Jason Becker - Collection

01. Rain

02. River Of Longing

03. Images

04. Opus Pocus

05. Air

06. Higher

07. It's Showtime

08. Altitudes

09. End Of The Beginning

10. River Of Longing (Reprise)

11. Meet Me In The Morning

12. Electric Prayer For Peace

13. Mandy's Throbbing Little Heart

Jason Becker, más que una leyenda, más que un guitarrista. Un ejemplo para toda la comunidad artística, para toda la humanidad. Sólo hablar de él me hace emocionar.

Este espectacular guitarrista y artista nace el 22 de julio de 1969 en Estados Unidos. Comienza a tocar la guitarra desde jóven, gracias a la influencia de su padre y su tio, ambos guitarristas, quienes lo introducen en el mundo de los clásicos clásicos: Bob Dylan, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Van Halen e Yngwie Malmsteen. A su vez, y sobre todo gracias a la escucha de la obra de Malmsteen (que en esa època era resptable) y clásicos como Stravinski comienza a interesarse por el desarrollo de la música clásica en la guitarra eléctrica. Así, a partir de los fallos que notaba en el gran guitarrista sueco, comienza a desarrollar sus propios fraseos y modos de ejecutar distintas piezas clásicas, de oido.

A los 16 años conoce a otro virtuoso indiscutible: Marty Friedman (ex Megadeth), con quien consolidará una profunda y duradera amistad, y con quien para 1987 estará formando su primera banda, Cacochopny, con la cual editarán dos espléndidos discos (Speed Metal Symphony en 1987 y Go Off!!, en 1988), a partir de los cuales se podría decir que nace un nuevo estilo, fundado sobre la base de la fusión de los de cada guitarritas: Friedman, exótico, armónico, orientalista occidentalizado y Becker aportando sus influencias de la música clásica, sumadas a su gran habilidad técnica y a su gran corazón.

También en 1988 Becker lanza su primer disco solista, que será un disco legendario: Perpetual Burn. Disco en el cual el artista vuelca toda la carne al asador, poniendo en juego tanto sus influencias clásicas y barrocas, así como también la adquirida gracias a su padre y tio, más afianzada en el blues y el rock and roll, y finalmente, toda la experiencia adquirida tocando con su gran amigo Friedman. Así, tenemos un disco en el cual se puede escuchar Heavy Metal, Trash Metal, Metal Neo-Clásico, Blues, Música barroca, e infinidad de estilos entremezclados dando un resultado inigualable.
Este disco marca un quiebre, no solo en su carrera, sino en el devenir de la música en general (de lo que se puede considerar música, en el sentido más lato y concreto).
En el mismo año, gracias a una serie de demos en los cuales interpretaba canciones de Van Halen, Becker ingresa a la banda de solista de David Lee Roth, (Van Halen), como guitarrista principal, bajo la gran presión de tener que reemplazar a Steve Vai. El sueño del pibe se iba haciendo realidad. La carrera de este chico de tan solo 19 años no podía ir más que en subida. Pero no todo sería color de rosas.

En 1989 Becker es diagnosticado de Esclerosis Lateral Amiotrófica, extraña enfermedad en la que los músculos del cuerpo se van atrofiando de a poco, hastar perder completamente la movilidad del cuerpo, una enfermedad mortal.

Su enfermedad comienza y avanza rápidamente, quitándole la capacidad de tocar la guitarra, por lo que comienza a componer en un teclado. Más tarde, no podiendo ya mover más que los ojos, su padre desarrolla un sistema por medio del cual, con simples movimientos oculares Becker logra comunicarse con sus allegados, y, mediante un sistema informático, continuar componiendo, gracias a lo cual, el ARTISTA sigue componiendo, volcando toda la masa de ideas y geniales creaciones en las manos de grandes amigos que lo ayudarán a convertirlas en realidad. Este es el caso de Michael Lee Firkins, quien, acompañado por una orquesta, se encargará de ejecutar las composiciones que Becker realizara para el disco Perspective, editado en 1999, y que contará con tan sólo una canción performada por el autor en cuestión.

En 1999 y 2003 dos nuevos discos son editados: Raspberry Jams y Blackberry Jams, compuestos principalmente de viejos demos y grabaciones caseras del gran guitarrista.

Y hoy, año 2008, luego de 18 largos años postrado en una silla de ruedas (cuando los médicos pronosticaron no más de 3 años de vida), Becker nos trae otro gran disco: Jason Becker's Collection. Disco conformado en su mayoría por canciones emblemáticas del gran artista, así como también de algunas nuevas y espectaculares composiciones.

Una vez más un disco plagado de sentimientos, de espiritualidad, de Dios (en el sentido que cada uno lo entienda y quiera darle). Un disco que, a pesar de contener canciones viejas, ya conocidas, logra, en su totalidad, generar una sensación de novedad y profundidad raramente lograda por una compilación. Por otro lado, no se trata de una simple compilación, sino un disco completamente nuevo, que cuenta con la participación de músicos de primer nivel (Steve Vai, Joe Satriani, Michael Lee Firkins, Marty Friedman, Steve Hunter, Greg Howe), quienes logran ejecutar cada una de las piezas ideas por el gran Becker respetando al 110% el significado, el alma de cada pieza.

En fin, un disco que cuenta la historia de este gran artista, de este ejemplo para la humanidad, de este ejemplo para todos aquellos que creen que ya no pueden seguir adelante, que la vida los pasa por arriba y se dejan morir en la impotencia de la inercia cotidiana. Un artista que nos invita a reflexionar, y sobre todo, a dejar de lloriquear, y luchar en pos de nuestras metas, de nuestros sueños, de nuestras utopías.

ESPECIAL DE NAVIDAD!

Me limitaré a decir que se trata de dos trabajos dedicados a la navidad.

En cuanto al primer trabajo presentado (The Christmas Album), se trata del gran Keith Emerson, tecladista, líder y alma matter del trío de británico de rock progresivo, Emerson, Lake & Palmer. Un trabajo dedicado íntegramente a estas fechas festivas, en el cual interpreta algunos de los más tradicionales villancicos navideños- a su manera, claro- a la vez que se adentra en la ejecución y composición de piezas propias, muy bien logradas (ni hace falta decirlo) y adaptadas a la situación. Una perlita.

El segundo trabajo, es algo más irrisorio, pero no deja de sorprender: Se trata de una compilación de temas clásicos navideños (y otros no tanto), performados por algunos de los más representativos personajes del Heavy Metal (y otros estilos). Así, tenemos un interesante trabajo en el cual participan figuras de la talla de Lemmy Kilmister, Jeff Scott Soto, Dany Shaw, Steve Morse, Joe Lynn Turner, Billy Sheehan, Greg Bissonete, George Lynch, Tony Iommi, Geoff Tate, Ronie James Dio, Dave Grohl, Alice Cooper, Steve Lukather, entre muchos otros.

El álbum en cuestión lleva por etiqueta "We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year", y data del corriente 2008. Otra perlita, con algunas versiones muy buenas, y con otras completamente irrisorias e inescuchables, pero que en todo caso, son divertidas.

Keith Emerson - The Christmas Album

01. Troika

02. Variations On "O Little Town of Bethlehem"

03. We Three Kings

04. Snowman's Land

05. Captain Starship Christmas

06. Aria (From Bach's Christmas Oratorio)

07. I Saw Three Ships

08. Glorieta Pt. 1

09. Glorieta Pt. 2

10. Petites Letanies de Jesus

11. It Came Upon A Midnight Clear

12. Silent Night

VA - We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year


01. We Wish You A Merry Christmas
(Jeff Scott Soto, Bruce Kulick, Bob Klucik, Chris Wyse, Ray Luzier)

02. Run, Rudolph, Run
(Lemmy Kilmister, Billy F. Gibbons & Dave Grohl)

03. Santa Clauss Is Coming To Town
(Alice Cooper, John 5, Billy Sheehan, Vinny Appice)

04. God Rest Ye Merry Gentlemen

(Ronnie James Dio, Tony Iommi, Rudy Sarzo, Simon Wright)

05. Silver Bells

(Geoff Tate, Carlos Cavazo, James Lomenzo, Ray Luzier)

06. Little Drummer Boy

(Dug Pinnick, George Lynch, Billy Sheehan, Simon Phillips)

07. Santa Clauss Is Back In Town

(Tim "Ripper" Owens, Steve Morse, Juan Garcia, Marco Mendoza, Vinny Appice)

08. Silent Night

(Chuck Billy, Scott Ian, Jon Donais, Chris Wyse, John Tempesta)

09. Deck The Halls

(Oni Logan, Craig Goldy, Tony Franklin, John Tempesta)

10. Grandma Got Run Over By A Reinder

(Stephen Pearcy, Tracii Guns, Bob Kulick, Billy Sheehan, Greg Bissonette)

11. Rockin' Around The Xmas Tree

(Joe Lynn Turner, Bruce Kulick, Bob Kulick, Rudy Sarzo, Simon Wright)

12. Happy Xmas (War Is Over)

(Tommy Shaw, Steve Lukather, Marco Mendoza, Kenny Aronoff)

Que tengan todos una muy feliz navidad, y un próspero año nuevo!!!

Overdrive - EP

01. Overdrive
02. Ayúdame
03. Elixir

Sobre Overdrive ya he dicho MUCHAS cosas, que pueden leer acá. De todas maneras tengo algunas más para agregar.

Anoche tuve la oportunidad de presenciar un nuevo show de esta fantástica banda de la zona norte de la Provincia de Buenos Aires. Una vez más, me dejaron pasmado. Este GRAN cuarteto formado por Hernán Rupolo (guitarra), Germán Ivaldi (voz y teclados), Facundo Veloso (batería) y Martín Casado (bajo), da cada vez más que hablar, a tal punto que hace no mucho pudieron ser de los flamantes teloneros de Symphony X en su última visita a nuestro país, show gracias al cual pudieron recaudar varios nuevos fanáticos ayer presentes.

Luego de otro estupendo show (aunque Hernán diga que no lo fue, yo digo que sí), quedé entusiasmado y me dieron ganas de publicar este gran trabajo de la banda, su primer trabajo en estudio. Este EP, al que algunos pueden haber ya accedido de manera gratuita en el sitio web de la banda (www.overdrivemetal.com), data del corriente 2008, y fue mezclado y masterizado en VirtualStudio, de Emiliano Obregon, y cuenta con una calidad, tanto musical como técnica realmente rara en materia de EP's, al menos en nuestro país. Además de ser cada una de las tres piezas que lo conforman verdaderas obras maestras del metal progresivo (o del metal, con cortes progresivos), el sonido, la mezcla, el masterizado son una cosa realmente impresionante.

En cuanto a lo específicamente musical, se trata de tres temas realmente buenos, sin desperdicio (dos de ellos Overdrive y Ayúdame cantados, y un tercero, Elixir, de porte instrumental), tres temas de una energía, de una fuerza, de una calidad, tanto en lo ejecutivo como en lo referente a la composición, que más de uno envidiaría. De la misma manera, todo el EP cuenta con instrumentaciones realmente bien armadas, muy bien estructuradas y unificadas, y más que bien acompañadas por la estupenda voz del pelado Ivaldi.

La verdad, una pequeña obra de arte... y digo "pequeña", y de paso paso la info, porque la banda acaba de entrar nuevamente al estudio, pero esta vez para concretar su primer larga duración, en palabras del guitarrista "con mejor sonido"... eso sí que será interesante. Así que prepárense, porque parece que para algún momento del 2009 vamos a poder contar con nuevo material de la banda.

Una vez más recomiendo tanto el EP como las presentaciones en vivo de Overdrive. Y esto independientemente de que sean amigos de la casa: es porque realmente vale la pena.

Descargar (30 mb)

Riverside x 2 - Out Of Myself // Rapid Eye Movement

Discos enviados por David

Out Of Myself (2003)

01. The Same River

02. Out Of Myself

03. I Believe

04. Reality Dream I

05. Loose Heart

06. Reality Dream II

07. In Two Minds

08. The Curtain Falls

09. Ok

Rapid Eye Movement (2007)

01. Beyond The Eyelids
02. Rainbow Box
03. 02. Panic Room
04. Schizophrenic Prayer
05. Parasomnia
06. Through The Other Side
07. Embryonic
08. Cybernetic Pillow
09. Ultimate Trip

Sobre Riverside ya hablamos anteriormente.

En cuanto a los discos, tanto Out Of Myself (2003), como Rapid Eye Movement (2007) forman parte, junto con el ya publicado Second Life Syndrome, de la trilogía Reality Dream, con la que la banda, inicia su carrera en las bateas en el año 2003. Estos discos son, entonces, el principio y el final de la trilogía, respectivamente; Mientras que en el medio, como nudo, tenemos Second Life..., que, como ya comenté anteriormente, reune, sobre todo en el tema que da nombre al disco, los elementos básicos que dan estructura a toda la trilogía, haciendo las veces de resumen, tanto del estilo, como de la idea que todo el trabajo busca transmitir.

Siguiendo este camino, Out Of Myself, del año 2003, es un disco, si bien enérgico y potente, más bien tranquilo, más romantico y meloso, digamos. Ojo, a no confundir con las comedias románticas de Hollybú, eh! No. Con este disco, Riverside no solo demuestra de lo que son capaces de hacer tanto en lo compositivo como en lo ejecutivo en sí, sino que también logran un trabajo que genera hondas expectativas, lo cual es algo muy importante si tenemos en cuenta que luego se prometen dos partes más que formarán parte de una misma matriz. Esto se resume en que ya desde su primer disco, la banda sabe ser homogenea, crear un todo integrado y sin vacios de sentido, pero que a la vez deja preguntándose por el sentido de todo lo que ocurre. Y da ganas de pedir más. En síntesis, un comienzo perfecto para engancharse con la serie semana a semana.

El disco del año 2007, Rapid Eye Movement, da un giro esencial en cuanto a los estilos de los dos anteriores, y ya desde un principio, da la posibilidad de sospechar un final. En este sentido podría decir que todos los elementos del disco son una suerte de avalancha de hechos, melodías, músicas, catástrofes, y toda situación movilizante que se les pueda ocurrir, que decanta, finalmente, en el final perfecto (valga la redundancia). Tal como el nombre del disco lo describe, con su rápido movimiento ocular (estadío REM del sueño, estadío en el que los sueños en sí tienen lugar), el alboroto, el conflicto se hacen presentes, las imágenes se amontonan, las ideas se traspapelan, todo es un lío, y sin embargo: todo suena al mismo trabajo, tanto en si mismo, como en comparación con el resto de las partes de la trilogía. Así, es realmente sorprendente que tres discos tan distintos entre sí, puedan, sin embargo, mantener una continuidad tan precisa y determinante, a la vez que transportan cada uno hacia un universo, hacia un momento distinto.

En fin, el final de la historia, y quedando a la espera de nuevos trabajos de la banda, esperamos que los disfruten.

CAP, Taproban & Tempano / The 7 Samurai - The Ultimate Epic

01. Alla Corte Degli Eroi: 1550, Periodo Sengoku (I. Shimada Kambei/II. Kikuchiyo: Il Volo/III. Crepusculo - Parte Uno/IV. Il Vecchio Mulino/V. Katayama Gorobei: Le Sete Spade/VI. Fa Che Io Sia: Il Dono) - CAP
02. The Farmers: (I. Farewell To The Season/II. The Lone Samurai/III. Despair, Shout !/IV. The Blind Crow) - Tempano
03. The Bandits (I. First Ride/II. Eagle’s Peak Pyre/III. The Flaming Lady/IV. Last Ride)- Taproban

Tempano, gran banda venezolana, ya tuvo su post exclusivo, así que no agrego nada.
En cuanto a Taproban y CAP, destacadas bandas italianas, vamos a ver qué podemos decir.

Taproban nace en Roma, corriendo el año 1996, cuando el tecladista y compositor Gianluca De Rossi y el baterista Fabio Mociatti deciden que quieren y tienen el derecho divino (?) de hacer música, y para complicarla más, música progresiva. Es entonces que, siguiendo esta idea rectora, reclutan al bajista Stefano Proieti y al vocalista Paolo Cedrone, con quienes completarán la primera formación estable, con la cual grabarán, entre mayo y diciembre de ese mismo año, su primer demo.
El nombre de la banda (inicialmente Taprobana) se refería a la denominación antigua con que se conocía Sri-Lanka (o Ceylon Island), en la cual Tomasso Campanella- 1568/1639; filósofo, poeta, teólogo y astrólogo itialiano-, ubicaría su Ciudad del Sol, obra clásica de la literatura italiana.
Para 1997 sufren su primer quiebre, cuando se produce una renovación de la formación original, siendo reclutados Valter Strappolini (batería) y Roberto Pizzi (bajo). Y es con esta nueva formación que para 1998 la banda graba su segundo demo, al cual seguirá, a pesar del entusiasmo y el naciente éxito, la disolución del grupo.

Luego de dos largos años de inactividad, los que el tecladista De Rossi dedicará al trabajo personal y la composición de nuevo material y arreglo del antiguamente grabado, en julio del 2000 Taproban se reforma, esta vez con Davide Guidoni en batería y percusión y Guglielmo Mariotti en bajo, guitarra de 12 cuerdas y voces. Ambos musicos que dejarían la agrupación en abril del corriente 2008, pero dejando esta vez 3 discos en el haber de la banda: Ogni Pensiero Vola (2001), Outside Nowhere (2004) y Poseidonian Fields (2006). Por cierto, 3 discos uno mejor que el otro, de los cuales ya publicaremos alguno.
En cuanto al sonido y estilo de la banda, gracias a la ausencia de guitarras eléctricas, y la prominente presencia de los teclados y largas y complejas secciones instrumentales, hacen recordar a la mítica formación británica Emerson, Lake & Palmer, o a los incluso más cercanos- geográficamente hablando- Le Orme, clásica banda del prog italiano de la década del 70, década no menos rica en manifestaciones sincopadas que la británica.
Síntesis: Flor de banda!

CAP (Consorzio Acqua Potabile), es una banda con una historia algo extraña: Formada en la década de los 70's, en el furor del estilo que aquí promulgamos, la banda no grabó absolutamente ningún trabajo, y, de hecho, a finales de dicha década, se separaron. Recién en la década de los 90's, luego de ser descubierta por un pequeño sello discográfico llamado Kaliphonia, los integrantes originales se vuelven a reunir para la edición en cd de un viejo concierto en vivo, que databa de 1977, y era guardado en los anaqueles del recuerdo de los integrantes de la banda. A partir de este momento, la banda se re-forma y comienza a componer nueva música, editando varios discos (no tengo el dato de cuantos exactamente) y generando un interesante furor en todos los amantes del género, sobre todo en aquellos melancólicos 70'teros.

La banda nace en 1971, en Boffalora Tinico, Italia, y luego de algunos conciertos pequeños y aislados, lanzan una prog-opera, llamada Gerbrand, que es representada por esos años en algunos teatros, pero nunca grabada para su edición y lanzamiento al mercado.

El estilo y dirección musical de la banda se acerca mucho a lo que podríamos escuchar en bandas como Premiata Forneria Marconi o a Banco Del Mutuo Soccorso, es decir: puro y neto rock progresivo de los 70's, con toda su carga experimental, su sonido crudo pero prolijo y toda la energía que este movimiento derramaba en su entusiasmo como nuevo ser con entidad propia.

El trabajo acá presentado, nace por iniciativa del sello francés de rock progresivo Musea Records, quienes, aburridos y con tiempo libre, deciden que sería bueno comenzar a juntar bandas del género, clásicas, nuevas y/o desconocidas, darles una consigna (en general relacionada con alguna obra clásica dela literatura, cine, pintura, etc) y que el cumplimiento de dicha consigna sea editado en forma de disco. Así, el sello tiene en su haber varios trabajos interesantes, como es el caso del disco aquí presentado, o el de otro trabajo, en el que colaboran también otras bandas, dedicado exclusivamente a la recreación en clave musical de la Odisea de Homero.

En el caso de The Ultimate Epic, del año 2006, la consigna se apega al clásico cinematográfico de Akira Kurosawa: The 7 Samurai, que transcurre en el siglo XVI, y en la que un grupo de aldeanos japoneses cansados de los continuos abusos de un grupo de bandidos decicen contratar a un Samurai para que los proteja. Luego de varias infructuosas búsquedas, llegan a Kanbei, quien reune a un grupo de 7 Samurais que defenderán heróicamente la aldea de los malvados bandidos. Con esta base entonces, Musea encarga a las tres bandas que cuenten la historia como más les plazca... peeeeeeero, con una condición esencial: deben utilizar únicamente instrumentos de la década de los 70's, aquellos que hacían las delicias de los inicios del progresivo y sinfónico.
Así, las tres bandas hacen lo propio, concluyendo con un perfecto disco de 3 temas (uno por banda) que conformarán, desde la perspectiva de cada grupo, la parte que le toca.

En resumidas cuentas, tenemos ante nosotros una obra de arte esencial, perfecta, aunque previsible en su calidad, imprevisible en todo momento en su contenido: Digo, era esperable, gracias a la calidad de las bandas, una gran calidad de disco... Pero así y todo, las tres formaciones saben mantenernos en la punta de la silla, siguiendo la historia con expectativa entusiasta y ansiosa, tal como si nos encontráramos frente a la pantalla disfrutando de la cinta del gran Kurosawa. Y todo esto, con sonido a los 70's ¿Puede haber algo mejor?

En síntesis: una historia del siglo XVI, contada en el Siglo XXI, haciendo como que estamos en el Siglo XX....

Y QUÉ BUENA MEZCLA.

Björn Johansson - Discus Ursi

01. Discus Ursi's Prelude
02. King Of Gold
03. Time Fracture
04. Pegasus
05. The Last Minstrel Of Marble
06. Discus Ursi's Rhapsody

Mah si!, Me rindo, yo lo publico así hace una semana que vengo buscando información sobre Björn Johansson, y si bien vengo encontrando diversos artículos sobre sus discos y constantes elogios a su polifuncionalidad instrumental, no he logrado encontrar ni un solo dato biográfico que me permita introducir al artista como de costumbre. Lástima, realmente me gusta que sepan a quién están escuchando.
Pero en fin, los datos que logré destacar luego de tanta (infructuosa) investigación, son básicamente cuatro:

1. Es Sueco

2. Lo que dije arriba, que es un multiinstrumentista fabuloso, cosa que no hace falta destacar demasiado ya que quien adquiera este disco que acá les traemos, lo podrá comprobar.
3. Que mantiene una continua y fructífera alianza con su colega y también gran músico (sobre todo en lo referido a las todo instrumento que cuente con alguna tecla), Par Lindh, con quien ha realizado varios proyectos de rock progresivo sinfónico, y quien, para variar, lo acompaña en Discus Ursi.

4. Finalmente, y como derivado del punto anterior, tanto Johansson como Lindh son grandes fanáticos de la obra de JRR Tolkien, y han compuesto y grabado algunos interesantes trabajos relacionados con la misma. Tal es el caso de dos excepcionales discos: Bilbo, del año 1996, y Dreamsongs From The Middle Earth, del 2004, ambas obras recomendadísimas (sobre todo si se es fanático de la música de tinte épico, que hace imaginar caballeros, dragones y todo eso).

Pensé que sería poco, pero al final estos pocos puntos dicen muchísimo sobre el artista que aquí intento presentarles. Y también el disco que acá les traigo, Discus Ursi, dice mucho sobre él.
Este disco, del año 1999, es una obra magistral, sobre todo su simpleza (dando por descontado lo musical, que desborda virtud): Es un disco más que escuchable, más que accesible a cualquier público, que no se pierde en la pretensión de complejidad extrema, sino que más bien intenta expresarse de manera clara y concreta, pero haciéndose a la mano de elementos básicos e imprescindibles de toda obra que se pretenda sinfónica/progresiva. Así logra mantener cierta complejidad, cierto virtuosisimo, cierta matemática, a la vez que logra sostener la atención y despertar la curiosidad e imaginación del oyente, tanto del atento por voluntad, como del que presta atención porque la inercia del disco a eso lo conduce.

Por otro lado, la presencia de dos monstruos como Johansson y Lindh, hace que este disco sea, musicalmente hablando, una obra completa y homogenea, que sin dejar nada por explicar, despierta del deseo, la inspiración, la imaginación: la capacidad creativa. Es una creación que da ganas de crear, digamos.

Guy Manning - Songs From The Bilston House

01. Songs From The Bilston House
02. The Calm Absurd
03. Lost In Play
04. Understudy
05. Skimming Stones
06. Antares
07. Icarus & Me
08. Pillars Of Salt
09. Inner Moment

Para quienes no conocen a Guy Manning, les voy adelantando que se están perdiendo de uno de los mejores exponentes del rock contemporaneo. Es uno de esos artistas (como los hay muchos), de los que gracias a sus incontables colaboraciones con otros artistas se olvida- y hasta se pasa por inexistente- su abundante y fructífera carrera solista, ; esto en favor de un constante renombre y referencia a sus variados proyectos paralelos (que de todas maneras son excelentes y sólo suman)

Pero para empezar por el principio, es bueno contextualizar: Guy Manning nació en Leeds, Yorkshire, Reino Unido, en enero de 1957. Por un lado, Inglaterra, cuna de lo que sería unos pocos años después un explosivo e imparable experimento musical, que derivaría gran cantidad de los géneros que hoy en día conocemos del rock. Por otro lado, justamente cursando los tiernos años de su infancia, el artista se encontraría con esta revolución musical . Es de imaginar que este contexto dejó vastas impresiones en el jóven británico, impresiones que fueron reforzadas por una gran colección de LP's que el hermano de un amigo cercano poseía, a la que Guy accedío a los 12 o 13 años: allí escuchó por primera vez Emerson, Lake & Palmer, Jefferson Airplane, y Grateful Dead, según recuerda el artista.
En 1972, Guy asiste al su primer concierto de rock: Wishbone Ash, luego del cual Guy- que había heredado el banjo de su abuelo- y su amigo Ian, con quien había ido al concierto, y que tocaba algo de guitarra, deciden comenzar a realizar covers de la banda que acaban de ver. Un camino de ida.
Más tarde, conoce al Simon Baskind- quien lo meterá de lleno en el terreno del rock- quien le presenta Led Zeppelin, Frank Zappa, Beefheart, y, sobre todo, Jethro Tull. Queda tan impresionado que se hace de Genesis Live, (Genesis) y Aqualung (Jethro Tull): ya nunca volvió a mirar atrás. En esta época se ofrece como vocalista de la banda Acromasia, formada por su amigo Simon y otros seis melómanos, con quienes realizará covers de Wishbone Ash, Free, Groundhogs y Pink Fairies, entre otros. Un tiempo depués, Acromasia se desbanda y Guy no pierde tiempo en emprender la búsqueda de los que serán los integrantes de una nueva agrupación, Foxtrot (en homenaje al legendario álbum de Genesis), donde Manning compondría su primer material, netamente progresivo.

Estas son, entonces, esencialmente, las bases que llevarán a Manning a instalarse de lleno en el mundo del rock progresivo, y a formar parte de algunas de las bandas más interesantes y representativas que han existido, como es el caso de Throuhg The Looking Glass, The Tangent, Parallel Or 90 Degrees, La Voce Del Vento.

Ahora bien, independientemente de todas las agrupaciones de las que Manning formó parte, este muchacho, como no podía ser de otra manera, cuenta con una abundante y bien desarrollada carrera solista, que comenzó allá a finales de los 90's, con su primer experimento, Tall Stories For Small Children, y continúa hasta el momento con un sobresalto tras otro. Nueve sobresaltos (nueve discos, y uno por venir en breve) hasta el momento, para ser exacto, uno mejor que otro, con lo cual se hace realmente complicado elegir uno en particular, tanto para halagar, como para ofrecer en este blog como introducción a este gran guitarrista, vocalista, tecladista, compositor; este gran artista.

Pero había que elegir uno, y elegimos entonces aquel disco que de alguna manera sintetizara su carrera , a la vez que agregara un nuevo componente, algo novedoso e innovador.
Es el caso de Songs From The Bilston House, su último disco hasta el momento, editado en el año 2007, y que, como si fuera poco, fue premiado como el mejor disco de rock progresivo de dicho año. Este disco es realmente una joya. Un disco en que, si bien muy influenciado por las bandas mencionadas más arriba como sus grandes influencias (Genesis, Jethro Tull), agrega un toque personal como el que solo Manning podía poner. Entonces, es un disco poderoso y enérgico, homogeneo y variado, plagado de melodías pegadizas y a la vez complejas e inquietantes, y con un fuerte basamento foclórico (como es el caso de la música celta) y progresivo. En este sentido, el disco no solo sintetiza su carrera en tanto muestra su progreso musical, sino que se hunde en las raices del artista, en sus más hondas emociones, y en sus más disparatadas ideas.

En resumen, teniendo en cuenta todo lo antedicho, Manning viene a ofrecernos un disco sopresivo y memorioso, que nos invita a navegar por diversos paisajes y épocas, así como por variados climas emocionales y complejas melodías; todas características que hacen que este disco tenga más que merecido su premio.

Richard Wright (1943-2008) - Wet Dream // Broken China

Wet Dream (1978)
01. Mediterranean C
02. Against The Odds
03. Cat Cruise
04. Summer Elegy
05. Waves
06. Holiday
07. Mad Yannis Dance
08. Drop In From The Top
09. Pink's Song
10. Funky Deux

Broken China (1996)
01. Breaking Water
02. Night Of A Thousand Furry Toys
03. Hidden Fear
04. Runaway
05. Unfair Ground
06. Satellite
07. Woman Of Custom
08. Interlude
09. Black Cloud
10. Far From The Harbour Wall
11. Drowing
12. Reaching For The Rail
13. Blue Room In Venice
14. Sweet July
15. Along The Shoreline
16. Breakthrough

Como es de conocimiento público, el pasado lunes 15 de septiembre del corriente 2008, se dio a conocer la dolorosa noticia del fallecimiento de Richard Wright, uno de los más influyentes músicos de la historia del rock sinfónico y progresivo, tecladista y co-fundador de la legendaria Pink Floyd, y artífice de algunos de los grandes éxitos de dicho gigante del género.

Rick Wright, como era mejor conocido, si bien no se destacó por su virtuosismo en las teclas (con esto me refiero a velocidad, gran complejidad armónica, y el resto de características que suelen definir a la mayoría de tecladistas destacados del género), supo ser virtuoso justamente (y como todos los integrantes de Floyd), desde una capacidad especial y esencial para la simpleza y armonía, esa capacidad para lograr de lo más simple, lo más bello, lo que más profundo toca.

En este caso, y sin querer extenderme demasiado, a manera de homenaje, les traemos dos discos solistas de este genio, sus dos únicos discos como completamente solista: Wet Dream (1978) y Broken China (1996).

En cuanto al primero, de 1978, se trata de un disco con un sonido en su mayoría acústico, y, como es de esperar, liderado en general por las teclas, mayormente por el piano, aunque con alguna que otra inclusión de sintetizadores y sus tan característicos hammonds. Sinfónico clásico.

En general son melodías tranquilas y voladoras, que, de alguna manera, sienta las bases para lo que será Pink Floyd una vez que Roger Waters dejara la agrupación (Lo cual no es raro, ya que según se cuenta, Wright abandonó la PF durante la grabación de The Wall, justamente por las interminables peleas con el bajista y líder de la banda, para acompañarlos durante la gira como músico a sueldo). Una suerte de venganza por mano(s) propia.
A su vez, se puede reconcer la influencia que RW logrará sobre el guitarrista de la banda, David Gilmour.

En segundo lugar, el trabajo de 1996, Broken China, Wright se interna en terrenos mucho más experimentales, haciendo un mayor uso de sintetizadores y samplers, logrando un trabajo más ambiental, más espacial quizás, pero sin perder nunca de vista sus raices sinfónicas, psicodélicas y jazzeras, y dando a la vez un mayor énfasis a su lado progresivo.

Lamentablemente tuvo que ocurrir lo que ocurrió para que mi voluntad de homenaje empujara a esta humilde pero cariñosa empresa.

Gordian Knot - Gordian Knot

01. Galois
02. Code/Anticode
03. Reflections
04. Megrez
05. Singularity

06. Redemption's Way
07. Komm süsser Tod, komm sel'ge (arreglo de J.S. Bach)
08. Rivers Dancing

09. Srikara Tal

10. Hidden Track: Grace

Bonus Track (Exclusivo Edición Japonesa)

11. Unquity Road

Gordian Knot es una de esas bandas que nacen de la siguiente manera: estaban algunos grosos de la música tomando unas cervezas en un bar de mala muerte, deprimidos por su exitosa, pero ya poco aventurera carrera musical, que consideraban rutinaria y aburrida, con el agravante de estar bajo las órdenes de un jefe tirano y autoritario (?). Hasta que uno dice- en este caso, Sean Malone- "¿Y si armanos algo distinto a lo que venimos haciendo, aunque aprovechando todo lo que venimos aprendiendo y escuchando como influencia, y, por lo menos durante dos discos, la rompemos?

A todo esto, los demás comenzales, se miran tímidamente, aunque con la emoción y el impulso de decir que si, sin pensarlo dos veces. Finalmente uno (alguno) rompe el hielo y dice: Y daaaaaaale.
Entonces, se juntan Sean Malone (Cynic), Sean Reinert (Cynic), Trey Gunn (King Crimson), Ron Jarzombeck (Watchtower) y Glenn Snelwar (Ar War With Self), y, gracias a una borrachera emotiva, forman, como si nada, Gordian Knot. Ah, y me olvidaba de que a último momento, uno se acuerda de un viejo amigo que anda medio solitario, y es sistemáticamente dejado de lado en su grupo de referencia, y propone llamarlo para ver si le copa la idea, aduciendo que es un fenomenal músico. Todos asienten, y llaman inmediátamente por teléfono a John Myung (Dream Theater), para que se toque unos temas.*

*Nota: algunos de los hechos aquí relatados no han sido oportuna y completamente cotejados con la realidad e historia oficial de la banda, pero se me ocurre que algo así debió ocurrir.

Bueno, ahora hablando en serio (o intentando); esta es una banda que nace en 1998 de la iniciativa del arriba nombrado bajista de Cynic, Sean Malone, quien, muy conforme con su banda, decide de todas maneras conformar un proyecto paralelo dedicado exclusivamente al rock y metal progresivo. Así, Malone se convierte en el único integrante full-time de la banda, reclutando de tanto en tanto a distintos músicos del género, tanto para la grabación de algún disco (por ahora sacaron dos, en 1999 y en 2003), como para sus presentaciones en vivo.

Siguiendo esta extraña estructura de trabajo Gordian Knot a contado con la presencia de íconos fundamentales del género. Aparte de los arriba nombrados, han pasado por la formación personajes como Paul Masvidal (Cynic), Jason Gobel (Cyinic), Jim Matheos (Fates Warning), Steve Hackett (Genesis), Bill Bruford (King Crimson), entreo otros.
El resultado, como no puede ser de otra manera, es el de una excepcional amalgama de colores, melodías, sonidos y estilos de lo más variados y delirantes, pasando por líneas cercanas al fussion rock y al jazz, transitando variaciones y arreglos de música clásica, mientras recuerdan las viejas y las trabadas melodías del genio Robert Fripp; y siempre poniendo en juego la energía y vigor que el mismo peso del rock y metal progresivo puede poner por el solo hecho estar allí.
Así, hablar de Gordian Knot como una banda de metal o rock progresivo, no es más que un tecnisisimo, necesario unicamente ante la imparable necesidad humana de etiquetar cada actividad para saber qué hacemos, que somos, en fin, dar un sentido, aunque sea trivial, a cada una de nuestras acciones.

Lo cierto es que Gordian Knot hace músicas (en plural), músicas de las mejores que he escuchado en mucho tiempo, músicas arriesgadas, músicas no temerosas, todo tipo de músicas. Músicas excepcionales.

Este disco, el primero lanzado bajo el proyecto en cuestión y bajo el mismo nombre en 1999, , no hace más que demostra todo lo arriba dicho. Y también todo lo no dicho, que seguramente sea mucho más que lo sí dicho al respecto.

En síntesis otra joya (otras joyas), que no hay que perderse.

Steven Wilson - Cover Versions I a IV

Cover Version I

01. Cover Version I

02. Moment I Lost

Cover Version II

01. Cover Version II

02. Please Come Home

Cover Version III

01. Cover Version III

02. Four Trees Down

Cover Version IV

01. Cover Version IV

02. The Unquiet Grave

Steven Wilson es bien conocido en el ambiente del rock progresivo (en realidad en varios ambientes musicales, porque hace de todo) principalmente por ser el líder/cantante/guitarrista/compositor de la excepcional Porcupine Tree, aunque también por su proyecto paralelo Blackfield, en el cual lo acompaña el fenomenal artista israelí Aviv Geffen.

Por otro lado, para sumar curriculum, Wilson se ha desempeñado como productor de varios discos de grandes bandas del género (como es el caso de Damnation, de Opeth disco prácticamente compuesto en equipo por SW y Mikael Åkerfeldt). Aunque en realidad, sus raices más profundas se encuentran en el rock psicodélico y sinfónico de los años 60's y 70's, desde The Beatles, hasta Pink Floyd .

Sea cómo sea la mayoría de sus proyectos recorren un camino que en algún punto, se encuentran con un factor común: un marcado dejo de melancolía y cinismo, expresado por medio de sugerentes, angustiantes y crudas melodías, líricas e instrumentaciones de lo más finas. Definamos esto como su estilo.

En fin, queda claro que este muchachito es una cosa de otro mundo, en cuanto a flexibilidad, capacidad, habilidad musical y poética y todos esos adjetivos positivos de los cuales desearía tener al menos 1/2.

El caso de los Cover Version 's no escapa a estas reglas.

¿De qué se tratan estos curiosos trabajos? Bien, los Cover Version son una serie de singles lanzados por el músico a partir del año 2006 (y hasta la actualidad), que cuentan con la característica de ser trabajos semi acústicos, de guitarra y piano (aunque en algunos casos aparece uno que otro sintetizador), conformados básicamente por una estructura común: 2 tracks; el primero, el cover de algún tema ajeno (en su mayoría conocidos), y el segundo, un tema original de SW, que fue presentado en algún en presentaciones en vivo, pero nunca grabado como repertorio de alguna de sus agrupaciones. Así, nos encontramos con covers realmente inesperados (al menos para el estilo que suele seguir SW) como el caso de Thank U, de Alanis Morissete y algún otro. Y de todas maneras nos encontramos con versiones como nadie más que Wilson podría ejecutarlas: un marcado dejo de melancolía y cinismo, expresado por medio de sugerentes, angustiantes y crudas melodías, líricas e instrumentaciones de lo más finas. Definamos esto como su estilo.

En definitiva, una serie de trabajos bastante interesantes y curiosos, que merecen unas cuantas oidas.

Premiata Forneria Marconi - Per Un Amico

01. Apenna Un Pó'

02. Generale

03. Per Un Amico

04. Il Bancheto

05. Geranio

La Premiata Forneria Marconi es una banda Italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, fueron la única banda italiana de su tipo en obtener un gran éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

En pocas palabras, una banda de la re puta madre.

Per un amico es el segundo álbum de la banda italiana de rock progresivo Premiata Forneria Marconi editado en el año 1972; disco que un año después sería editado en Estados Unidos bajo el apodo de Photos Of Ghosts (vaya uno a saber por qué coño le cambiaron el nombre).

Teniendo en cuenta los antecedentes arriba referidos, me voy a limitar a decir: Pedazo de disco. (por no decir como mi amigo Guido: "Un disco de la re puta madre")

Anathema - Hindsight

01. Fragile Dreams

02. Leave No Trace

03. Inner Silence

04. One Last Goodbye

05. Are You There

06. Angelica

07. A Natural Disaster

08. Temporary Peace

09. Flying

10. Unchained (Tales Of The Unexpected)

Acá, info sobre Anathema.

Finalmente esta increible banda de Liverpool ha lanzado el primero de los dos discos prometidos para el correr de este agitado 2008: Hindisight.

Este nuevo trabajo que acá presentamos es una suerte de recopilación de los temas más clásicos de la banda, pero re arreglados y grabados en versiones semi-acústicas, realmente imperdibles, y sumando una nueva canción (la nº 10, Unchained (Tales Of The Unexpected) al vasto repertorio de la banda.

Hindsight es un disco realmente hermoso y agradable, que cuenta con versiones a las cuales se les ha prestado una gran atención y dedicación, de lo cual decanta que no sea un simple "acústico", sino una recreación (y a veces uno piensa que no puede ser mejor) en la cual se nota una abundante cuota de amor y sentimiento, logrando un producto de primer nivel, que como siempre, nos acerca a nuestras más hondas emociones, los más olvidados recuerdos, las más enterradas experiencias.

Simplemente hermoso, emotivo, sensible y melancólico. Simplemente Anathema.

Chaneton - Questions Inside The Picture

01. Heroe's Graves

02. a) Bridge / b) Tears In The Rain

03. A Long Time Past

04. Dolphin's Song

05. The Last Dream

06. A Long Time Past (Fast)

07. Soul's Shapes

08. The Frontier

09. The Secret Box

10. Heaven's Sound

11. Aquatic Dreams

12. Questions Inside The Picture

Chaneton es otra de las bandas under argentinas que me han venido sorprendiendo en este últimop tiempo, a partir de que pude conocerlos en el festival Conceptuarg 2008. Aunque la banda cuenta en este momento con más de 10 años de carrera.

El grupo nace en diciembre de 1995, cuando el ex Mandrágora, Alex Chaneton, había decidido dejar su agrupación anterior por diferencias de índole musical. El nuevo proyecto se desarrolla primero de manera acústica, para luego ir tomando poco a poco la forma que hoy en día manifiesta. Según cuenta la leyenda (?), es en uno de los últimos shows de Mandrágora que Alex conoce a Patricio Villanueva, cantante en ese momento de Rapto de Europa, oportunidad en la cual le comenta de su idea de conformar una nueva agrupación. Entonces, Ricardo "Lancelot" Medina, quien fuera el promotor responsable de ese decisivo show, propone a los dos músicos una reunión a partir de la cual descubrirán el equilibrio perfecto que les permitiría desarrollar en todo su potencial el nuevo proyecto. Al poco tiempo, Patricio deja Rapto de Europa para dedicarse full time al nuevo y entusiasta proyecto junto a Alex.

Comienzan a tocar covers y temas propios en formato acústico, bajo el nombre de Los Juglares De Camelot, reclutando luego de algunas agradables experiencias a Adrián "Marques" Gómez, alumno de guitarra de Alex, quien ocupará el lugar de guitarrista rítmico, pero manteniendo siempre el formato desenchufado.

Al poco tiempo dos nuevos integrantes son incluidos en la formación: Willy Ingrassia (teclados), Kaito Barragan (batería), y el nombre de la banda cambia a Chaneton; esto debido a que la mayoría de los temas eran patrimonio de Alex, y que su nombre era el más conocido en el ámbito. Al poco tiempo, los dos más nuevos integrantes dejan el grupo, para ser reemplazados por Germán Lami (teclados) ex Rapto de Europa y Quique Gentille (batería), quienes también abandonan el proyecto al poco tiempo. Era necesario encontrar dos integrantes que se adaptaran de manera rápida y flexible a las exigencias y estilo del proyecto: Carlos Kleppe (teclados) y Jano Perez Sarmenti (batería), se acoplan a la banda en 1999. Así llegamos a la formación estable y actual de Chaneton, grupo que, gracias a su capacidad y habilidad, han sido teloneros de grandes bandas y solistas del género progresivo/sinfónico en sus visitas a la Argentina: En el año 2001, luego del lanzamiento de su primer disco, lo presentan en diversos lugares y tocan como invitados de grupos como: Par Lindh Project, Arena, Flowers Kings y Steve Hackett, Caamora, entre otros.

Questions Inside The Picture es el primer álbum de estudio de la banda, y sale a la venta en el año 2000, 5 años después de la formación de la misma, cuando, finalmente, logran una formación estable con la totalidad de los miembros decididos a mirar en una misma dirección, tanto en lo relativo al proyecto musical, como en lo relativo al proyecto de vida de cada uno de ellos. Y debo decir que este acuerdo implícito, este equilibrio y entendimiento mutuo da los mejores frutos, y puede interpretarse y percibirse inmediatamente en esta opera prima.

Questions Inside The Pictures pone el énfasis en los climas y variaciones dentro del estilo, siendo un trabajo que logra llevar al oyente en un interesante viaje que comparte variados altibajos tanto emocionales como musicales, y todo esto en el mejor sentido del concepto altibajo. Quiero decir que la banda tiene una capacidad y flexibilidad musical muy desarrollada y elaborada, que les permite jugar con todo tipo de sonidos e ideas, manipulando y generando climas que saben mantener en todo momento la expectativa, tanto en lo musical como en lo lírico, dando una sensación de placer e inquietud al mismo tiempo; sensación no que culmina, ni siquiera, una vez culminada la reproducción el disco.

En definitiva, Questions Inside The Picture, es un trabajo realmente excelente, serio y homogeneo, que, dentro de su homogeneidad logra una ilimitada heterogeneidad que nos lleva de paseo por los rincones más recónditos de nuestro y su Ser.

Gerard - Pandora's Box

1. Pandora's Box

2. Analysis of Life

3. Chaos

4. Siren in the Mysterious Sea

5. Delirium

6. Freedom

Como lo había anticipado, otra niponada. En este caso hablo de Gerard, banda a la cual me referí más de manera alusiva que directa algunos post atrás.

Gerard nace luego de que el gran tecladista japonés Toshio Egawa decidiera dejar la legendaria (al menos en lo que respecta al ámbito nipón) banda de rock neo progresivo Novela, para ampliar sus horizontes y dar a conocer al mundo de lo que era capaz, poniéndose, quizás sorpresivamente, a la altura de los más grandes tecladistas del género hasta ese moment (Rick Wakeman, Keith Emerson, Eddie Jobson, entre otros). Recluta entonces algunos músicos de la ostia, como es el caso del guitarrista Yukihiro Fujimura, y se lanza al ruedo nomás.

Así, desde el mismísimo primer lanzamiento de la banda en 1984, comienza a quedar claro que Gerard será uno de los grupos más significativos e influyentes de la escena japonesa del rock progresivo y sinfónico.

En cuanto al sonido y estilo, en líneas generales se puede decir que Gerard es una banda clásica, fiel a los más básicos axiomas del rock neo progresivo (lo cual no es raro tratándose de una banda ideada por un tecladista). Contando entonces con este característico sonido tan conocido por los amantes del género, Egawa, para variar, da un toque personal y exclusivo que hace que, a pesar de ser una banda más del género, sea LA banda más, generando un quiebre fundamental con lo que se venía escuchando, primero en el Sol naciente, y luego en el mundo.

Los temas de Gerard cuentan con largas secciones instrumentales (cuando no lo son completamente), plagadas, claro está, de complejas y armónicas líneas melódicas lideradas general y alternativamente por el teclado y/o la guitarra, siendo de alguna manera la voz, (eventualmente) el instrumento que haría las veces de solo. Entonces, a pesar de, en apariencia, encontrarnos con algo que nada nuevo aporta, al ir escuchando los distintos trabajos, arreglos y melodías, vamos descubriendo un paisaje al que, a pesar de haber estado siempre a la vista, nunca habíamos prestado atención. Gerard logra imprimir un toque (enorme) de originalidad sin salir, sin embargo, de los límites más standarizados (y esto, contrariamente a lo que parece, es bueno, BUENISIMO). Una vez más, una banda experta en la reinvención de sí mismos y del geénero.

Pandora's Box es lo que, personalmente, llamo una obra de arte.

Todas y cada una de sus canciones tienen algo para decirnos, aunque, en lo literal, no digan nada. Son melodías extraviantes y enérgicas, y de alguna manera engañosas, que, llevándonos por caminos conocidos, nos empujan, poco a poco y sutilmente, a lugares desconocidos, profundos, propios de nuestro espíritu, de nuestra propia alma, de esa esencia a partir de la cual el arte toma forma.

Entonces, para ir sintetizando, puedo decir que nos topamos acá con una de las mejores bandas de neo progresivo que ha existido. Una banda en la que palpitan los corazones de Yes, Genesis, Emerson Lake & Palmer y todos esos clásicos que la hicieron nacer, pero que a la vez, se hunde en sus raices niponas, poniendo toda su disciplina, todo ese arte para trabajar de manera constante, organizada y voluntariosa, para llegar, como siempre, a los mejores y más meritorios resultados.

Pain Of Salvation - 12.5

Book I: Genesis
1. Brickwork Part I (Leaving Entropia)

2. Brickwork Part II (This Heart Of Mine T5)
3. Brickwork Part III (Song For The Innocent)

4. Brickwork Part IV (Descend 1)
5. Brickwork Part V (Leaving Entropia)

Book II: Genesister
6. Winning A War
7. Reconciliation
8. Dryad Of The Woods
9. Oblivion Ocean
10. Undertow
11. Chainsling

Book III: Genesinister
12. Brickwork Part VI (Ascend 1)
13. Brickwork Part VII (Ascend 2)
14. Brickwork Part VIII (Second Love)
15. Brickwork Part IX (Ashes)
16. Brickwork Part X (Descend 2)

Pain Of Salvation es una RE banda que ya ha sido comentada en un post anterior.

12.5 es el primer disco en vivo de la banda, y cuenta con varias particularidades que pasaré a sintetizar.

Para entrar en contexto, este dico es grabado a partir de mayo del año 2003, para salir a la venta en febrero del 2004. Para este momento, la banda cuenta ya con un patrimonio de cuatro excelentes placas (Entropia (1997); One Hour by the Concrete Lake (1998); The Perfect Element, part I (2000), y Remedy Lane (2002), y tomará lo mejor de cada una para armar este perfectísimo álbum en vivo: 12.5. Hasta acá, nada fuera de lo normal: banda con varios discos y cierto éxito que toma sus grandes éxitos para sacar una nueva placa, pero en vivo. Algo así como el camino obligado.

Pero Pain Of Salvation, sacando 12.5, se destaca en dos puntos fundamentales:

Por un lado, el disco en cuestión es complétamente acústico, lo cual es bastante extraño tratándose de una banda fuertemente enraizada en el heavy metal, del cual se aprovechan bastante para obtener gran parte de su fuerza e identidad. Creo que ni siquiera bandas como Dream Theater, con algunos casos aislados, han encarado semejante proyecto (Digo "con algunos casos aislados" porque, efectivamente, existen una serie de grabaciones acústicas de DT, pero que no son más que sus temas rasgados en guitarra acústica). Sin embargo, Pain Of Salvation logra versiones acústicas que nada tienen que envidiar a los originales. NADA, realmente. Versiones súper completas y súper complejas que hacen que uno olvide de dónde vienen.

Lo que me lleva al segundo punto importante y distintivo. Este disco no se trata de un simple Unplugged o un simple vivo de la banda. Sino que, además, se toman el gran trabajo de reversionar sus propios temas, y con esto me refiero a realmente reversionarlos, no solo hacerlos acústicos; teniedo como resultado temas completos en un tono distinto y hasta opuesto al original (El caso de Ashes es un buen ejemplo: comienza en La menor, como el original, para transcurrir el resto todo en tono mayor); extrañas mezclas y adiciones en las melodías (Por ejemplo, un fragmento de La Marcha Imperial, de Star Wars dando vueltas por allí), etc.

Digo: lo buenísmo que tiene el disco (y la banda) es que no se quedaron en el arreglar sus temas para tocarlos con instrumento acústicos, sino que llevan su propia música a otro nivel, más profudo y personal, lo cual habla muy bien de la banda, que sabe aprovechar cada oportunidad para dar una vuelta de tuerca a lo que hacen. Está buenísimo ver a tu banda favorita tocar tus temas preferidos en vivo, concuerdo, y vivo festejándolo, pero mejor aun es ver a tu banda favoria, tocando tus temas preferidos de manera tal que dejen de ser tus temas preferidos, para volver a convertirse en tus temas preferidos (digo, las nuevas versiones). Y creo que de eso se trata el arte en general, o de eso debería tratarse: de reinventarse continuamente. No dedicarse unicamente a crear cosas nuevas desde cero, inventando algo nuevo, sino poder reinventar, y así, reinventarse a uno mismo, lugar del que, en definitiva nace toda expresión artística. Cuando esto no ocurre, tenemos muuuuchos ejemplos (que obviaré en este momento) para ver lo que sí ocurre. Lo curioso es que mientras menos reinvención y crecimiento personal hay en los grupos, más fanatismo genera a nivel masa, a nivel popular. Lo cual apoya la hipótesis de una masa en la cual cada elemento sobrevive como tal gracias a la identificación con todos y cada uno de los demás, dejando de lado la singularidad propia y esencial.

Que lo disfruten MUCHO!

Teru's Symphonia - Human Race Party

01. Human Race Party

02. The Clock

03. Midnith Dreamer

04. In The Back Of Welfare

05. After The Party

06. Twinkle Children

Teru's Symphonia es una banda dedicada pura y exclusivamente a deleitar a sus oyentes con el mejor rock progresivo sinfónico. Originarios del imperio del sol naciente, y liderada por el ex guitarrista de Novela, Terutsugu Hirayama, hacen lo que todo japonés: hacer las cosas bien, excelente (y voy avisando que vamos a poner varias bandas japonesas, así que feliz sea quien le guste el disco que estamos publicando aquí).

Siguiendo la línea de bandas como Marillion, IQ y otras del estilo, con un fuerte énfasis en los teclados, las secciones instrumentales y las melodías dulces y pegajosas, a la vez que sus letras cínicas y críticas, Teru's Symphonia sabe definir y explicar perféctamente de qué se trata la cosa, siendo contundentes y claros al momento de poner "lo suyo" sobre la mesa. En general, sus discos son de una diversidad musical y lírica realmente sorprendente, a lo que se suma la hermosa voz Megumi Tokuhisa, lo que los aleja de otras bandas de sus pagos, muy buenas, pero quizás más lineales, tanto musical como compositivamente, como es el caso de Gerard o Arsnova.
Así, Teru's logra ubicarse como otro de los niños prodigio del sello de música progresiva/sinfónica Musea, que tantas gratas sorpresas ha sabido darnos, siendo uno de los más destacados sobrevivientes de la casi extinta escena progresiva japonesa de los 80's, convirtiéndose en un verdadero y merecedor exponente.

Human Race Party es editado a finales de los 80's, precisamente en 1989, aunque no pierde esa frescura y excentricidad artística que caracterizó a toda la década, sobre todo en sus principios: ese sonido tan particular y tan atractivo que nos hablaba de peinados inflados y coloridos, maquillajes exagerados, ropajes colorinche y extravagantes.

Un lanzamiento realmente interesante y atrapante, sobre todo por las líneas melódicas que saben crear expectativa, estructuralmente perfectas y también perfectamente engarzadas con la hermosa y armónica voz de la vocalista nipona.

Un disco que cuenta con varias perlitas, de las cuales me siento obligado a destacar Human Race Party, Midnight Dreamer y la infantilísima y cínica After The Party.

En definitiva, un disco para escuchar, recomendar, y al cual recurrir en cualquier momento en que la ansiedad musical comience a despertarse en nuestros pechos.

Crucis - Los Delirios Del Mariscal

01. No Me Separen De Mi

02. Los Delirios Del Mariscal

03. Pollo Frito

04. Abismo Terrenal

Crucis fue una de las bandas más importantes y representativas de la escena progresiva Argentina en aquellos años 70's (aquellos tan recordados y anhelados, musicalmente hablando, años 70). (¡Carajo, cómo me gusta hacerles conocer bandas importantes de mi país!)

Formada en agosto de 1974 por Anibal Kerpel (teclados), Daniel Frenkel (batería), Gustavo Montesano (guitarra y voz), José Luis Fernández (bajo) y Pino Marrone (guitarra), para octubre del mismo año ya llenaban los teatros más importantes del país, éxito que sorprendió incluso a Charly García, quien se ofreció para producir el primer disco de la banda, Crucis, en 1976, logrando ubicarse en los charts como la segunda mejor banda del momento, justo detrás de Sui Generis, agrupación encabezada por el mismo Charly García en esos tiempos.

Así, sin demasiadas vueltas, Crucis se fue convirtiendo en una de las bandas del género que más éxito cosechó en nuestro país y en el exterior, girando, luego del lanzamiento del segundo disco, en 1997 (Los Delirios Del Mariscal) incluso por los Estados Unidos y sorprendiendo también allí por su virtuosismo y capacidad creativa y musical, gira luego de la cual anunciaron, sorpresivamente, la disolución del conjunto. Gran éxito en poco tiempo, corta carrera, pocos disco en su haber, y, así y todo, un recuerdo imborrable, para descansar por el resto de la historia en los anaqueles de los genios de la música y en las discotecas de cualquier persona que aprecie, aunque sea mínimamente, este hermoso arte, el de la música.

Los Delirios Del Mariscal, de 1977 es, como ya lo adelanté, el segundo y último disco de la banda (al menos durante su existencia efectiva, ya que en el año 2000 salió al mercado una Cronología que consta, justametne, de los dos discos en uno), decía, es el segundo y último disco de la banda, y el que los catapultó al mayor de los éxitos: el de ser reconocidos internacionalmente, cosa algo complicada, sobre todo en la escena artística, por esos años de mi país, fuertemente marcados por la censura y la represión de la dictadura militar más sangrienta de nuestra historia (tema para otro apartado).

Podrán imaginarse entonces que este disco tiene lo suyo (y ya lo comprobarán al escucharlo). Así, es un disco recontrarequetecompleto, de un genio incomparable, realmente sólido, homogéneo y de una creatividad realmente sorprendente.

Humilde cuantitativamente (son sólo 4 canciones), goza cualitativamente de un nivel hiperdotado, de una excelencia, de una calidad que poco y nada tiene que envidiar a las agrupaciones más influyentes de la escena británica, pioneros de la época y el género.

En definitva es una banda y un disco que no deben perderse, o que, en todo caso, lamentarán perderse, o mejor dicho, lamentarán haber dilatado la escucha el día que, habiendo hoy leido esta reseña sin hacerse de este ejemplar, lo escuchen y se transformen en adictos.

Salud!

King Crimson - Red

01. Red

02. Fallen Angel

03. One More Red Nightmare

04. Providence

05. Starless

Para info sobre la banda, remitirse a este post.

Red, disco editado en 1975, debo decir que es, a mi parecer, junto con Lark's Toungues In Aspic, uno de los mejores y más completos lanzamientos de la banda. Es un disco sin desperdicio, en el sentido más lato de la expresión: TODOS y cada uno de los temas que lo conforman son ESPECTACULARES y únicos en su especie, logrando demostrar, una vez más, la gran capacidad de Fripp, y de toda su banda, para expresar y transmitir algunas de las ideas y sensaciones más complejas por medio de las más profundas, armónicas y cínicas melodías y líricas.

Empezando por Red, canción instrumental que da nombre al disco y , con su cinismo y fuerza marca el sentido de los restantes temas, pasando por el casi bailable Another Red Nightmare, el experimento Providence y los dulces pero no tanto Fallen Angel y Starless, la banda británica logra nuevamente un trabajo de una solidez y consistencia inigualables, que los hace nuevamente merecedores de enérgicos y repetidos vitoreos.

Otro clasiquito de alto vuelo para el arcón de los recuerdos.

Emerson, Lake & Palmer - Tarkus

01. Tarkus. a) eruption, b) stone years,
c) iconoclast, d) mass, e) manticore,
f) battlefield, g) aquatarkus)
02. Jeremy Bender
03. Bitches Crystal
04. The Only Way (Hymn)
05. Infinite Space (Conclusion)
06. A Time And A Place
07. Are You Ready, Eddy?

Cuando hace no mucho publiqué el álbum de Emerson, Lake & Palmer, Trilogy, si bien lo considero un álbum clave de la banda, me quedó dando vueltas en la cabeza si era el adecuado pasra una primera aproximación (para quienes no conocieran la banda), o si me tendría que haber tirado por algún otro de los de la época dorada de la banda. Después me hice una pregunta: ¿si todos los discos de esa época (1970-1974) me parecen geniales, por qué no irlos publicando todos, de a poco? Aquí está la respuesta a esa pregunta: una segunda entrega.

En este caso les presento Tarkus, disco de 1971 (segundo disco de estudio de la banda), trabajo fundamental de la banda y del rock progresivo y sinfónico. Primero porque es uno de los primeros discos de rock (puede que hayan otros, pero definitivamente se encuentra entre los primeros) que, según pude rastrear, incluye este tan reconocido formato en la actualidad del rock progresivo y sinfónico, de temas de muy larga duración (arriba de los 20 minutos), separados en partes consecutivas que relatan una misma historia (como si fuera un disco conceptual, pero todo dentro de una misma canción). Este es el caso del primer tema del disco, que da nombre a la placa, Tarkus. Quienes hayan escuchado el disco de Jordan Rudess que publiqué hace un tiempo, lo habrán escuchado, personalizado por Rudess claro, y con las voces de Steven Wilson y guitarras de Neal Morse, entre otros.
En el formato LP original del disco de ELP, Tarkus ocupaba todo el primer lado, por lo cual el resto de las canciones (lado B del LP) quedaron un poco olvidadas, aunque de todas maneras vale la pena prestar atención a todo el disco, que es una joyita de principio a fin (aunque es cierto que una vez que termina Tarkus, uno queda como ecplisado esperando que a continuación suene algo similiar... cosa que no ocurre). Los temas Bitches Crystal, o A Time And A Place son buenos ejemplos del potencial de este disco más allá de la composición épica que le da nombre. El primero, Bitches Crystal, da una buena idea de la capacidad de la banda, no solo para el rock progresivo y sinfónico, sino también para todo lo relacionado con el jazz, blues y fusión. En cuanto a A Time And A Place, es una interesante muestra de cómo entendía la banda al hard rock.Segundo, porque es una joyita, al igual que todos los discos de la banda en la época 70-74, antes de su primera separación. Todos y cada uno de estos son un DEBER, en mayor o menor medida.

Mike Keneally - Steve Vai Piano Reductions Vol. 1

01. All About Eve

02. Ballerina 12/24

03. Bledsoe Bluvd

04. Die To Live

05. Dyin' Day

06. Junkie

07. Kill The Boy With The Ball / The God Eaters

08. Pig

09. Salamander

10. Sisters

11. Touching Tongues

Mike Keneally es un músico realmente brillante, con una amplitud y capacidad como la que se ha visto en pocos. Vocalista, guitarrista, tecladista y compositor, ha sabido adaptarse en todos los casos a la época en que vive y a la época que la música vive, tanto como a las disintas épocas de las figuras con las que ha salido a tocar.

Así y todo, este loco lindo se hizo conocido como miembro de algunos de los proyectos de Frank Zappa, pero, sobre todo, por sus presentaciones en vivo con aquel, carrera que, a pesar de haber durado poco tiempo, marcó el camino del éxito que recorrería este querible artista. Con lo cual no es raro que, no sólo haya participado en más de un proyecto solista del hijo de Zappa, Dweezil, sino que ya cuente en su haber con 11 discos solistas, todos de gran calidad.

Por otro lado, dejando un poco de lado a Zappa (del que ya publicaré algo), Keneally a sido caballito de batalla de unos cuantos grandes de la música, como por ejemplo, Steve Vai (a quien conoció en la época Zappa, cuando el jóven Vai se dedicaba a transcribir partituras para el excéntrico Frank), a quien acompañó en varias presentaciones en vivo como tecladista y guitarrista y vocalista (se lo puede ver, por ejemplo, en el G3 Live In Concert, del año 1997).

Es así que en año 1998, Steve Vai pide a Mike Keneally que arregle y grabe algunas canciones de su autoría en formato piano acústico. Keneally accede al pedido de su gran amigo, grabando durante 1999 las piezas, trabajo que será producida y mezclada por el miso Vai, y lanzada en el año 2004 por medio de su propio sello, Light Without Heat, bajo el nombre de Steve Vai Piano Reductions Vol. 1.
Acá les traigo entonces este hermoso disco, que cuenta con algunas de las canciones más conocidas del reconocido virtuoso de la guitarra, seleccionadas por él mismo, y arregladas y grabadas de manera magistral por este otro genio que es Mike Keneally, del cual no tardaré en traerles algún trabajo totalmente de su autoría.

Las versiones que podemos encontrar en este precioso homenaje en formato acústico, son realmente de una calidad y sabiduría musical que van más allá de cualquier parangón. Es realmente sorprendente ver que, canciones que ya en sus versiones originales dejaban a uno con la boca abierta, generando las más variadas y profundas emociones y sensaciones, sin entender que había ocurrido, puedan, con una vuelta de tuerca ser incluso algo más, algo que vas más allá, algo que es completamente distinto a lo que ya conociamos, y que sin embargo, sigue siendo lo mismo. Keneally logra en esta oportunidad (como en cada una que se le dio) poner un sello personal único e imborrable.

Un disco que puede ser utilizado tanto como un simple y profundo deleite desde lo musical, como también como el sedante menos intrusivo y más placentero que pueda existir.

En fin, espero que lo disfruten... Al que no, le anda faltando un pedazo de algo.

True Symphonic Rockestra (TSR) - Concerto In True Minor

01. Nessum Dorma

02. My Way

03. Moon River

04. Singing In The Rain

05. Granada

06. Tu, Can Nun Chiagne

07. Ochi Tchorniye

08. Memories

09. Cielito Lindo

10. Tonight

11. Libiamo Ne'lieti Calici

12. La Donna E Mobile

13. Non Ti Scordar Di Me

14. O Sole Mio

15. Das Is Mein Ganzes Herz

16. With A Song In My Heart

17. Dorogoi Dlinnoyu

18. America

19. Funiculi Funiculá

20. Brazil

21. Pourquoi Me Réveiller

True Symphonic Rockestra es un proyecto bastante interesante que nace en manos del vocalista de Dream Theater, James Labrie, en el año 2000 como una idea de homenaje a los tres tenores (Luciano Pavarotti, Placido Domingo, José Carreras). El concepto era simple, pero desafiante: realizar versiones rockeras-metaleras de los temas más representativos del repertorio del circunstancial pero reconocido y exitoso trio europeo.

Hasta acá nada demasiado original: música clásica hecha rock/metal, se hace desde los 70's.

Lo que da a este proyecto su toque de frescura, de único, es la presencia (además de la de Labrie y de un brillante equipo de músicos, productores y técnicos), la presencia de dos tenores que nada deben envidiar a los homenajeados: Thomas Dewald y Vladimir Grishko. Resulta entonces una flor de amalgama: dos tenores del carajo + una de las voces más respetadas del metal a nivel mundial (aunque, debo reconocer, que como tenor no es lo más recomendable (?).

Luego de esta breve introducción al tema, les cuento que Concerto In True Minor a pesar de haber sido terminado de grabar en el año 2005 fue editado y sacado a la venta en marzo del corriente año (2008). ¿las razones? ni idea... y me dio paja investigarlo más.

Lo que sí se es que cuenta con versiones de algunos de los temas más conocidos a nivel mundial, tanto en materia de música netamente clásica (la mayoría de los tracks que conforman el disco) como en cuanto a algunas perlitas menos ortodoxas que vale la pena tener en cuenta, como el tradicional Cielito Lindo, My Way, de Frank Sinatra o Granada, canción escrita en 1932 por el compositor mexicano Agustín Lara, que con el paso del tiempo se ha convertido en un clásico, todas ellas en versiones realmente enérgicas y bien desarrolladas y arregladas, que logran esquivar el famoso prejuicio al que se arriesga toda obra que se propone este dificil desafío, ante las miradas de los más obtusos y ortodoxos.

En síntesis, una formación, tanto de vocalistas como de músicos, técnicos y productores que ha sabido trabajar de manera más que prolija y respetuosa, sacando del horno una verdadera obra de arte, capaz de poner la piel de gallina a cualquiera que se de un momento para endulzar sus oidos.

Rush - Moving Pictures

01. Tom Sawyer

02. Red Barchetta

03. YYZ

04. Limelights

05. The Camer Eye

06. Witch Hunt

07. Vital Signs

Hace rato que no pongo clásicos, así que es hora de volver.

Rush es una banda sobre la cual hay DEMASIADO para reseñar, siendo un "deber" de todo melómano que se considere fuértemente inclinado por la música de tinte progresivo. Rush es una de las bandas que más ha influenciado al resto en materia de rock progresivo (y rock en general). Y miren que hay clásicos más clásicos aun, pero que sin embargo y a pesar de su importancia y calidad no han logrado lo que Rush en su momento.

Pero hagamos un poco de historia.

Rush fue formada en 1968 en Ontario, Canada, por el guitarrista Alex Lifeson (Alexander Zivojinovich), el baterista John Rutsey y el vocalista y bajista Jeff Jones, quien un mes después de formada la banda, sería reemplazado por el hoy mítico Geddy Lee (Gary Lee Weinriben), quien, curiosamente, era quien solía prestar el amplificador a Jones para que pudiera tocar.
La banda lanza su primer álbum, Rush, recién en 1974, luego de lo cual el Rutsey es reemplazado por el pedazo de baterista Neal Peart, conformándose así lo que será la formación definitiva y legendaria de la banda.

Volviendo a las raíces, a este primer disco de 1974, se puede apreciar claramente la amplitud de estilos por los que la banda a transitado, siempre de manera más que adecuada. Allí, a mediados de los 70's, Rush sonaba como una típica banda de rock británico, al mejor estilo Led Zeppelin o The Who, mientras que a medida que vamos escuchando los discos siguientes, vemos una drástica mutación que logra romper con todos los moldes en los que la misma banda pudiera basarse, logrando una combinación perfectamente equilibrada e ideada entre el más puro y duro hard rock, (tomado de estas bandas inglesas a las que de alguna manera emulaban en sus comienzos) y el más dedicado y delicado rock progresivo, música más que influyente durante toda la década de los 70's, estilo que fue sutilmente ingresado a la formación por Neil Peart (sino escuchen los tres discos siguientes a su ingreso a la banda: Fly By Night, Carees Of Steel y 2112). Y este fue el camino que la banda siguió durante el resto de la década, hasta principios de los 80's, cuando un nuevo cambio de rumbo los lleva a dejar un poco de lado los largos temas conceptuales, a favor de canciones más cortas, más comerciales, y por ende, más accesibles a la masa... aunque seguía siendo Rush: es decir, que la música comercial, nunca fue tan compleja como cuando Rush se acercó a ella. Asimismo, también las letras de las canciones se tornan más cercanas, dejando un poco de lado las temáticas de ciencia ficción tan abundantes en los discos anteriores para adentrarse en temáticas como la profundidad de la vida, la influencia de la modernidad, etc.

Claro está que desde ese momento, hasta la actualidad, pasando por difíciles etapas personales de cada uno de los músicos, y hasta por una disolución de la banda, estos monstruos han seguido innovando y sabiendo adaptarse a las épocas sin perder ni un poco de su frescura original, esa que los hace lo que hoy en día son.

Pero ahora nos quedamos acá, a principio de los 80's. Fue en este nuevo rumbo, en esta nueva etapa donde se inserta el álbum que acá presentamos: Moving Pictures, lanzado al mercado en 1981, y llevando al éxito que haría a la banda conocida mundialmente, y esto gracias, sobre todo, al tema que abre el disco, Tom Sawyer, haciendo referencia a la novela clásica de Martk Twain (del mismo nombre), publicada en 1876. Así, resulta sorprendente que, a pesar de ser el 8vo disco de la banda, luego de pasar por múltiples cambios de rumbo y mutaciones tanto en lo musical como en cuanto a formación, Geddy Lee hable de Tom Sawyer, como la canción más tradicional de la banda, en tanto escucharla es decir Rush.
Ojo, por esto, no hay que perder de vista el resto de las canciones del disco, gracias a las cuales logra ser algo tan homogeneo y exitoso: no es correcto, en este caso, confundir este éxito de una canción con esas bandas de una canción, que pupulan por el planeta día a día. Moving Pictures cuenta con varias joyitas de la música, como son los casos de Limelight, YYZ o Red Barchetta, que, aunque hayan sido más descuidadas a nivel mediático/comercial, nada tienen que envidiar al la canción tradicional, manteniéndose en el mismo nivel de excelencia musical.

En general el disco mantiene este nuevo formato de la banda, de canciones más bien cortas y accesibles (al menos en comparación a los discos anteriores), pero sin perder ni una pizca de la frescura original y trascendental de la banda. Canciones cortas y concretas, en las cuales de vez en vez se cuelan métricas complejas e inesperadas, que más de una vez llevan a preguntar ¿cómo es que llegaron acá de manera tan magistral, y ni me di cuenta?, (pregunta que, por cierto, me sigo haciendo, no solo con Rush, y a pesar de escuchar y escuchar, no logro responderme de manera satisfactoria).

De esta manera, Rush nos entrega un disco que tema a tema da la impresión de comenzar a contar una historia épica (como en los viejos tiempos), pero de a capítulos semanales, lo cual genera aun más ansiedad y ganas de escuchar qué es lo que viene.

En definitiva el mejor hard rock + el mejor progresivo, tocado por 3 de los mejores musicos que la historia del rock nos ha dado, logrando que, a pesar de todo, no perdamos la esperanza.