Chaneton - Questions Inside The Picture

01. Heroe's Graves

02. a) Bridge / b) Tears In The Rain

03. A Long Time Past

04. Dolphin's Song

05. The Last Dream

06. A Long Time Past (Fast)

07. Soul's Shapes

08. The Frontier

09. The Secret Box

10. Heaven's Sound

11. Aquatic Dreams

12. Questions Inside The Picture

Chaneton es otra de las bandas under argentinas que me han venido sorprendiendo en este últimop tiempo, a partir de que pude conocerlos en el festival Conceptuarg 2008. Aunque la banda cuenta en este momento con más de 10 años de carrera.

El grupo nace en diciembre de 1995, cuando el ex Mandrágora, Alex Chaneton, había decidido dejar su agrupación anterior por diferencias de índole musical. El nuevo proyecto se desarrolla primero de manera acústica, para luego ir tomando poco a poco la forma que hoy en día manifiesta. Según cuenta la leyenda (?), es en uno de los últimos shows de Mandrágora que Alex conoce a Patricio Villanueva, cantante en ese momento de Rapto de Europa, oportunidad en la cual le comenta de su idea de conformar una nueva agrupación. Entonces, Ricardo "Lancelot" Medina, quien fuera el promotor responsable de ese decisivo show, propone a los dos músicos una reunión a partir de la cual descubrirán el equilibrio perfecto que les permitiría desarrollar en todo su potencial el nuevo proyecto. Al poco tiempo, Patricio deja Rapto de Europa para dedicarse full time al nuevo y entusiasta proyecto junto a Alex.

Comienzan a tocar covers y temas propios en formato acústico, bajo el nombre de Los Juglares De Camelot, reclutando luego de algunas agradables experiencias a Adrián "Marques" Gómez, alumno de guitarra de Alex, quien ocupará el lugar de guitarrista rítmico, pero manteniendo siempre el formato desenchufado.

Al poco tiempo dos nuevos integrantes son incluidos en la formación: Willy Ingrassia (teclados), Kaito Barragan (batería), y el nombre de la banda cambia a Chaneton; esto debido a que la mayoría de los temas eran patrimonio de Alex, y que su nombre era el más conocido en el ámbito. Al poco tiempo, los dos más nuevos integrantes dejan el grupo, para ser reemplazados por Germán Lami (teclados) ex Rapto de Europa y Quique Gentille (batería), quienes también abandonan el proyecto al poco tiempo. Era necesario encontrar dos integrantes que se adaptaran de manera rápida y flexible a las exigencias y estilo del proyecto: Carlos Kleppe (teclados) y Jano Perez Sarmenti (batería), se acoplan a la banda en 1999. Así llegamos a la formación estable y actual de Chaneton, grupo que, gracias a su capacidad y habilidad, han sido teloneros de grandes bandas y solistas del género progresivo/sinfónico en sus visitas a la Argentina: En el año 2001, luego del lanzamiento de su primer disco, lo presentan en diversos lugares y tocan como invitados de grupos como: Par Lindh Project, Arena, Flowers Kings y Steve Hackett, Caamora, entre otros.

Questions Inside The Picture es el primer álbum de estudio de la banda, y sale a la venta en el año 2000, 5 años después de la formación de la misma, cuando, finalmente, logran una formación estable con la totalidad de los miembros decididos a mirar en una misma dirección, tanto en lo relativo al proyecto musical, como en lo relativo al proyecto de vida de cada uno de ellos. Y debo decir que este acuerdo implícito, este equilibrio y entendimiento mutuo da los mejores frutos, y puede interpretarse y percibirse inmediatamente en esta opera prima.

Questions Inside The Pictures pone el énfasis en los climas y variaciones dentro del estilo, siendo un trabajo que logra llevar al oyente en un interesante viaje que comparte variados altibajos tanto emocionales como musicales, y todo esto en el mejor sentido del concepto altibajo. Quiero decir que la banda tiene una capacidad y flexibilidad musical muy desarrollada y elaborada, que les permite jugar con todo tipo de sonidos e ideas, manipulando y generando climas que saben mantener en todo momento la expectativa, tanto en lo musical como en lo lírico, dando una sensación de placer e inquietud al mismo tiempo; sensación no que culmina, ni siquiera, una vez culminada la reproducción el disco.

En definitiva, Questions Inside The Picture, es un trabajo realmente excelente, serio y homogeneo, que, dentro de su homogeneidad logra una ilimitada heterogeneidad que nos lleva de paseo por los rincones más recónditos de nuestro y su Ser.

Gerard - Pandora's Box

1. Pandora's Box

2. Analysis of Life

3. Chaos

4. Siren in the Mysterious Sea

5. Delirium

6. Freedom

Como lo había anticipado, otra niponada. En este caso hablo de Gerard, banda a la cual me referí más de manera alusiva que directa algunos post atrás.

Gerard nace luego de que el gran tecladista japonés Toshio Egawa decidiera dejar la legendaria (al menos en lo que respecta al ámbito nipón) banda de rock neo progresivo Novela, para ampliar sus horizontes y dar a conocer al mundo de lo que era capaz, poniéndose, quizás sorpresivamente, a la altura de los más grandes tecladistas del género hasta ese moment (Rick Wakeman, Keith Emerson, Eddie Jobson, entre otros). Recluta entonces algunos músicos de la ostia, como es el caso del guitarrista Yukihiro Fujimura, y se lanza al ruedo nomás.

Así, desde el mismísimo primer lanzamiento de la banda en 1984, comienza a quedar claro que Gerard será uno de los grupos más significativos e influyentes de la escena japonesa del rock progresivo y sinfónico.

En cuanto al sonido y estilo, en líneas generales se puede decir que Gerard es una banda clásica, fiel a los más básicos axiomas del rock neo progresivo (lo cual no es raro tratándose de una banda ideada por un tecladista). Contando entonces con este característico sonido tan conocido por los amantes del género, Egawa, para variar, da un toque personal y exclusivo que hace que, a pesar de ser una banda más del género, sea LA banda más, generando un quiebre fundamental con lo que se venía escuchando, primero en el Sol naciente, y luego en el mundo.

Los temas de Gerard cuentan con largas secciones instrumentales (cuando no lo son completamente), plagadas, claro está, de complejas y armónicas líneas melódicas lideradas general y alternativamente por el teclado y/o la guitarra, siendo de alguna manera la voz, (eventualmente) el instrumento que haría las veces de solo. Entonces, a pesar de, en apariencia, encontrarnos con algo que nada nuevo aporta, al ir escuchando los distintos trabajos, arreglos y melodías, vamos descubriendo un paisaje al que, a pesar de haber estado siempre a la vista, nunca habíamos prestado atención. Gerard logra imprimir un toque (enorme) de originalidad sin salir, sin embargo, de los límites más standarizados (y esto, contrariamente a lo que parece, es bueno, BUENISIMO). Una vez más, una banda experta en la reinvención de sí mismos y del geénero.

Pandora's Box es lo que, personalmente, llamo una obra de arte.

Todas y cada una de sus canciones tienen algo para decirnos, aunque, en lo literal, no digan nada. Son melodías extraviantes y enérgicas, y de alguna manera engañosas, que, llevándonos por caminos conocidos, nos empujan, poco a poco y sutilmente, a lugares desconocidos, profundos, propios de nuestro espíritu, de nuestra propia alma, de esa esencia a partir de la cual el arte toma forma.

Entonces, para ir sintetizando, puedo decir que nos topamos acá con una de las mejores bandas de neo progresivo que ha existido. Una banda en la que palpitan los corazones de Yes, Genesis, Emerson Lake & Palmer y todos esos clásicos que la hicieron nacer, pero que a la vez, se hunde en sus raices niponas, poniendo toda su disciplina, todo ese arte para trabajar de manera constante, organizada y voluntariosa, para llegar, como siempre, a los mejores y más meritorios resultados.

Pain Of Salvation - 12.5

Book I: Genesis
1. Brickwork Part I (Leaving Entropia)

2. Brickwork Part II (This Heart Of Mine T5)
3. Brickwork Part III (Song For The Innocent)

4. Brickwork Part IV (Descend 1)
5. Brickwork Part V (Leaving Entropia)

Book II: Genesister
6. Winning A War
7. Reconciliation
8. Dryad Of The Woods
9. Oblivion Ocean
10. Undertow
11. Chainsling

Book III: Genesinister
12. Brickwork Part VI (Ascend 1)
13. Brickwork Part VII (Ascend 2)
14. Brickwork Part VIII (Second Love)
15. Brickwork Part IX (Ashes)
16. Brickwork Part X (Descend 2)

Pain Of Salvation es una RE banda que ya ha sido comentada en un post anterior.

12.5 es el primer disco en vivo de la banda, y cuenta con varias particularidades que pasaré a sintetizar.

Para entrar en contexto, este dico es grabado a partir de mayo del año 2003, para salir a la venta en febrero del 2004. Para este momento, la banda cuenta ya con un patrimonio de cuatro excelentes placas (Entropia (1997); One Hour by the Concrete Lake (1998); The Perfect Element, part I (2000), y Remedy Lane (2002), y tomará lo mejor de cada una para armar este perfectísimo álbum en vivo: 12.5. Hasta acá, nada fuera de lo normal: banda con varios discos y cierto éxito que toma sus grandes éxitos para sacar una nueva placa, pero en vivo. Algo así como el camino obligado.

Pero Pain Of Salvation, sacando 12.5, se destaca en dos puntos fundamentales:

Por un lado, el disco en cuestión es complétamente acústico, lo cual es bastante extraño tratándose de una banda fuertemente enraizada en el heavy metal, del cual se aprovechan bastante para obtener gran parte de su fuerza e identidad. Creo que ni siquiera bandas como Dream Theater, con algunos casos aislados, han encarado semejante proyecto (Digo "con algunos casos aislados" porque, efectivamente, existen una serie de grabaciones acústicas de DT, pero que no son más que sus temas rasgados en guitarra acústica). Sin embargo, Pain Of Salvation logra versiones acústicas que nada tienen que envidiar a los originales. NADA, realmente. Versiones súper completas y súper complejas que hacen que uno olvide de dónde vienen.

Lo que me lleva al segundo punto importante y distintivo. Este disco no se trata de un simple Unplugged o un simple vivo de la banda. Sino que, además, se toman el gran trabajo de reversionar sus propios temas, y con esto me refiero a realmente reversionarlos, no solo hacerlos acústicos; teniedo como resultado temas completos en un tono distinto y hasta opuesto al original (El caso de Ashes es un buen ejemplo: comienza en La menor, como el original, para transcurrir el resto todo en tono mayor); extrañas mezclas y adiciones en las melodías (Por ejemplo, un fragmento de La Marcha Imperial, de Star Wars dando vueltas por allí), etc.

Digo: lo buenísmo que tiene el disco (y la banda) es que no se quedaron en el arreglar sus temas para tocarlos con instrumento acústicos, sino que llevan su propia música a otro nivel, más profudo y personal, lo cual habla muy bien de la banda, que sabe aprovechar cada oportunidad para dar una vuelta de tuerca a lo que hacen. Está buenísimo ver a tu banda favorita tocar tus temas preferidos en vivo, concuerdo, y vivo festejándolo, pero mejor aun es ver a tu banda favoria, tocando tus temas preferidos de manera tal que dejen de ser tus temas preferidos, para volver a convertirse en tus temas preferidos (digo, las nuevas versiones). Y creo que de eso se trata el arte en general, o de eso debería tratarse: de reinventarse continuamente. No dedicarse unicamente a crear cosas nuevas desde cero, inventando algo nuevo, sino poder reinventar, y así, reinventarse a uno mismo, lugar del que, en definitiva nace toda expresión artística. Cuando esto no ocurre, tenemos muuuuchos ejemplos (que obviaré en este momento) para ver lo que sí ocurre. Lo curioso es que mientras menos reinvención y crecimiento personal hay en los grupos, más fanatismo genera a nivel masa, a nivel popular. Lo cual apoya la hipótesis de una masa en la cual cada elemento sobrevive como tal gracias a la identificación con todos y cada uno de los demás, dejando de lado la singularidad propia y esencial.

Que lo disfruten MUCHO!

Teru's Symphonia - Human Race Party

01. Human Race Party

02. The Clock

03. Midnith Dreamer

04. In The Back Of Welfare

05. After The Party

06. Twinkle Children

Teru's Symphonia es una banda dedicada pura y exclusivamente a deleitar a sus oyentes con el mejor rock progresivo sinfónico. Originarios del imperio del sol naciente, y liderada por el ex guitarrista de Novela, Terutsugu Hirayama, hacen lo que todo japonés: hacer las cosas bien, excelente (y voy avisando que vamos a poner varias bandas japonesas, así que feliz sea quien le guste el disco que estamos publicando aquí).

Siguiendo la línea de bandas como Marillion, IQ y otras del estilo, con un fuerte énfasis en los teclados, las secciones instrumentales y las melodías dulces y pegajosas, a la vez que sus letras cínicas y críticas, Teru's Symphonia sabe definir y explicar perféctamente de qué se trata la cosa, siendo contundentes y claros al momento de poner "lo suyo" sobre la mesa. En general, sus discos son de una diversidad musical y lírica realmente sorprendente, a lo que se suma la hermosa voz Megumi Tokuhisa, lo que los aleja de otras bandas de sus pagos, muy buenas, pero quizás más lineales, tanto musical como compositivamente, como es el caso de Gerard o Arsnova.
Así, Teru's logra ubicarse como otro de los niños prodigio del sello de música progresiva/sinfónica Musea, que tantas gratas sorpresas ha sabido darnos, siendo uno de los más destacados sobrevivientes de la casi extinta escena progresiva japonesa de los 80's, convirtiéndose en un verdadero y merecedor exponente.

Human Race Party es editado a finales de los 80's, precisamente en 1989, aunque no pierde esa frescura y excentricidad artística que caracterizó a toda la década, sobre todo en sus principios: ese sonido tan particular y tan atractivo que nos hablaba de peinados inflados y coloridos, maquillajes exagerados, ropajes colorinche y extravagantes.

Un lanzamiento realmente interesante y atrapante, sobre todo por las líneas melódicas que saben crear expectativa, estructuralmente perfectas y también perfectamente engarzadas con la hermosa y armónica voz de la vocalista nipona.

Un disco que cuenta con varias perlitas, de las cuales me siento obligado a destacar Human Race Party, Midnight Dreamer y la infantilísima y cínica After The Party.

En definitiva, un disco para escuchar, recomendar, y al cual recurrir en cualquier momento en que la ansiedad musical comience a despertarse en nuestros pechos.

Crucis - Los Delirios Del Mariscal

01. No Me Separen De Mi

02. Los Delirios Del Mariscal

03. Pollo Frito

04. Abismo Terrenal

Crucis fue una de las bandas más importantes y representativas de la escena progresiva Argentina en aquellos años 70's (aquellos tan recordados y anhelados, musicalmente hablando, años 70). (¡Carajo, cómo me gusta hacerles conocer bandas importantes de mi país!)

Formada en agosto de 1974 por Anibal Kerpel (teclados), Daniel Frenkel (batería), Gustavo Montesano (guitarra y voz), José Luis Fernández (bajo) y Pino Marrone (guitarra), para octubre del mismo año ya llenaban los teatros más importantes del país, éxito que sorprendió incluso a Charly García, quien se ofreció para producir el primer disco de la banda, Crucis, en 1976, logrando ubicarse en los charts como la segunda mejor banda del momento, justo detrás de Sui Generis, agrupación encabezada por el mismo Charly García en esos tiempos.

Así, sin demasiadas vueltas, Crucis se fue convirtiendo en una de las bandas del género que más éxito cosechó en nuestro país y en el exterior, girando, luego del lanzamiento del segundo disco, en 1997 (Los Delirios Del Mariscal) incluso por los Estados Unidos y sorprendiendo también allí por su virtuosismo y capacidad creativa y musical, gira luego de la cual anunciaron, sorpresivamente, la disolución del conjunto. Gran éxito en poco tiempo, corta carrera, pocos disco en su haber, y, así y todo, un recuerdo imborrable, para descansar por el resto de la historia en los anaqueles de los genios de la música y en las discotecas de cualquier persona que aprecie, aunque sea mínimamente, este hermoso arte, el de la música.

Los Delirios Del Mariscal, de 1977 es, como ya lo adelanté, el segundo y último disco de la banda (al menos durante su existencia efectiva, ya que en el año 2000 salió al mercado una Cronología que consta, justametne, de los dos discos en uno), decía, es el segundo y último disco de la banda, y el que los catapultó al mayor de los éxitos: el de ser reconocidos internacionalmente, cosa algo complicada, sobre todo en la escena artística, por esos años de mi país, fuertemente marcados por la censura y la represión de la dictadura militar más sangrienta de nuestra historia (tema para otro apartado).

Podrán imaginarse entonces que este disco tiene lo suyo (y ya lo comprobarán al escucharlo). Así, es un disco recontrarequetecompleto, de un genio incomparable, realmente sólido, homogéneo y de una creatividad realmente sorprendente.

Humilde cuantitativamente (son sólo 4 canciones), goza cualitativamente de un nivel hiperdotado, de una excelencia, de una calidad que poco y nada tiene que envidiar a las agrupaciones más influyentes de la escena británica, pioneros de la época y el género.

En definitva es una banda y un disco que no deben perderse, o que, en todo caso, lamentarán perderse, o mejor dicho, lamentarán haber dilatado la escucha el día que, habiendo hoy leido esta reseña sin hacerse de este ejemplar, lo escuchen y se transformen en adictos.

Salud!

King Crimson - Red

01. Red

02. Fallen Angel

03. One More Red Nightmare

04. Providence

05. Starless

Para info sobre la banda, remitirse a este post.

Red, disco editado en 1975, debo decir que es, a mi parecer, junto con Lark's Toungues In Aspic, uno de los mejores y más completos lanzamientos de la banda. Es un disco sin desperdicio, en el sentido más lato de la expresión: TODOS y cada uno de los temas que lo conforman son ESPECTACULARES y únicos en su especie, logrando demostrar, una vez más, la gran capacidad de Fripp, y de toda su banda, para expresar y transmitir algunas de las ideas y sensaciones más complejas por medio de las más profundas, armónicas y cínicas melodías y líricas.

Empezando por Red, canción instrumental que da nombre al disco y , con su cinismo y fuerza marca el sentido de los restantes temas, pasando por el casi bailable Another Red Nightmare, el experimento Providence y los dulces pero no tanto Fallen Angel y Starless, la banda británica logra nuevamente un trabajo de una solidez y consistencia inigualables, que los hace nuevamente merecedores de enérgicos y repetidos vitoreos.

Otro clasiquito de alto vuelo para el arcón de los recuerdos.

Emerson, Lake & Palmer - Tarkus

01. Tarkus. a) eruption, b) stone years,
c) iconoclast, d) mass, e) manticore,
f) battlefield, g) aquatarkus)
02. Jeremy Bender
03. Bitches Crystal
04. The Only Way (Hymn)
05. Infinite Space (Conclusion)
06. A Time And A Place
07. Are You Ready, Eddy?

Cuando hace no mucho publiqué el álbum de Emerson, Lake & Palmer, Trilogy, si bien lo considero un álbum clave de la banda, me quedó dando vueltas en la cabeza si era el adecuado pasra una primera aproximación (para quienes no conocieran la banda), o si me tendría que haber tirado por algún otro de los de la época dorada de la banda. Después me hice una pregunta: ¿si todos los discos de esa época (1970-1974) me parecen geniales, por qué no irlos publicando todos, de a poco? Aquí está la respuesta a esa pregunta: una segunda entrega.

En este caso les presento Tarkus, disco de 1971 (segundo disco de estudio de la banda), trabajo fundamental de la banda y del rock progresivo y sinfónico. Primero porque es uno de los primeros discos de rock (puede que hayan otros, pero definitivamente se encuentra entre los primeros) que, según pude rastrear, incluye este tan reconocido formato en la actualidad del rock progresivo y sinfónico, de temas de muy larga duración (arriba de los 20 minutos), separados en partes consecutivas que relatan una misma historia (como si fuera un disco conceptual, pero todo dentro de una misma canción). Este es el caso del primer tema del disco, que da nombre a la placa, Tarkus. Quienes hayan escuchado el disco de Jordan Rudess que publiqué hace un tiempo, lo habrán escuchado, personalizado por Rudess claro, y con las voces de Steven Wilson y guitarras de Neal Morse, entre otros.
En el formato LP original del disco de ELP, Tarkus ocupaba todo el primer lado, por lo cual el resto de las canciones (lado B del LP) quedaron un poco olvidadas, aunque de todas maneras vale la pena prestar atención a todo el disco, que es una joyita de principio a fin (aunque es cierto que una vez que termina Tarkus, uno queda como ecplisado esperando que a continuación suene algo similiar... cosa que no ocurre). Los temas Bitches Crystal, o A Time And A Place son buenos ejemplos del potencial de este disco más allá de la composición épica que le da nombre. El primero, Bitches Crystal, da una buena idea de la capacidad de la banda, no solo para el rock progresivo y sinfónico, sino también para todo lo relacionado con el jazz, blues y fusión. En cuanto a A Time And A Place, es una interesante muestra de cómo entendía la banda al hard rock.Segundo, porque es una joyita, al igual que todos los discos de la banda en la época 70-74, antes de su primera separación. Todos y cada uno de estos son un DEBER, en mayor o menor medida.