disco conceptual que intenta, de alguna manera, mediante seis complejas composiciones instrumentales de caracter netamente progresivo, realizar una suerte de perfil psicológico (?) de cada una de las seis esposas del polémico rey inglés Enrique VIII, segundo monarca de la casa Tudor, famoso, entre otras cosas (probablemente más importantes), por haber tenido ni más ni menos que seis esposas (bueno, creo que lo de las esposas ya quedó claro).
En cuanto a la música en sí, se podría decir que dan una idea bastante cabal de cada personaje del que hablan. Es cierto que ninguno de nosotros podría comprobar los tintes de personalidad de cada una de ellas, pero, si se puede decir que Wakeman ha logrado resumir y desarrollar de manera impecable al menos lo que la historia nos cuenta sobre cada personaje y su relación con el monarca.

En resumidas cuentas, se puede afirmar que, luego de los excepcionales trabajos con Yes, Wakeman no erró al dedicarse de lleno a una profusa carrera solista y de colaboraciones, ya que, apenas comenzada, con el lanzamiento de The Six Wives... ya comienza a demostrar una capacidad inigualable para la composición y sobre todo, para la asimiliacón y posterior manifestación de temáticas completamente ajenas a él mismo, digo, a él mismo como sujeto: Por ejemplo, hablar de las seis esposas de Enrique VIII, o, posteriormente, desarrollar el Viaje al centro de la tierra, de Julio Verne (obra más exitosa aun), como otras tantas.
En sentido estricto, The Six Wives Of Henry VIII es un disco descomunal, ya que no solo permite leer las ya nombradas características de sus protagonistas, sino que encuentra la manera de expresarlas en melodías que a la vez transportan a otra época, a la época en que ellas vivieron. En este sentido se podría decir que Wakeman se transforma en un juglar del medioevo, cantando por la ciudad las peripecias de estas seis mujeres, generando una comprensión inmediata e innigualable no solo de las personalidades, sino de las sensaciones, de las emociones que el artista sospechó (donde se podría establecer quizás una rélación con él mismo como sujeto) en estas renombradas mujeres, que, de alguna manera, hicieron a la historia misma de su tierra natal, Inglaterra.

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