31 de enero de 2008

Presto Vivace - Utopías Color Esmeralda


01. La Dictadura De Las Máquinas
02. Algo De Tí
03. Wall Street
04. Más Lejos, Más Cerca
05. 13 Serpientes, 48 Alacranes
06. Wall Street (Versión Editada)

Presto Vivace, banda de metal progresivo oriunda del barrio de Liniers, en la ciudad de Buenos Aires (Argentina) es formada en agosto de 1994 por el guitarrista Agustín Pinto y el bajista Marcelo Perez Schneider, ambos muy influenciados por el rock progresivo de los años 70', y por el metal del mismo género nacido en los 80', con especial énfasis en Symphony X.
Al año siguiente graban su primer trabajo de estudio, un demo denominado Circulos Sin Centro, de distribución gratuita, que fue muy bien recibido en el under porteño, donde comenzaron a ganar fama y respeto dentro, logrando importantes concurrencias durante sus presentaciones en distintos pubs de la Capital durante todo 1996. En 1997 editan Laberintos Hacia El Vacío, una Suite compuesta por cinco movimientos, también en formato demo y distribuido gratuitamente.
Para 1998 la banda decide masterizar y juntar las dos producciones gratuitas para editarlas en lo que será su primer álbum lanzado a nivel comercial, pero editado de manera independiente: 95/97. A partir de ese momento la banda comienza a ser reconocida más allá del under porteño, llegando también a otros países de latinoamérica.
Para 1999 el encargado de las voces hasta el momento, Cristian Maldonado, deja la banda. Luego de buscar durante varios meses, encuentran a quien será su exitoso reemplazante: Gabriel Chaperón, con quien lanzan, en el año 2000 el segundo disco larga duración de la banda, Utopías Color Esmeralda. En el 2007 sacan a la venta su tercer trabajo de estudio, integramente en inglés, The Enigma Of The Parable.
En la actualidad la banda lidera la escena del metal progresivo en la Argentina. Sus músicos son considerados entre los más virtuosos a nivel nacional dentro del género, habiéndose presentado repetidas veces como soportes de bandas extranjeras reconocidas (p.ej, Symphony X) obteniendo muy buenas críticas, a la vez que sus shows son cada vez más concurridos.

En cuanto a Utopías Color Esmeralda, editado en el año 2000, me atrevo a decir que es EL disco de la banda.
Con respecto a sus trabajos anteriores, tanto los demos como el primero disco a nivel comercial, la banda se muestra mucho más madura, tanto musical y técnicamente como en lo que respecta a su sonido y composiciones. Luego, al enfrentarlo con su último trabajo, del 2007, The Enigma Of The Parable, este último pierde en homogeneidad. Es un disco del cual no logro sacar un tema en limpio. Me resulta confuso, sin una línea rectora, por lo cual cada vez que lo escucho se me torna realmente perturbador y molesto. Nada de esto ocurre con Utopias... El lanzamiento del 2000 es una real obra de arte. Técnica y musicalmente impecable, sabe respetar los límites que hacen las veces de barrera entre rock / metal progresivo, con sus múltiples cambios de ritmo, secciones instrumentales, etc. de lo que sería una seguidilla de secciones sin una aparente conexión (esa seguidilla sin conexión es la sensación que me genera el disco del 2007 del que hablé arriba). Utopías color esmeralda es homogeneo, es respetuoso y es sobre todo equilibrado y armónico, siendo 2 de sus 5 temas (el 6to es una versión de otro incluido en el disco), decía, siendo 2 temas baladas muy emotivas y relajantes, que logran a la vez mantener al oyente completamente al tanto de lo que penetra en sus oidos con el pasar de los minutos. Las otras tres canciones se podrían describir como clara muestra, por un lado de una impecable técnica y capacidad de composición, y por el otro, sin desmerecer a la banda, una manifestación sin máscaras de una admiración e influencia explícitas a Symphony X en todos y cada uno de los miembros de la banda. (A respecto, recomiendo escuchar el disco The Divine Wings Of Tragedy, de Symphony X, sobre todo el tema The Accolade. Disco que de todas maneras en cualquier momento publico en el blog)

Con el profundo deseo de que la banda vuelva en el tiempo al año 2000 y siga trabajando de esa manera, les dejo esta joyita del metal progresivo de mi país.

30 de enero de 2008

Blackfield - Blackfield


Disco resubido por David

01. Open Mind
02. Blackfield
03. Glow
04. Scars
05. Lullaby
06. Pain
07. Summer
08. Cloudy Now
09. The Hole In Me
10. Hello
11. Perfect World
12. Where Is My Love?
13. Cloudy Now (Live)

Según cuenta la historia, en el año 2000, Aviv Geffen, afamado músico israelí de rock, fanático incondicional de Porcupine Tree, invita a la banda de Steven Wilson a presentarse en una serie de conciertos en Israel. A partir de este momento, los dos músicos- Aviv Geffen y Steven Wilson- entablan una fuerta amistad que los incita a llevar adelante un proyecto musical paralelo a sus bandas. El resultado de este proyecto es el duo Blackfield (duo, en el sentido de que son ellos dos los fundadores, pero son acompañados por una banda que consta de batería, bajo y teclados, aparte de las dos guitarras y voces de los creadores). Como es de esperar, la amalgama de los dos estilos (por otra parte, similares en los elementos más básicos, pero diferentes en al desarrollo y tratamiento que cada artista da sus creaciones individuales), genera un estilo propio y original, que, si bien por un lado deja ver la similitud básica, por el otro, también manifiesta el choque entre los estilos personales e íntimos de cada artista. El resultado es un lujo.

El primer trabajo de estudio, también llamado Blackfield, ve la luz en el año 2004 en Israel y Europa, para llegar en el 2005 a Estados Unidos y el resto de América. Sin embargo, este trabajo fue pensado en sus comienzos como un EP a editarse en el 2001, pero gracias al talento de los músicos y a la avalancha de composiciones, una mejor que otra, y por ende, a la dificultad de elegir cuáles entrarían al EP y cuáles no, el proyecto, si bien tardó unos años más, se convirtió en un larga duración de 13 temas, en el que se incluyen, aparte de 8 temas originales del flamante nuevo duo, dos covers de temas de Geffen, traducidos al inglés por Wilson (Scars y Cloudy Now) y uno de Porcupine Tree, Feel So Low, que había sido grabado previamente por Geffen en hebreo.
El disco, tal como la múisica individual de cada uno de los artistas, cuenta con sonidos suaves y atmosféricos, a la vez que irrumpen sin previo aviso guitarras distorsionadas y crudas, pero sin llegar a convertir la música en si en distorsionada y cruda, manteniéndose la mayor parte del tiempo dentro de los estándares de la balada con tintes melancólicos y repetidos llamados al cinismo y la ironía.
Es en general un álbum tranquilo, que sabe generar ambientes por momentos relajantes y por momentos realmente angustiantes... pero en el buen sentido ¿qué buen sentido puede tener la angustia? en sí, ninguno, pero lograr este estado es un gran mérito de cualquier composición musical que lo logre, y no debe ser tomado a la ligera.

Sin mucho más que decir, les recomiendo escucharlo. También el trabajo del 2007, Blackfield II, que sigue un poco la misma línea, pero me da la sensación de ser un poco más optimista, no tan melancólico (aunque siga siéndolo en sus bases). Muy buen disco, disfrútenlo.

Neal Morse - ?



01. The Temple Of The Living God
02. Another World
03. The Outsider
04. Sweet Elation
05. In The Fire
06. Solid As The Sun
07. The Glory Of The Lord
08.Outside Looking In
09. 12
10. Deliverance
11. Inside His Presence
12. The Temple Of The Living God

Habiendo sido miembro fundador de Spock's Beard y Transatlantic, en el año 2002 Neal Morse se transforma al cristianismo (más exactamente a lo que los norteamericanos llaman born again christianism, referido a una forma de "renacimiento" y salvación espiritual, término utilizado generalmente por iglesias evangélicas, pentecostales, fundamentalistas, y algunas ramas del cristianismo protestante), dejando ambas bandas, para dedicarse a una carrera solista en la cual daría cuenta de sus experiencias religiosas. Habando mal y pronto, Morse arma una banda de rock cristiano. El álbum Testimony, del 2003 (que cuenta con la colaboración de Mike Portnoy de Dream Theater y Kerry Livgren de Kansas, apoyado por su presentación en vivo, Testimony Live, Morse relata la toma de la difícil decisión de dejar sus agrupaciones anteriores para vagar por los caminos del autodescubrimiento espiritual: A su hija Jayda le diagnosticaron un agujero en el corazón (no es una metáfora), patología que requería cirujía a corazón abierto. El único camino que le quedó a Morse, ante la angustia de sólo poder esperar que todo saliera lo mejor posible, fue rezar que así fuera. Finalmente su hija fue operada y mejoró rápidamente, situación que, según parece, incluso para los médicos fue una especie de milagro. El trabajo de introspección siguió en One (2004), su disco más exitoso como solista.

Luego de dos álbumes no progresivos lanzados durante el 2005, en el verano de ese mismo año, los miembros de su iglesia le comunican a Morse (sería una visión, qué se yo, pero parece que no le preguntaron o recomendaron, sino que directamente le comunicaron) que debía desarrollar un trabajo referido al tabernáculo, pero que este proyecto debía ser mantenido en secreto. El resultado de este proyecto secreto fue "?" (también conocido como The Question Mark), que habla sobre el tabernáculo y lo relaciona con la metáfora del tabernáculo del corazón.

La consecuencia de este viaje espiritual: una obra maestra del rock progresivo contemporáneo, que, para variar cuenta con una banda estable de all-stars formada por Neal Morse, Mike Portnoy y Randy George, y con las colaboraciones de varios de los más grande representantes del género: Mark Leniger, Alan Morse, Roine Stolt, Jordan Rudess, y hasta el mismísimo Steve Hackett.

"¿Cómo puedo describir este disco?"
 es algo que me vengo preguntando desde que se me ocurrió escribir sobre él. Si no lo hice antes fue porque no sabía qué decir al respecto. Sigo medio perdido, pero les puedo decir una cosa que es segura: hace algunos años, un primo mío que es pastor evangléico de alguna iglesia de por ahí me dijo, muy entusiasmado, "A vos que te gusta la música, mirá, esto es Petra, es rock cristiano". Yo, un complétamente ignorante al respecto (aparte era chico y recién me estaba iniciando en el mundo de la música), acepté el casette con entusiasmo: Era una porquería. Rock no era... lo que sí, era bien cristiano. Recuerdo que arrancaba "amiiigooo, Jesús es tu amiiigooo", cantado por lo que parecía un coro de ángeles borrachos. Desde ese momento desistí en todo intento de escuchar música dedicada a la adoración religiosa (temática que por otro lado poco me interesa), aparte de sospechar intenciones de reclutamiento por parte de este querido primo mío... pero esa es otra historia (Era chico, no tonto). De todas maneras mi decisión se apoyaba en la deplorable y triste calidad de la música, la cual me daba la sensación de ser una mera excusa para transmitir mensajes fanático-religiosos. Por ende, la música en sí era una porquería (la guitarrista que cantaba en las misas de cuando era chiquito tenía más swing).

Neal Morse, con su disco "?", por su parte, logró transformarme.. musicalmente. Me sacó a patadas del terreno del prejuicio del énfasis del mensaje que dejaba de lado la composición musical por ser un mero medio de transporte para el mismo. ¡Si hasta me sé las letras!

Digamos, hablando bien en serio, que este disco logró que deje de centrarme en la intención supuesta por mí, para tomar la música como música, sin prejuicio alguno, como un todo, y poder disfrutarla como tal. Y creo que cuando una canción o un disco logra eso, es cuando realmente se lo puede llamar arte. Es eso de que la música no tiene fronteras. Es cierto, ni físicas, ni espirituales, ni artísticas. Creo que gracias a este disco terminé (o empecé) a comprender desde dónde la música puede unir. Y de alguna manera podría decir que también fue para mí un renacimiento espiritual, ¿no?

De todas maneras Petra seguirá siendo un DE-SAS-TRE, no le voy a dar otra oportunidad ni mamado. Con su música, no solo degradan al arte, sino también ahuyentan a todo posible adepto a su ideología religiosa. Ahora que el marketing es tan importante... (?).

Enjoy.

Emerson, Lake & Palmer - Tarkus


01. Tarkus. a) eruption, b) stone years,
c) iconoclast, d) mass, e) manticore,
f) battlefield, g) aquatarkus)
02. Jeremy Bender
03. Bitches Crystal
04. The Only Way (Hymn)
05. Infinite Space (Conclusion)
06. A Time And A Place
07. Are You Ready, Eddy?


Cuando hace no mucho publiqué el álbum de Emerson, Lake & Palmer, Trilogy, si bien lo considero un álbum clave de la banda, me quedó dando vueltas en la cabeza si era el adecuado pasra una primera aproximación (para quienes no conocieran la banda), o si me tendría que haber tirado por algún otro de los de la época dorada de la banda. Después me hice una pregunta: ¿si todos los discos de esa época (1970-1974) me parecen geniales, por qué no irlos publicando todos, de a poco? Aquí está la respuesta a esa pregunta: una segunda entrega.

En este caso les presento Tarkus, disco de 1971 (segundo disco de estudio de la banda), trabajo fundamental de la banda y del rock progresivo y sinfónico. Primero porque es uno de los primeros discos de rock (puede que hayan otros, pero definitivamente se encuentra entre los primeros) que, según pude rastrear, incluye este tan reconocido formato en la actualidad del rock progresivo y sinfónico, de temas de muy larga duración (arriba de los 20 minutos), separados en partes consecutivas que relatan una misma historia (como si fuera un disco conceptual, pero todo dentro de una misma canción). Este es el caso del primer tema del disco, que da nombre a la placa, Tarkus. Quienes hayan escuchado el disco de Jordan Rudess que publiqué hace un tiempo, lo habrán escuchado, personalizado por Rudess claro, y con las voces de Steven Wilson y guitarras de Neal Morse, entre otros.
En el formato LP original del disco de ELP, Tarkus ocupaba todo el primer lado, por lo cual el resto de las canciones (lado B del LP) quedaron un poco olvidadas, aunque de todas maneras vale la pena prestar atención a todo el disco, que es una joyita de principio a fin (aunque es cierto que una vez que termina Tarkus, uno queda como ecplisado esperando que a continuación suene algo similiar... cosa que no ocurre). Los temas Bitches Crystal, o A Time And A Place son buenos ejemplos del potencial de este disco más allá de la composición épica que le da nombre. El primero, Bitches Crystal, da una buena idea de la capacidad de la banda, no solo para el rock progresivo y sinfónico, sino también para todo lo relacionado con el jazz, blues y fusión. En cuanto a A Time And A Place, es una interesante muestra de cómo entendía la banda al hard rock.
Segundo, porque es una joyita, al igual que todos los discos de la banda en la época 70-74, antes de su primera separación. Todos y cada uno de estos son un DEBER, en mayor o menor medida.

28 de enero de 2008

O.S.I. - Office Of Strategic Influence


01. The New Math (He Said)
02. O.S.I.
03. When You're Ready
04. Horseshoes and B-52's
05. Head
06. Hello, Hellicopter!
07. ShutDOWN
08. Dirt From A Holy Place
09. Memory Daydreams Lapses
10. Standby (Looks Like Rain)

O.S.I. fue formada en el año 2003 por Jim Matheos, quien fuera guitarrista de Fates Warning, quien contactó a Kevin Moore, tecladista de Chroma Key- y ex Dream Theater- y a Mike Portnoy, baterista de Dream Theater, quien aceptó el proyecto sin saber de la presencia de Moore (la conformación de O.S.I. sería la primera, vez en 10 años, en que Moore y Portnoy harían música juntos). En ese momento, completaron la formación Steven Wilson, de Porcupine Tree, como colaborador en voces, y Sean Malone de Gordon Knot en bajo; formándose algo así como una súper banda de metal progresivo, formada por íconos del género, mezcla que a la vez le otorgó una suerte de orientación experimental.

La sigla O.S.I. hace referencia a una extinta agencia del Departamento de Defensa del Gobierno de los Estados Unidos llamada Office Of Strategic Influence (Oficina de Influencia Estratégica), dedicada a dar apoyo a la llamada "Guerra Contra el Terrorismo" , y es la sigla que da también nombre al primer álbum de la banda, disco lanzado el mismo año en que la banda se formó, el 2003.
Office Of Estrategic Influence no es un álbum de una sola escucha. Sino que más bien todo su potencial se va desarrollando y manifestando a partir de consecutivas y atentas escuchas, tema por tema. Al principio uno podría tranquilamente creer que se trata de una banda/álbum a medio camino entre Dream Theater y Fates Warning. La conformación del grupo y los primeros temas del disco dal alguna lógica a un razonamiento tal. Pero luego de un análisis un poco más detallado, apoyado en la paciente contemplación, deja ver que se trata de un sonido completamente original, nacido de la fusión de músicos y estilos únicos y bien desarrollados. Hay que tener en cuenta que si bien Mike Portnoy y Kevin Moore fueron dos de los miembros fundadores de Dream Theater, esto fue hace ya más de 20 años, y cada uno desarrolló un estilo propio, más allá de dicha banda: Moore, con Chroma Key se aleja completamente de la propuesta de Dream Theater, acercándose más a un sonido experimental y electrónico, mientras que Portnoy va más allá de su banda madre, participando en proyectos, no solo dedicados al rock y metal progresivos, sino también al jazz/fusión (Liquid Trio Experiment), y al rock clásico (Hammer Of The Gods), entre otros. Por otro lado, Jim Matheos, de Fates Warning, pone todo lo que dio a dicha banda su estilo tan particular dentro de la escena progresiva.

En definitiva, otro disco de los imperdibles, otro proyecto exitoso.

Opeth - Damnation


01. Windowpane
02. In My Time Of Need
03. Death Whispered A Lullaby
04. Closure
05. Hope Leaves
06. To Rid The Desease
07. Ending Credits
08. Weakness

Opeth, formada en Estocolmo, Suecia, allá por 1990, es una banda que si bien siempre se mantuvo dentro de los estándares de lo que es el rock y/o metal progresivo, a esto le agregaron su toque personal: el guiño del Death Metal, con guitarras bien distorsionadas y voces guturales, logrando un estilo propio realmente único, algo así como un Death Metal Progresivo. Sin embargo, en las composiciones de la banda se pueden notar influencias tanto del rock progresivo y death metal, como del jazz, el blues, el folk y, repetidas veces, se hacen presente guitarras acústicas de corte clásico. Gracias a esta bien lograda amalgama, Opeth es una de las bandas que se pueden contar como referente al pensar tanto en Death Metal como en Metal Progresivo.

Damnation,
disco del año 2003, es una excepción tajante dentro del trabajo de la banda. Una excepción más que agradable, por cierto. Trabajo que fue grabado en paralelo con el 6to disco orientado al Deat Metal de la banda, Deliverance, Damnation, 7mo álbum de la banda, se vuelca completamente hacia el rock progresivo, orientado hacia la ejecución semi-acústica, sin rastro alguno de Death Metal... sin rastro alguno de Metal. Producido por Steven Wilson, intengrante fundador, guitarrista y genio creador de Porcupine Tree, Damnation rememora el viejo rock progresivo de los años 70' en su estilo, y da la nota de la banda, con sus composiciones más bien melancólicas y de tinte atmosférico, generando en el oyente una sensación general de paz y relajación, a la vez que sabe generar misterio, mantiendo pendiente de qué es lo próximo que ocurrirá.

Un disco para esos momentos en que uno se dice "bueno, tengo que bajar un poco, no más progresivo quemador-de-cerebros por un rato". Paf! Sorpresa, era tranquilo, era semi-acústico, era volador... Y SEGUÍA SIENDO PROGRESIVO!

"Damnation, un disco para seguir siéndonos fieles" (?)

Tony Levin - Stick Man


01. Welcome
02. Gut String Theory
03. Speedbump
04. Slow Glide
05. Shraag
06. Not Just Another Pretty Bass
07. El Mercado
08. Orange Alert
09. In Her Locket
10. Rising
11. Metro
12. Zeroes To Disk
13. Sticky Fingers
14. Rivers Of Light
15. Chop Chop
16. ThHe Gorgon Sistes Have A Chat
17. Dark Blues

Tony Levin es una refencia obligada tanto cuando hablamos de bajistas, como cuando la charla es sobre rock progresivo (y obviamente, más aun cuando la charla es sobre ambas cosas a la vez). Pero hay muchos bajistas de rock progresivo que pueden ser referencia en esos casos. Si bien es una de las figuras más influyentes de las últimas décadas, ser bajista y hacer rock progresivo (entre otros) no es esa la particularidad específica de este singular artista.
Tony Levin es reconocido mundialmente por su espíritu innovador, en constante desarrollo de nuevas ideas. Así, es el principal responsable de la popularización de un singular instrumento: el Chapman Stick, instrumento musical eléctrico ideado por el luthier californiano Emet Chapman a principio de los años 70'. El instrumento es básicamente un mástil (como el de una guitarra, o un bajo) con 7 u 8 cuerdas, sin cuerpo, sin caja de resonancia, que se ejecuta por medio de la técnica de tapping.
El Chapman Stick fue popularizado por Tony Levin a partir de sus participaciones con King Crimson y Peter Gabriel, y fue a partir de ese momento que el instrumento comenzó a ser utilizado por una cantidad cada vez más creciente de instrumentistas, tanto guitarristas como bajistas, como una alternativa curiosa e interesante, creando sonidos que recordaban por momentos a la guitarra, por momentos al bajo, o a un teclado, y por momentos a algún extraño instrumento de percusión... sin ser, sin embargo, ninguno de todos ellos.

En esta ocasión no les traigo ni King Crimson, ni Peter Gabriel: Les traigo a Tony Levin a solas con su Chapman Stick (bueno, y con algunos otros músicos).
Stick Man fue lanzado en el 2007, y cuenta con composiciones de los más variados estilos: jazz, fusión, rock progresivo, alguna que otra balada, algunas variantes electrónicas, entre otras, siempre con un tinte de lo más experimental, estilo que el instrumento permite mantener a lo largo de los años. Siendo un trabajo mayormente instrumental, también podremos escuchar algunos cantados o con alguna que otra irrupción hablada. Todas composiciones del más fino sabor.
Para alguna referencia, algunos quizás encuentren similitudes con el trabajo de Levin en el proyecto Liquid Trio Experiment, también del 2007, disponible en este blog.

Para todos los amantes de la música, y sobre todo para aquellos fanáticos de las cosas raras, siempre ansiosos de conocer algún nuevo delirio, este es SU disco.

26 de enero de 2008

Interactuemos

Buenas a todos!

Ante todo quiero agradecer la buena llegada que está teniendo el blog. Me alegran mucho los comentarios positivos que el sitio está recibiendo, y poder estar facilitándo música que, por sus comentarios, muchos no conocen o sí, la conocen, pero no la conseguían por ningún lado. Cualquiera sea el caso, les agradezco yo a ustedes sus visitas, sus comentarios y sus ganas de conocer nuevas cosas, y sobre todo, de conocer cosas buenas, aunque no sean las más convencionales.

En segundo lugar, lo que es en realidad el objetivo de este post: También me gustarí a mí que otros me hagan conocer nuevas cosas, nuevas bandas, nueva música (aunque no sea tan "nueva" en cuanto a la época). Por eso, quiero lanzar algo así como un "Programa Jóvenes Progresionales de cd-boxset" (?). En resumidas cuentas: sería interesante que todo aquel usuario (o no) de cd-boxset que tenga o conozca algún disco o banda que crea que debería estar en el blog, y que lo quiera compartir con todos nosotros, nos lo envíe, así lo posteamos para compartirlo con el resto de los usiarios del blog (y de internet en general.)

La metodología: Enviar un mail a cdboxset@gmail.com con los siguientes datos:

-Nombre del artista y del disco
-Link de dónde bajarlo (en la barra lateral tienen un par de sitios donde pueden subir archivos)
-Cover frontal del disco (de ser posible, no menor a 300 x 300 px)
-Lista de temas
-Pequeña reseña (si no hay ningún post anterior de la banda, incluir una pequeña biografía)
-Peso del archivo (.rar o .zip)

¿Que discos? Puede de ser cualquiera de los estilos que ven en la lista de etiquetas, aunque se aceptan sugerencias de otros estilos, ligados a estos, que aun no hemos tenido en cuenta en el blog; sin importar época, idioma de las composiciones, ni género y/o preferencia sexual de los compositores (?). Otra es enviar discos que puedan ser considerados como antecedentes directos de todo lo que venimos posteando.

Una vez recibido el e-mail, lo escuchamos, y si tenemos los criterios unificados con el que envió, lo posteamos en cuanto sea posible.

Cualquier duda, pueden enviar un mail.

Espero que la movida les interese y que podamos armar una interacción copada!

Saludos!

25 de enero de 2008

Serú Girán - Serú Girán


01. Eiti Leda
02. El Mendigo En El Andén
03. Separata
04. Autos, Jets, Aviones, Barcos
05. Serú Girán
06. Seminare
07. Voy A Mil
08. Cosmigonón

Serú Girán fue una banda de rock sinfónico, nacida en 1978, en Buenos Aires, Argentina, de la mano de Charly García, quien luego de la separación de su banda anterior, La Máquina De Hacer Pájaros, viaja a Brasil junto al guitarrista David Lebón, con la intención de escribir material para un nuevo disco. Ya de vuelta en Buenos Aires, García conoce a un jóven bajista, Pedro Aznar, que lo sorprendería con su manera de tocar, fuertemente influido por Jaco Pastorius. Finalmente, contacta a Oscar Moro, quien había tocado la batería en La Máquina De Hacer Pájaros.
Luego de escasos 4 años de carrera, y 5 discos editados, en 1982, Aznar decide dejar la banda para irse a estudiar al Berklee College Of Music. Luego de su despedida, las multiples desaveniencias dentre el resto de los integrantes del grupo acerca de cómo reemplazar al virtuoso bajista terminan por disolver definitivamente lo que sería una una de las más importantes (la más importante) bandas del género originarias de Argentina.

De un juego de palabras inventadas, nace el nombre de la banda, que le daría también nombre al primer disco, de ese mismo año, 1978: Serú Girán.
En el momento de su lanzamiento el disco no tuvo demasiado éxito: La banda se enfrentaba a un público escéptico, que, más allá de himnos como Seminare o Eiti Leda, no terminaba de comprender la dirección del grupo, ni se permitían darle la oportunidad de demostrarla. La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que del grupo apuntaban mucho más alto que las del resto de los músicos argentinos de ese momento. El resultado final del disco fue algo así como una fusión de jazz rock, rock sinfónico progresivo y música brasilera. El disco contaba, a su vez, con la colaboración de una orquesta de 24 músicos, a cargo de Daniel Goldberg, que participó en algunos temas como Serú Girán y Eiti Leda; este último, compuesto por Charly García a sus 17 años, se convertiría en uno de los himnos y marcas registradas de la banda.

No puedo decir muchas más cosas técnicas. La emoción me invade de sólo pensar en ofrecerles esta joya, rock sinfónico progresivo de primer nivel, de MI PAÍS, ARGENTINA, donde la actualidad musical (al menos la música popular) generalmente me pone de MUY mal humor, despertándome los más bajos instintos asesinos.

Steve Hackett - Please Don't Touch


01. Narnia
02. Carry On Up The Vicarage
03. Racing In A
04. Kim
05. How Can I
06. Hoping Love Will Last
07. Land Of A Thousand Autumns
08. Please Don't Touch
09. The Voice Of Necam
10. Icarus Ascending


Buscando info biográfica sobre Steve Hackett encontré una frase muy elocuente:

"Si Genesis perdió su cerebro cuando Peter Gabriel dejó la banda, cuando se fue Steve Hackett muy probáblemente haya perdido su corazón"

No sé quién es el artífice de la frase, pero no podría estar más de acuerdo. Hay otra cosa: no entiendo a aquellos que consideran a Phil Collins "el genio creador" de Genesis... pero esa es una discusión para otro momento y lugar.

Steve Hackett nació en Gran Bretaña en 1950, y ya desde niño tuvo acceso a varios instrumentos, aunque no se interesó por la guitarra hasta los 12 años de edad, momento en que comenzó a experimentar tocando notas aisladas. Para los 14 aprendió a formar acordes y combinarlos sin recibir enseñanza alguna. De oido, como se suele decir.
Ya desde sus primeros pasos en el mundo de las bandas, se acerca y toca en agrupaciones de rock progresivo, como Canterbury Glass, Steel Pier y Sarabande. En 1970 realiza su primera grabación profesional con la banda Quiet World en el álbum titulado The Road. Ese mismo año se une a Genesis, al responder a un anuncio clasificado en la revista Melody Maker.
Luego de 8 álbumes, Hackett comienza a sentirse frustrado con la orientación de la banda, ya que no puede llevar a cabo sus ideas y varias de sus composiciones son rechazadas. En 1977, tras la publicación de Wind & Wuthering, decide abandonar el grupo.
En sus trabajos posteriores se aprecian varias etapas: una primera de rock progresivo y experimental, seguida por otra en la que desarrolla temas más pop y accesibles. Posteriormente, Hackett explora su interés por el repertorio de guitarra clásica y el blues. En los últimos años, alterna discos de influencia clásica con otros más rockeros y enérgicos.

Please Don't Touch, de 1978, es su segundo disco como solista, habiendo ya dejado Genesis. (su primer trabajo, de 1975, lo graba estando aun en la banda).
Ya completamente desvinculado de Genesis, el estilo propio de Hackett comienza a desarrollarse cada vez más, dando en este segundo trabajo un giro muy marcado: deja un poco de lado el estilo introspectivo y algo más oscuro de la banda, en pos de canciones más cortas y con más presencia de voces, en comparación con el disco de 1975.
En este disco se puede encontrar de todo un poco: progresivo marcado y de ley, canciones que con tintes más pop, alguna que otra pieza o sección integramente acústica, donde Hackett hace gala de sus capacidades como guitarrista clásico, e incluso una pieza en la que una flauta recorre una hermosa melodía al mejor estilo juglar sobre una única base de guitarra acústica. Así y todo, es otro gran momento de esta gran obra.

Accedí a la escucha exhaustiva de este disco gracias a un amigo (Garrison, el mismo que me recomendó publicar el primer disco de Gentle Giant), y la verdad es que debo agradecerle por haberlo hecho, ya que me encontré con una pieza única, inigualable. Una pieza que es un DEBER tener y escuchar.

Iceberg - Coses Nostres


01. Preludi I Record
02. Nova (Música de la Llum)
03. L'Acústica (Referència D'Un Canvi Interior)
04. La D'En Kitflus
05. La Flamenca Elèctrica
06. A València
07. 11/8 (Manifest De La Folla)

Iceberg fue una banda de rock progresivo formada a mediados de los años 70' en Barcelona, España, por Max Sunye (guitarra), Josep Mas Kitflus (teclados), Primi Sancho (bajo) y Jordi Colomer (batería). Contaban también con un vocalista, Angel Riba, aunque con escasas participaciones, ya que en general, sus trabajos eran instrumentales. A pesar de su corta carrera, que no duró más de unos cinco o seis años (entre 1975 y 1979/1980), históricamente, Iceberg es considerada aún como una de las mejores- sino la mejor- banda de rock progresivo que la escena española dio a conocer.
El estilo de la banda se puede dinstinguir como claramente jazzero, con continuas conversaciones entre guitarras y teclados, dando como resultado una homogenea mezcla entre fusión y rock sinfónico progresivo del más fino y enérgico.

Coses Nostres es definitivamente no sólo su disco más más popular, sino también el más elaborado y complejo. diría EL MEJOR, pero pecaría de subjetivo... aunque es EL MEJOR. Editado en 1976, en Cosas Nostres se distingue un claro énfasis en el jazz rock/fusión, a diferencia de su primer trabajo Tutankhamon (nétamente progresivo sinfónico), quedando algo relegada- aunque no desaparecida- la veta más progresiva y sinfónica.
Predominan en el disco entonces las secciones de jazz-fusión que recuerdan a Return To Forever o Camel, momentos de folklore catalán,y sutiles toques progresivo sinfónicos, siendo en general piezas de larga duración, de entre 7 - 8 minutos, promedio.
Finalmente, son destacables las actuaciones individuales de cada uno de los músicos cuando es el caso, sin perder en ningún momento la capacidad de ser un todo coherente y armónico.

Músicos Fenomenales + Composiciones Fenomenales = Disco Fenomenal. Una fórmula que no puede fallar.

24 de enero de 2008

The Flower Kings - Retropolis


01. Rythm Of Life
02. Retropolis
03. Rythm Of The Sea
04. There Is More To This World
05. Romancing The City
06. The Melting Pot
07. Silent Storm
08. The Judas Kiss
09. Retropolis By Night
10. Flora Majora
11. The Road Back Home

Luego de lanzar el álbum The Flower King, el guitarrista sueco de rock progresivo Roine Stolt forma The Flower Kings como la banda que lo acompañará en el tour presentación del disco. Gracias a una evidente empatía y química, deciden mantener la banda en funcionamiento, de manera independiente, incluso después del tour que les dio origen. Con el correr de los años, The Flower Kings edita más de 10 discos de estudio, otros tantos en vivo, e incluso un dvd en dicho formato.
Quizás la mejor definición que se pueda hacer para la banda des la de rock sinfónico progresivo, haciéndose manifiesta más de una vez la gran influencia de agrupacios como, por ejemplo, Yes. Por otro lado, se puede observar una gran presencia de elementos de jazz y fusión. En cuanto a las letras, son en generar letras positivas, que hablan del amor, paz y espiritualidad, siendo la mayoría del material, tanto letra como música, escrito por Roine Stolt, con la eventual contribución de Tomas Bodin (teclados).

En 1996 The Flower Kings lanzan Retropolis, segundo trabajo de estudio de la banda (sin contar The Flower King, trabajo solista de Stolt), en el cual se puede notar muy claramente esta influencia de grupos del progresivo sinfónico clásico, como es el caso de Yes, e incluso, en algunos temas, Pink Floyd, contando incluso con un sonido y estilo muy similares. Sin embargo con una identidad y sonido propios, que no se confunden en lo más mínimo con sus maestros. Un trabajo realmente impecable, tanto en lo musical como en lo técnico.

Es un disco al que, debo reconocer, primero no le presté mucha atención. Estaba en mi lista de reproducción, y sonaba cuando le tocaba. Lo cierto es que un día, mientras sonaba de fondo, algún sonido, o alguna línea melódica me llamó la atención como por arte de magia; se me pegó y ya no pude dejar de escucharlo, descubriendo lo que realmente el álbum tenía para ofrecerme. Mea culpa, mea culpa. Me disculpo con los Reyes de la flor por no haberles dado pelota antes. Así que esta publicación es, ante todo, una suerte de homenaje a esta sensacional banda de rock progresivo sinfónico. Sobre todo, porque es a partir de este disco que me interesó conseguir el resto de sus trabajos.

23 de enero de 2008

Henry Cow - LegEnd


01. Nirvana For Mice
02. Amygdala
03. Teenbeat Introduction
04. Teenbeat
05. Nirvana Reprise
06. Extract from "With the Yellow Half-Moon and Blue Star"
07. Teenbeat Reprise
08. The Tenth Caffinch
09. Nine Funerals Of The Citizen King
10. Bellycan

Henry Cow fue formado a finales de la década del 60 en la Universidad de Cambridge, Inglaterra, por los multinstrumentistas Fred Frith y Tim Hodgkins. Su música, generalmente compuesta por elementos ajenos al rock convencional, como el jazz, el dadaismo o la música expresionista, dando lugar y liderando el movimiento llamado Rock In Oposittion- formado por varias bandas y músicos que exploraban hasta el infinito las posibilidades estilísticas que ofrecían el rock y el blues a la música académica y experimental, movimiento que se define por ser una manera singular de hacer rock progresivo: complejo, disonante y libre-, movimiento iniciado por su baterista, Chris Culter. Todos los integrantes de Henry Cow colaboraron también, en algún momento, con distintas agrupaciones de la Escena de Canterbury.
Como pioneros en lo que respecta a la escena británica del rock experimental de finales de los 60', lograron forjar un estilo e identidad propios, que supieron mantener a través del tiempo, logrando, sin embargo, un estilo único y distinguido entre un álbum y otro. Así, a pesar de su corta carrera (10 años), la banda es hoy en día reconocida como una una de las agrupaciones más importantes del rock experimental británico.

LegEnd (que se lee Leg End) de 1973, es el primer trabajo editado por la banda, así como el más accesible, y por cierto, hace que la banda tenga un gran comienzo.
El sonido se puede definir como una amalgama entre el jazz, el rock experimental y la música clásica moderna. Sin embargo logra una globalidad bien homogenea y para nada perturbadora, a pesar de la aparente disonancia de algunas melodías, sumado a la utilización de instrumentos poco convencionales en el rock, como cornetas, violines, alguna que otra gaita, entre otros.

Otra banda y disco que se pueden ubicar dentro de los antecedentes inmediatos del rock progresivo experimental actual. Banda y disco que por cierto les ha dado más de una idea a muchos exitosos músicos actuales.

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Agitation Free - 2nd


01. First Communication
02. Dialogue & Random
03. Laila, Part 1
04. Laila, Part 2
05. In The Silence Of The Morning Sunrise
06. A Quiet Walk
07. Haunted Island

Agitation Free nacio en Alemania a finales de los años 60' (en 1967, más específicamente), formando parte de la vertiente más experimental del rock progresivo hasta el dia de hoy: el Krautrock (aunque en la actualidad se suele llamar así a cualquier banda del género que provenga de Alemania), un estilo que si bien es muy cercano al rock psicodélico, se distingue de este en el énfasis en arreglos electrónicos, el uso exhaustivo de sintetizadores, la manipulación del sonido y la utilización de patrones repetitivos e hipnóticos. Un género que podría ser definido como anárquico, intenso, telúrico, nocturno, ácido, espacial y oscuro; una aventura orínica a través de la música. Siendo uno de los antecedentes clave de la música progresiva actual.
El nombre Agitation Free, tal como el género que comenté arriba, tiene también sus curiosidades. Ante la dificultad de encontrar un nombre para el grupo que los satisfaciera, decidieron elegirlo por medio de un simple ejercicio: Abrir un diccionario y elegir una palabra al azar. La palabra elegida fue Agitation, y ese fue el nombre de la banda durante un tiempo. Pasado un tiempo, y luego de una larga reflexión, decidieron agregar a su carta de presentación la característica que creían definía sus presentaciones en vivo, Free (libres). Matemática pura: Agitation + Free = Agitation Free (?).
Luego de unos pocos trabajos de estudio en 1974 la banda se separa, para volver a reunirse más de 10 años después, en 1998, para editar en 1999 un nuevo trabajo: River Of Return. Para disolverse luego definitivamente.

2nd, es, elocuentemente, el segundo álbum de estudio de la banda, lanzado en 1973. Integramente instrumental, como el resto de los trabajos del grupo, un vuelo completo. Sonidos atmosféricos, cuasi espaciales- aunque nunca estuve en el espacio, debería sonar así (?)-, líneas melódicas repetitivas, más no monótonas, sonidos agradables y ambientales aunque por momentos disonantes. Pero es gracias a esa constante repetición de sonidos fácilmente asimilables, que se torna en una secuencia cuasi hipnótica, capaz de dejar al oyente en el más profundo estado de relajación, situación que se percibe desde el comienzo con First Communication, pasando por ambas partes de Laila, dando un tranquilo paseo (A Quiet Walk) para llegar a la isla embrujada (The Haunted Island), donde el encantamiento se hace sentir.

Un disco que realmente vale la pena escuchar. Un disco para cuando buscamos calidad y tranquilidad, para cuando buscamos uno de esos discos que podemos poner a tocar de fondo sin que nos distraigan, sin llamar nuestra atención, pero que a la vez genera/mantiene el estado alfa en el que nos encontramos, y logra quedar grabado en nuestros oidos sin que nos demos cuenta.

22 de enero de 2008

Gentle Giant - Gentle Giant


01. Giant
02. Funny Ways
03. Alucard
04. Isn't Quiet And Cold?
05. Nothing At All
06. Why Not?
07. The Queen

Gentle Giant se forma en 1970 en Inglaterra de la mano de los hermanos Shulman, luego de disolver su banda anterior, Simon Dupree and The Big Sound, siendo etiquedos ya desde sus comienzos como una de las bandas de rock progresivo más experimentales y eclécticas de la década del 70', sobre todo en los primeros tres o cuatro años de la banda. Para 1974, cuando ya contaban con más seguidores en los Estados Unidos, comenzaron a simplificar sus composiciones, para tornar su música más accesible y tener, por ende, más llegada a todo tipo de públicos.
Alrededor de 1977, en Inglaterra comienza a tomar forma la movida punk, que dominará la escena hasta principios de los 80', momento en que Judas Priest se encargará de recuperar el podio para el rock y heavy metal. Gentle Giant simplifica entonces más aun su música para volverla más comercial y vendible. Siguiendo con esta tendencia, en 1979 la banda se muda a Estados Unidos, donde graban lo que será su último álbum, Civilian, luego del cual la agrupación se disolverá definitivamente.
Durante este corto lapso de 10 años, graban 12 álbumes, siendo los más exitosos los de la etapa 1974-1976, en especial The Power And The Glory (1974) y Free Hand (1975), llegando ambos al puesto no. 50 en las listas de popularidad en Estados Unidos.
La historia (iba a decir oficial, pero en realidad es la que me contaron a mí y deseo con toda mi alma que sea cierta), decía, la historia cuenta que el grupo, en sus primeros años no lograba tener éxito alguno (lo cual explica entonces la inmedianta simplifación de su música, en pos de la accesibilidad a un público más numeroso y menos crítico), y contaban, literalmente, con un fan. Un viejo excéntrico y adinerado, al mejor estilo Montgomery Burns, que se encargaba de los caprichos de la banda, dándoles con su ayuda (sobre todo económica) la oportunidad de durar en el tiempo y lograr algún éxito.
Todos estos datos, en general, me hacen tener de alguna manera una imagen un tanto crítica, negativamente, en el sentido de "restar en calidad en pos de la rentabilidad", pero por otro lado, los discos que van desde los comienzos de la banda, en 1970, hasta aproximadamente 1977 son realmente requeterecontra escuchables y recomendables, por lo cual, voy a olvidarme un poquito de la movida comercial, ya que en definitiva, importa que como músicos hicieron un gran trabajo, aunque sea en sus comienzos. Lo curioso es que a partir de que la banda comienza a lograr cierto éxito comercial, es cuando comienza a decaer, llegando a un deceso bastante precoz.

El disco que aquí les presento, Gentle Giant, es su primer trabajo de estudio, editado exactamente en el año 1970. Es por lo tanto su trabajo más experimental y ecléctico, y diría el más puro, ya que en él no existe otro propósito que el de expresar musicalmente lo que le ocurre a cada miembro del grupo, en definitiva, el objetivo primero y último de toda creación artística que se precie de serlo (de serlo realmente, no como argumentación, no como un articismo discursivo). Disco que escapa totalmente a todo objetivo comercial o publicitario, cuestión que se manifiesta de manera explícita en cada uno de sus temas: simplemente da la sensación de que les importara un huevo hacer algo escuchable o no, vendible o no, accesible o no, sino que más bien les interesa hacer lo que saben y pueden hacer con las herramientas que tienen.
Un sonido bien característico- tanto de la banda como de la época- líneas melódicas intrincadas y trabadas e instrumentaciones totalmente insólitas, pasando desde lo más asonante y disimil, hasta temas complétamente armónicos y emotivos, y logrando sin embargo un todo coherente y completamente disfrutable, generando en cada pasada más ganas de seguir disfrutándolo.

En fin, un disco que no se debe dejar pasar, uno de esos que se pueden nombrar tranquilamente como antecedente inmediato del género, a la vez que se encuentra de lleno en este.

Age Of Nemesis - Terra Incognita


01. Free Of Life
02. Meeting With The Unbelievable
03. The Land Of Light
04. The Secret
05. Another Existence
06. Inner Fire
07. Inferno
08. Someone Must Take The Blame
09. Forgive Me My Foolish Crime
10. Why?
11. Bleeding Moon
12. Plummeting Into Eternity

Age Of Nemesis se formó en Hungría- con el nombre Nemesis- en 1997, fuertemente influenciada por la escena del metal progresivo de esa época, sobre todo por bandas como Dream Theater y Symphony X, representantes indiscutibles del género, sobre todo a mediados de los 90'.
En el año 2001, a partir de una nueva formación del grupo, el australiano Peter Linka traduce las letras de la banda al inglés (hasta el momento sólo componían en húngaro), y comienza a trabajar bien de cerca junto a la banda, dando lugar así a la re-grabación y re-mezcla de todo el material anterior para editarlo en inglés con la idea de abordar el mercado angloparlante. Así casi todo el material de la banda puede encontrarse en ambos idiomas (lo de poder encontrarlo es una metáfora... digamos que, al menos, existe- o existió- en ambos idiomas)
En agosto del 2005, luego de varios discos editados, recambios de miembros, e interminables complicaciones judiciales debido a que existían alrededor de nueve agrupaciones con el mismo nombre- Nemesis-, deciden cambiar su nombre a Age Of Nemesis, y firman contrato con el sello americano de metal Magna Carta, con el proyecto de lanzar el material en inglés aun no editado.

En cuanto a Terra Incognita, la primera versión, en húngaro es lanzada en la tierra natal de la banda en el año 2002, para luego, en el 2003 ser re-grabado en inglés. Luego, en el año 2007, es relanzado, también en inglés, pero ya bajo el sello Magna Carta, siendo el 3er álbum en inglés de la banda y el 2do con la nueva formación y nombre.
Es un disco conceptual, en el que se desarrolla una única historia, escrita por el guitarrista Zoltan Fabian, acerca del más allá de una muchachita que ha pasado a mejor vida. Historia relatada no solo mediante las letras, sino perfectamente acompañada con elocuentes líneas melódicas y sorprendentes instrumentaciones, convirtiéndose en una parte más de la historia y logrando generar climas claramente delimitados, y perfectamente acoplados con cada parte del relato.

En cuanto a lo técnico, sí, es cierto es más que clara la influencia de Dream Theater y Symphony X, sobre todo el Dream Theater o Symphony X de mediados de los 90', cuando Age Of Nemesis se formó, por lo que encontrarán bastante shredding y solos gloriosos, al mejor estilo John Petrucci, y un sonido bastante similar al que podemos escuchar en cualquier disco de Symphony X. Pero todo el disco logra dejar bien claro que es solo una influencia y no una mera copia, ya que logran dar a toda la pieza un sello distintivo que los identifica como una agrupación con una personalidad integra y un objetivo bien claro a seguir.

Como bien lo dice su nombre, este álbum nos sumergue en una tierra desconocida. Donde habrán elementos que ya todos conocemos como árboles, casitas, cielo, y tierra... pero en definitiva, una tierra recién descubierta (o redescubierta) dispuesta a ser explorada una y otra vez, en busca de nuevas sensaciones.

21 de enero de 2008

Dream Theater - Systematic Chaos


01. In The Presence Of Enemies, Pt. 1
02. Forsaken
03. Constant Motion
04. The Dark Eternal Night
05. Repentance
06. Prophets Of War
07. The Ministry Of Lost Souls
08. In The Presence Of Enemies, Pt. 2

Corre el año 1985. Un nuevo año lectivo comienza en Berklee College Of Music, cuna habitual de grandes promesas de la música contemporánea. Dos jóvenes estudiantes, John Petrucci y John Myung, deciden formar un grupo musical, pero hay un problema: sólo son dos, un guitarrista (Petrucci) y un bajista (Myung). Por una de esas casualidades de la vida, mientras pasean por los pasillos de la reconocida y aclamada institución, escuchan el sonido de una batería, que proviene del interior de una de las múltiples salas de ensayo que los rodean. La habilidad del ejecutante los deja atónitos, y sin dudarlo un momento, le proponen unirse a su proyecto de banda. Es así como queda formada la primera alineación de lo que unos años más tarde será Dream Theater: John Petrucci en guitarra, John Myung en bajo, y finalmente, Mike Portnoy en batería. Majesty acababa de nacer. Al trio se sumarían luego Chris Collins en la voz y Kevin Moore en los teclados, para dar a la banda una forma más acabada y completa. Así, con el correr de los años la banda cambiaría varias veces de tecladista y algunas tantas de vocalista, pero manteniendo siempre, y hasta la actualidad, la alineación original Petrucci-Myung-Portnoy.
Al poco tiempo Chris Collins deja la agrupación, aduciendo diferencias creativas con los otros miembros del grupo, por lo que en busca de un nuevo vocalista, llegan a dar con Charlie Dominici, mayor y con más experiencia que cualquiera de los integrantes de la banda. Charlie queda rapidamente integrado a la banda, aportándole sobre todo, y gracias a su experiencia previa, estabilidad, constancia y compromiso, gracias a lo cual la banda comienza a tocar en varios shows, en NYC y alrededores, consiguiendo un monto considerable de seguidores, si tenemos en cuenta que se trataba de una banda sin disco alguno editado en el mercado.
Para 1986 sale a la venta la colección de demos bautizada hoy, en retrospectiva como The Majesty Demos, con un lote inicial de 1000 unidades que se agotó por completo al cabo de seis meses, y copias caseras de cassette se esparcieron como fuego descontrolado en la escena del metal progresivo alrededor del mundo.
Poco tiempo después un grupo de jazz de Las Vegas, también llamado Majesty amenazó con acciones legales por infringimiento de propiedad intelectual en relación al uso de su nombre, por lo que la banda se vio forzada a cambiar su nickname. Luego de varios intentos, Portnoy sugirió el nombre de un teatro de su ciudad natal, Monterrey, California: Dream Theater fue el flamante elegido.
A partir de este momento la banda se concentró en escribir más y nuevo material, editando así, para 1989 su primer trabajo de estudio: When Dream And Day Unite. Durante la gira promocional del disco, Charlie Dominici es despedido de la banda por diferencias personales y creativas con el resto de los integrantes. Y es así que luego de una exhaustiva búsqueda dan con el vocalista canadiense James Labrie, cantante de la banda de glam rock Winter Rose.
Para ahora resumir un poco, luego del recambio de varios tecladistas, en 1999 se une a la banda el virtuoso Jordan Rudess, dando lugar a partir de ese momento, y con el lanzamiento de Metropolis Pt.2: Scenes From A Memory, por un lado al mejor y más elaborado y aclamado disco de la banda y por el otro, a la formación más estable y constante con que contaría la banda, siendo la misma que se desempeña en la actualidad: John Petrucci (guitarra), John Myung (bajo/stick), Mike Portnoy (batería/percusión), Jordan Rudess (teclados/sint./slide guitar) y James Labrie (voz/pandereta (?), siendo hace algunos años y en la actualidad la banda más influyente y reconocida en lo que a metal progresivo se refiere. Referente inevitable, no sin razones, al hundirse en la discusión y puesta en común del género.

Aprovechando el gran suceso de la venida de Dream Theater a Sudamérica durante el mes de marzo del corriente 2008, les traigo la razón de su gira (para chequear las fechas de cada país pueden visitar http://www.dreamtheater.net/tourdates.php#2008sa)
Systematic Chaos, del año 2007, es el noveno disco de estudio editado por la banda (aunque muchos lo cuentan como el décimo, tomando en cuenta A Change Of Seasons, EP de 1995, como álbum de larga duración). A diferencia del resto de trabajos de la banda, Systematic Chaos cuenta con la particularidad de ser el primero que es editado por Roadrunner Records, discográfica elegida por tres años consecutivos como "mejor sello de metal" por Metal Hammer en sus premios Golden Gods.
Acá, como de costumbre, vendría la descripción del disco. Por suerte, buscando información, encontré algunas palabras del mismo Portnoy que traducen perfectamente todo y agrega más a lo que podría decir yo de este maravilloso trabajo. En una entrevista para la afamada marca de baterías Tama, Portnoy describe el álbum como:

"Técnico y pesado, poderoso y dinámico - Todos los elementos que los fans esperan de un álbum de Dream Theater. Todos los estilos y sonidos están intactos, pero quisimos hacerlo como una gran explosión sonora. Es muy dramático y agresivo."

Complétamente de acuerdo, y agregaría algo más: el sonido del disco se torna menos crudo y áspero que en los anteriores, para tomar una forma más moderna y flexible. Lo cual, como bien dice Portnoy, si, mantiene el estilo y sonido, pero lo torna quizás más accesible también a los no-fanáticos de Dream Theater, o incluso del género.

Personalmente, un álbum que considero maravilloso, como no podía ser de otra manera.

Porcupine Tree - Deadwing


01. Deadwing
02. Shallow
03. Lazarus
04. Halo
05. Arriving Somewhere... But Not Here
06. Mellotron Scratch
07. Open Car
08. Start Of Something Beautiful
09. Glass Arm Shattering

Porcupine Tree nace en Inglaterra a fines de los 80' (más precisamente en 1987) de la mano de Steven Wilson (guitarrista, cantante, y compositor, tanto de letras como de la música). Su estilo no se puede encasillar en uno, sino que más bien es una mezcla de música psicodélica, rock progresivo, música ambiental y metal, como para nombrar los más evidentes. Por cierto, mezcla muy bien lograda. La agrupación nació como una broma: S. Wilson creo una banda de rock clásico complétamente ficticia, para la cual inventó también integrantes y como toda banda clásica, una gran historia en la que se incluían desastres mediáticos, grandes giras y presentaciones en los festivales rockeros más grandes del mundo. Asimismo, este original muchacho inglés preparó un cassette que no sólo contaba con grabaciones originales de esta banda (compuestos y grabados por él), sino también con un hermoso (o eso dicen) booklet de 8 páginas de lo más pro, al mejor estilo discográfica. Finalmente, envió copias de la cinta a distintas personas interesadas, llegando una de estas a la revista under inglesa Breakfast, donde se encontraban en planes de montar su propia discográfica y pidieron a Porcupine Tree su colaboración para una compilación de dedicada a bandas de rock psicodélico. El resto es historia: les fue re bien, regrabaron los temas ya con banda real formada, etc, y para 1991 salió el primer disco oficial de la banda como tal In The Sunday Of Life.

Ahora, acerca de Deadwing: este disco en particular me partió la cabeza desde el primer momento en que lo escuché. ¡Desde ese mismo momento que no puedo parar de escucharlo! Tiene fuerza, tiene música, tiene variedad, tiene sentimiento, y sobre todo, y lo que creo lo más importante en este caso (digo, el caso de comenzar a conocer a la banda), sintetiza perfectamente los distintos estilos que la banda fue recorriendo desde sus comienzos a fines de los 80' hasta la actualidad. Por eso a pesar de que es un disco del año 2005 (la banda cuena con 7 anteriores y uno posterior, lanzado en el 2007), creo que es lo más recomendable para una primera aproximación.

Lo fundamental del disco: Todo. Por un momento quise hacer un top ten, pero no me salió, basicamente por dos razones. 1) El disco consta unicamente de nueve canciones (cuac), y 2) Son todas imperdibles, impecables, sin desperdicio.

20 de enero de 2008

New Trolls - Concerto Grosso Per I New Trolls


01. Tempo: Allegro
02. Tempo: Adaggio (Shadows)
03. Tempo: Cadenza - Andante Con Moto
04. Tempo: Shadows (Per Jimi Hendrix)
05. Nella Sala Vuota, Improvvisazioni Dei New Trolls Registrate In Diretta

New Trolls es una banda única e inmejorable de la escena italiana del rock progresivo sinfónico. Fueron los primeros en intentar exitósamente realizar una fusión coherente y escuchable entre el rock progresivo sinfónico y la música clásica. Con todo lo que ello implica, lograron su cometido de manera más que exitosa, convirtiéndose durante gran parte de la década de los 70's en la banda más importante y representativa de Italia en materia de rock progresivo sinfónico.

A partir de 1973 la banda se separa en dos vertientes: Por un lado IBIS, que se volcará hacia el Hard Rock. Por el otro New Trolls Atomic Sytem, que seguirá con la línea progresivo sinfónica. Así, a lo largo de su carrera (aun existen, por cierto) han realizado numerosos cambios/adiciones de integrantes, así como también han recorrido innumerables estilos: rock progresivo sinfónico, hard rock, baladas pop hiteras, entre otras.

Concerto Grosso Per I New Trolls, de 1971, es su primer trabajo y el que los catapultó a la fama posicionándolos como LA banda italiana de rock progresivo sinfónico. En él se ponen de manifiesto todas estas características relacionadas con la fusión rock /música clásica, pero no a la manera del viejo y repetitivo metal neo-clásico, aquel que abunda en shredding y líneas melódicas robadas de los 24 Capriccios de Paganini, sino con el sello del más fino rock progresivo y sinfónico; impecable e inigualable.

De más está decir que cuando se comercializaron de manera voluntaria New Trolls dejó de ser lo que era en sus principios para ir decayendo paulatinamente y convertirse en algo así como los Bee Gees italianos. Por suerte, en el año 2004 algo del amor por la buena música salió a la luz y editaron una muy recomendable versión en vivo de este Concerto Grosso no. 1 de 1971 (hay 2 más), versión realmente agradable, ya que permite al oyente transportarse a la obra de 1971, pero con un sonido de lo más moderno, algo así como si hubieran remasterizado el disco en sonido digital 5.1.

Planet X - Quantum


01. Alien Hip Hop
02. Desert Girl
03. Matrix Gate
04. The Thinking Stone
05. Space Foam
06. Poland
07. Snuff
08. Kingdom Of Dreams
09. Quantum Factor

"El sonido de Planet X se ubica lejos de lo que se consideraría rock de radio FM, nuestra marca de tiempo más exótica es 4", dijo Virgil Donati, baterista de la banda.

Tras grabar un disco del mismo nombre (Planet X), Derek Sherinian (ex tecladista de Dream Theater) llevó a la banda de estudio a un proyecto a tiempo completo que contó con la participación del baterista Virgil Donati y el bajista Rufus Philpot, más diversos guitarristas invitados (Tony Macalpine en los primeros 3 discos). A la fecha, han lanzado 3 discos de estudio y uno en vivo. En cualquiera de sus canciones, es común escuchar literalmente docenas de cambios de tiempo. Las composiciones son estrictamente instrumentales, con ocasionales intervenciones habladas. En estrecha relación con el jazz, muchas canciones son solos extendidos, delimitados por cambios rítmicos o coros. Sin embargo, su sonido está totalmente distanciado de todo.

Arriesgando una definición etiquetadora, podría decir que esta banda hace algo así como jazz metalero progresivo (?)... bah, hacen jazz, hacen metal y hacen progresivo, todo junto y amontonado (se aceptan nuevas categorizaciones).

Quantum es su trabajo más reciente, lanzado en 2007, y cuenta con los guitarristas de fusión Allan Holdsworth y Brett Garsed (quien ya había tocado con Sherinian en su disco Planet X de 1999) y a los bajistas Jimmy Johnson y Rufus Philpot.

Pipo & Elo - Metropolis Pt.2: Scenes From A Memory


01. Regression
02. Overture 1928
03. Strange Déjà Vu
04. Through My Words
05. Fatal Tragedy
06. Beyond This Life
07. Through Her Eyes
08. Home
09. The Dance Of Eternity
10. One Last Time
11. The Spirit Carries On
12. Finally Free

Pipo & Elo son una parejita francesa que se dedica a realizar covers acústicos de temas de Dream Theater. Trabajos que se pueden encontrar en su sitio web y descargar sin ningún costo. Realmente no encontré mucha más información acerca de estos dos loquitos, pero la verdad que lo que hacen es realmente impresionante. Nunca pensé que iba a llegar a escuchar temas de Dream Theater en versión acústica tan bien realizados, y lo que es peor, nunca pensé encontrarlos hechos por otros, distintos de los integrantes de Dream Theater.

En cuanto al disco, Metropolis Pt.2: Scenes From A Memory, les puedo decir que es algo así como la obra maestra de Dream Theater. Scenes From a Memory es un álbum conceptual, que narra una única historia, acerca de un joven que mediante una hipnosis descubre y elabora su pasado, relacionado con el amor, el asesinato y la infidelidad de Victoria Page. Es considerado como el mejor disco de la banda, hecho "con mucho cariño", según las palabras de John Petrucci.

De todas maneras mi plan es subir más adelante el disco original de DT, y en todo caso realizar en ese momento una reseña más completa. Ahora lo que me interesa es compartir con todos ustedes este tributo acústico que es realmente una joyita. Como dije más arriba, se puede conseguir sin costo alguno en el sitio de Pipo & Elo, pero hay que bajarlo tema por tema. Acá se los dejo enterito de una vez, (bah, de dos veces, porque está en dos partes por cuestiones de hosting).

Para más info sobre los artistas: http://pipoelo.free.fr/

Descargar Parte 1 (42 mb)
Descargar Parte 2 (66 mb)

19 de enero de 2008

Jordan Rudess - The Road Home


01. Dance On A Volcano
02. Sound Chaser
03. Just The Same
04. Piano Medley
05. Piece Of The Pi
06. Tarkus

Me cuesta escribir sobre Jordan Rudess porque para hacerlo me debo poner de pie, y no es muy cómodo escribir en la pc estando en esa posición. De todas maneras, vamos a ver qué sale.
Según cuenta la leyenda (?) ya en segundo grado de la escuela elemental, el maestro de Rudess quedó profundamente sorprendido por su capacidad para tocar el piano. Gracias a esto fue que sus padres decidieron enviarlo a tomar clases con un profesional de la materia. Para los 9 años de edad el pequeño prodigio era admitido en la reconocida Juliard School of Music, en la división pre-universitaria, donde fue entrenado exhaustivamente en piano clásico. En su adolescencia Jordan comenzó a interesarse cada vez más por los sintetizadores y el rock progresivo, y en contra de la opinión y deseos de sus padres y tutores, se volcó de lleno a este género. Comenzó su carrera a medidados de los 80's colaborando como sesionista de distintos músicos, entre los que se cuentan, por ejemplo, Vinnie Moore, o el mismísimo David Bowie. Para 1994 ganó el reconocimiento y admiración a nivel internacional a partir del lanzamiento de su disco solista Listen.
Luego de lanzar, junto al baterista Rod Morgestein un sorprendente trabajo instrumental, el power duo fue llevado a girar junto a Dream Theater, banda que ya anteriormente le había ofrecido/pedido a Rudess que se les uniera como tecladista oficial, lo cual lo acercó cada vez más a la banda. Para 1997, cuando Magna Carta pidió a Mike Portnoy, baterista de Dream Theater que armara su equipo soñado de músicos para editar Liquid Tension Experiment, Rudess fue el elegido para ocupar las teclas en ambos experimentos. Así, para 1999, Jordan Rudess grababa con Dream Theater su primer disco a tiempo completo, Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory, quedando como tecladista oficial de la banda hasta la actualidad.

Por otro lado, a pesar de sus colaboraciones eventuales, proyectos aislados y su trabajo full-time con Dream Theater, nunca dejó de lado su carrera como músico solista. Así es que para fines del 2007 edita The Road Home, disco que se podría definir/resumir como de semi-tributos. Tributos, porque todos y cada uno de los temas son un tributo específico a bandas que han influido en su carrera y manera de tocar. Tenemos entonces, por ejemplo, Dance on a volcano (a Genesis), Sound Chaser (a Yes), Just the same (a Gentle Giant), Tarkus (a Emerson, Lake & Palmer). Por otro lado, lo de ser un Semi-tributo se debe a que todos y cada uno de los temas cuentan con una o más secciones íntegramente compuestas por Rudess, dándo a cada tema el toque original del ejecutante. Gracias a la estructura mencionada, este disco logra internar al oyente, por un lado en los sonidos y estilos más característicos de las bandas madre del género, mientras que por otro lado nos empuja a tener todo el tiempo presente que quien ejecuta de manera magistral es Rudess, con su estilo único, y sobre todo, inigualable.

Por otro lado, el disco cuenta con la colaboración de varios músicos del género, como es el caso de Rod Morgestein, Steven Wilson, Neal Morse y Bumblefoot, entre otros.

The Road Home nos habla de eso, del camino a casa, la vuelta a las raices, a la tierra madre. Y es un camino imperdible.

18 de enero de 2008

Faraz Anwar - Abstract Piont Of View


01. Through The Passage Of Time
02. Maze
03. Prophet
04. Don't Let Your Spirit Die
05. Last Summer
06. Why?

Bonus Track
07. Through The Passage Of Time (Live)

Faraz Anwar es un reconocido guitarrista de rock y metal progresivo nacido en Karachi, Pakistan en el año 1977. De hecho, es el músico y vocalista de este género más reconocido en su tierra madre, tanto por su producción instrumental- solista y como sesionista en diferentes proyectos (así comenzó su carrera en 1990)- como por su banda de metal progresivo Mizraab, la cual lidera como guitarrista y vocalista.

A pesar de que su amor por la música y sus ansias por convertirse en guitarrista nacieron luego de ver un video del virtuoso guitarrista de metal neo-clásico Yngwie Malmsteen, Faraz desarrolló sus capacidades mucho más allá de este género, demostrando ser un músico flexible y creativo- recorriendo géneros como el metal progresivo, jazz y fusión-, capáz de igualar sin esfuerzo (y diría que en muchos casos hasta superar) a ótros virtuosos (y con más carrera y reconocimiento que él) como Joe Satriani, Steve Vai, y sin duda alguna, al mismo Yngwie Malmsteen, fuente primera de su iniciativa (Por otra parte, Yngwie Malmsteen hace rato que se durmió en el atolondramiento y shredding de la escala menor armónica, sin intentar siquiera ir más allá, tornando sus discos monótonos y aburridos).

Abstract Point Of View es un disco que no puedo catalogar de ninguna otra manera que ESPECTACULAR (si me suelto un poquito puedo decir también 'sensacional', 'impresionante', 'de otro mundo', 'una bestialidad'). Placa que fuera lanzada en el año 2001 por Gnarly Geezer Records, sello perteneciente al virtuoso guitarrista de jazz y fusión Allan Holdsworh, y luego reeditada en el 2002 por Lion Music, es, en palabras del mismo Anwar "Una parte de mí: Algunas veces agresivo, algunas veces romántico". Y es un disco solista en sentido amplio, letra por letra: escribió todas y cada una de las composiciones musicales de principio a fin, y, no conforme con tocar la guitarra como lo hace, se encargó de programar y secuenciar el resto de los instrumentos. Cuando se le pregunta a Faraz por el por qué de no tocar el disco en vivo, su respuesta es "No hay artistas que puedan tocar en vivo las secuencias de bajo y batería del disco"

Yo no sé si será tan así, hay muy, muuuuy, MUUUUY buenos instrumentistas, tanto bateristas como bajistas, que probáblemente podrían con el desafío, hasta con un sabor de satisfacción en sus papilas gustativas, pero lo que sí sé es que este disco es una cosa de otro mundo, un imperativo categórico: HAY QUE ESCUCHARLO, es una órden.

17 de enero de 2008

The Mars Volta - De-Loused In The Comatorium


01. Son Et Lumiere
02. Inertiatic ESP
03. Roulette Dares (The Haunts Of)
04. Tira Me A Las Arañas
05. Drunkship Of Lanterns
06. Eriatarka
07. Cicatriz ESP
08. This Apparatus Must Be Unhearted
09. Televators
10. Cerpin Taxt

The Mars Volta, banda de rock estadounidense oriunda de El Paso, Texas, formada, o mejor dicho, mutada a partir de De Facto, grupo orientado al reggae, dub y ritmos latinos como la salsa y el merengue. Gracias al recambio e incorporación de nuevos miembros, la banda comienza a mutar en su estilo, dando lugar a un estilo propio que conjuga elementos básicos rock progresivo experimental, con el jazz, el punk y los ritmos latinos. Así, las largas secciones instrumentales de improvisación en sus presentaciones en vivo, el uso de recursos propios de la música ambiental en sus discos y las letras cínicas y crípiticas se perfilan como marcas registradas de la banda.

Luego de un primer trabajo en el año 2002, un EP desapecibido de nombre Tremulant EP, conformado por tres canciones, la banda sigue trabajando hasta editar en el 2003 su primer larga duración, De-Loused In The Comatorium, disco conceptual que cuenta la historia de Cerpin Taxt, un hombre que gracias a una sobredosis de morfina cae en un largo coma. Según distintas entrevistas a los intergrantes del grupo, el personaje del relato estaría basado en la vida de un amigo del grupo, Julio Venegas, que, efectivamente, estuvo largo tiempo en coma antes de despertarse, para suicidarse arrojándose al vacío desde un puente en El Paso una vez recobrado el conocimiento.

El disco en cuestión, cuenta con la colaboración de Flea en 9 de los 10 temas que lo conforman, y otro tanto de John Frusciante, ambos de los Red Hot Chilli Peppers, lo que le da un sonido bastante característico tanto en estilo como en calidad, logrando una conjunción bien coherente y correcta, que realmente da ganas de reescuchar. Por otro lado, una buena excusa para que los dos Red Hot se pongan a laburar un poco, tal como lo requiere cualquier proyecto relacionado con la música progresiva, y para que ambas bandas salieran de gira juntas.

El disco se convirtió automaticamente en un éxito comercial, quedando en los primeros puestos de varias listas alrededor del mundo, como uno de los mejores discos de ese año.

Durante la gira de De-Loused In The Cromatorium, Jeremy Ward, técnico de sonido y voces de la banda fue encontrado muerto gracias a una sobredosis de heroina, por lo cual fue cancelada la segunda parte del tour. Este suceso terminó de convencer al resto de los integrantes del grupo de dejar de consumir drogas. Inertiatic ESP, primer single del álbum fue dedicado a la memoria del fallecido Jeremy Ward.

¿Qué tal? un disco que no solo es de lo mejor sino que, además, viene con moraleja.

Spiral Architect - A Sceptic's Universe


01. Spinning
02. Excessit
03. Moving Spirit
04. Ocam's Razor
05. Insect
06. Cloud Constructor
07. Conjuring Collapse
08. Adaptability
09. Fountainhead

Tal como su nombre lo dice, Spiral Architect: Arquitectos del espiral. La música de estos noruegos enfermitos es matemática pura. Relojitos, como se dice. Saben dónde y cómo empiezan las cosas, conocen a la perfección las fórmulas adecuadas y el camino para desplegarlas, y finalmente, tienen perfectamente claro cómo terminar, pero sin cerrar, dejando siempre la figura abierta para una nueva vuelta, que repite la estructura disfrazada de distintos contenidos. Lo cual no quiere decir "cuadradez", sino más bien "perfección": Como dije antes, son relojitos bien programados, armados y concebidos por la mano del relojero más obsesivo. Metal al ritmo del metrónomo, que roza los bordes del math rock (Battles, Don Caballero), pero sin confundirse con aquel, manteniendo siempre las raíces del más fino y correcto rock progresivo.

A Sceptic's Universe, dado a luz en el año 2000, es el disco debut de la banda. Y sinceramente, cualquier cosa que pueda decir de este trabajo, ya la dije arriba. Puedo agregar que meten más notas en 30 segundos que las que meten muchas bandas en toda su carrera, y que sus temas constan de riffs intrincados y trabados, con voces y líneas melódicas armonizadas al mejor estilo Yes, lo cual da por momentos la sensación de ser una suerte de improvización de jazz con una voz metalera al frente.

Es cierto que no es un disco (ni una banda) para todos los oidos. Los menos técnicos quizás lo encontrarán incluso algo torturante y perturbador. De todas maneras, vale la pena escucharlo, personalmente, sin ser un músico técnico, lo considero un disco fundamental y muy recomendable, al menos como curiosidad vale la pena darle una oportunidad.

Kansas - Leftoverture


01. Carry On Wayward Son
02. The Wall
03. What's On Your Mind
04. Miracles Out Of Nowhere
05. Opus Insert
06. Questions Of My Childhood
07. Cheyenne Anthem
08. Magnum Opus

Kansas fue formado a principios de los años 70 a partir de la fusión de dos bandas preexistentes: Saratoga, grupo de Kerry Livgren (guitarra) y White Clover, ex agrupación de Phil Heart (batería). La banda comenzó como una simple banda de rock estadounidense sin demasiadas pretensiones, pero rápidamente fue comparada con gigantes del rock progresivo del momento tales como Genesis, Yes o King Crimson. Su secreto: Combinar el sonido y complejidad del rock progresivo clásico británico, con el espíritu e instrumentaciones propias de la música de su tierra, Topeka, Kansas: la música country. De esta manera, Kansas logra un estilo completamente nuevo y distinguido, algo así como un Country Progresivo Sínfónico, a la vez que logra ponerse a la par de las bandas más representativas de la escena progresiva de la época, sin tener nada que envidiarles.

El disco Leftoverture, editado en los Estados Unidos en 1976, siendo su tercer trabajo de estudio, marca un giro fundamental con respecto a los primeros dos: deja de lados las oscuras, intrincadas y largas suites, en favor de temas más cortos y accesibles, así como también más recordables y reconocibles, dando más lugar entonces al formato de canción, ganando en energía y permitiéndoles lograr el primer hit masivo: Carry On Wayward Son, pieza considerada, aún en la actualidad, elemento fundamental del rock progresivo clásico, sello indiscutible de la banda.

Así y todo, un disco fundamental, que a pesar del sello hitero, logra conservar las raices del género, transformándolo y empujándolo a una evolución de lo más positiva y agradable.

Emerson, Lake & Palmer - Trilogy


01. The Endless Enigma, Pt. 1
02. Fugue
03. The Endless Enigma, Pt. 2
04. From The Beginning
05. The Sheriff
06. Hoedown
07. Trilogy
08. Living Sin
09. Abaddon's Bolero

Formada en 1970 por el tecladista Keith Emerson (Ex The Nice), el bajista, guitarrista y cantante Greg Lake (ex King Crimson) y el multifacético baterisita Carl Palmer (Ex Atomic Rooster), Emerson, Lake & Palmer, o ELP (un dato curioso: iba a llamarse HELP, ya que incluiría en sus filas a Jimi Hendrix, pero su sorpresiva muerte truncó el proyecto) se consolidó como una de las bandas más representativas e influyentes del rock progresivo y sinfónico inglés de la década del 70', durante la cual gozó de un abrumador éxito, ganando varios discos de oro en EEUU e Inglaterra y generando la formación de una bandada de grupos que pretendían seguir sus pasos. Fue también a principios de esta época que ELP desarrollo y produjo sus mejores y más representativos trabajos: Emerson, Lake & Palmer (1970), Tarkus (1971), Pictures at an Exhibition (1971), Trilogy (1972) y Brain Salad Surgery (1973), separándose momentáneamente en 1974, para volver a reunirse en 1976, pero ya sin la intensidad y química de antes. ELP ya nunca sería lo que había sido.

Trilogy, de 1972 es contado dentro de las llamadas obras maestras de la banda. Disco orientado a la canción, sorprendentemente accesible a pesar de tratarse de un disco de rock progresivo. Con largas secciones instrumentales a cargo del sr. tecladista Keith Emerson, complementadas y equilibradas por la fuerza melódica y lírica de Greg Lake, y los inigualables arreglos percusivos de Carl Palmer, logran una vez más un todo completamente coherente, hiper accesible y que siempre deja con ganas de más.

Tan recomendable como los otros cuatro discos de esta etapa (los early seventies), otro de los que no pueden faltar ni en la discoteca ni en la charla de aquel quien ante la pregunta "¿qué música te gusta", proclama con el índice apuntando al cielo "el progresivo".

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