Avalanch - Muerte Y Vida

01. Angel De La Muerte

02. Muerto En Vida

03. Pies De Barro

04. Hoy Te He Vuelto A Recordar

05. Aprendiendo A Perder

06. Otra Vida

07. Caminar Sobre El Agua

08. Quién Soy?

09. Sombra Y Ceniza

10. La Prisión De Marfil

11. Bajo Las Flores

Avalanch es una banda española nacida en 1993, cuando Alberto Rionda, Francisco Fidalgo y Víctor García se unen a Alberto Ardines y Juan Lozano, ambos, grupos en busca de integrantes para una banda de rock.

Desde sus inicios la banda asturiana combinó los elementos más básicos del heavy metal, el rock moderno, el hard rock y algunos elementos del pop y del folk, y, ultimamente, lo que todos esperamos al entrar a este blog: rock / metal progresivo. Así, muestran ser una banda bastante flexible al momento tanto de componer como de grabar. Gracias a esta flexibilidad, la banda logró llegar a distintos públicos alrededor de toda España, así como también en varios países del resto de europla y américa latina, continente donde realizan giras de manera frecuente, cuestión indudablemente facilitada por la lealtad de la banda a sus raices y su idioma. Esto es: componen y ejecutan integramente en español.

Una banda bastante interesante, sobre todo por su variedad y capacidad de saltar de un estilo a otro de disco a disco... o incluso de tema a tema dentro de cada disco.

De todas maneras, debo reconocer que, cuando accedí al material completo de la banda, digamos que no me enloqueció. Más bien me hizo acordar a una banda que particularmente detesto: Heroes Del Silencio. Pero este disco no es el caso. Este disco es el caso que nombré más arriba cuando dije "y, ultimamente, lo que todos esperamos al entrar a este blog: rock / metal progresivo."

Efectivamente, en el año 2007 la banda se pone los pantalones, y decide demostrar que aparte de humedecer a las chicas y sacar de quicio a los fanáticos menos reflexivos, también podían con los eruditos y elitistas académicos. Y Muerte Y Vida es realmente un muy buen trabajo al respecto.

Personalmente este fue el primer disco que escuché de la banda, y cuando, a la expectativa, me encontré con que los anteriores no eran ni siquiera parecidos a esta gran obra, ni en calidad, ni técnicamente, ni en nada, realmente me decepcioné. Pero no fue culpa de la banda. Me hago completamente responsable por lo ocurrido, ya que fui yo quien realizó el camino inverso. Para quien venga de conocer a la banda desde sus trabajos anteriores, se encontrará en Muerte Y Vida, con algo realmente sorprendente, y hasta diría, inesperado, que va mucho más allá de lo que cualquier fanático de la banda podría esperar de la misma. De hecho, y esto es pura especulación mía, no me parecería raro que gracias a este disco, la banda haya perdido algunos de sus adeptos hasta el momento recaudados, para ganar alguno que otro de parte de los que antes los rechazaban.

Para sintetizar un poco, es un disco bien enérgico y comprometido. Cuenta con composiciones realmente envidiables, del más fino progresivo, a la vez que, gracias a la gran trayectoria de la banda en el ámbito más pop, cuenta con melodías en general pegadizas y recordables, pero en el buen sentido. Un sonido áspero y firme, que por momentos recuerda a bandas clásicas del hard rock como AC/DC, y por otros, se acerca a agrupaciones contemporaneas del rock progresivo como Dream Theater y O.S.I. entre otras.

Una perlita entre varios trabajos anteriores por los que, realmente, y sin querer ofender, no doy ni dos centavos.

Magic Pie - Circus Of Life

01. Circus Of Life: Welcome

02. Circus Of Life: Freakshow

03. Circus Of Life: What If...?

04. Circus Of Life: Trick Of The Mind

05. Circus Of Life: The Clown

06. Pointless Masquerade

07. Watching The Waters

Magic Pie toma forma en Noruega en el año 2001, de la mano de 6 músicos experimentados, y fuertemente influenciados por las grandes bandas de rock progresivo y sinfónico y hard rock de los años 70, como Yes, Deep Purple, Pink Floyd y Kansas, y en menor medida, de algunas más tardías y contemporáneas, como Dream Theater, Spock`s Beard y The Flower Kings.

De esta mezcla de influencias, surge una banda con un sonido y estilo realmente original, que le da una identidad única e inconfundible, y que se podría describir como portador de melodías poderosas, apoyadas y reforzadas por enérgicos riffs de guitarra y arreglos vocales realmente poderosos, mientras que se puede escuchar siempre como base de la estructura un sólido e incansable trabajo de bajos y órganos y sintetizadores que remiten automácticamente, sin reflexión alguna a lo mejor de los años 70`s, pasando por las melodías más emotivas y suaves hasta las más enérgicas y complejas, rozando por momentos al heavy metal.

Con estos elementos a su favor, la banda firma en el año 2005 con el sello sueco Progress Label, y editan su primer trabajo, Motions Of Desire ese mismo año. Disco que rápidamente da la vuelta al mundo haciendo a la banda conocida en los círculos progresivos de todo el globo, con un recibimiento más que positivo. Y no falta razón para ello.

Aprovechando este éxito, en el año 2007 la banda edita su segundo disco, Circus Of Life.

Este es un trabajo muy fácil de definir: Excelente. Aunque también podrían utilizarse otras palabras de semejante o mayor tenor valorativo. Circus Of Life es un disco impecable técnicamente, compositivamente, en cuanto a ejecución. Uno de esos discos que no tiene desperdicio, se lo escuche por donde se lo escuche.

Disco de índole conceptual, trata sutil e irónicamente, y como su nombre lo dice sin mucha vuelta, de lo que se trata el patético circo de la vida, en el que nos movemos día a día como si de algo muy serio e importante se tratara. Un circo que, como en todos, pululan los freaks (con sus respectivos y sistemáticos shows), los trucos e ilusiones mentales y ópticas, propiciadas por la multiplicadad y a la vez unicidad de egos y mascaradas, tanto de los cirqueros como de los espectadores, todo esto dirigido por los más notorios payasos, no extrañando que sean los maestros de ceremonias.

Es un trabajo que sabe llevarnos por distintos climas y emociones/sensaciones sin que siquiera nos demos cuenta del cambio de uno a otro, lo cual es facilitado por la fluidez y dinámismo de todas y cada una de las composiciones. Realmente recomendable.

Una banda que si bien no hace música cirquera, parece ser muy observadora en cuanto a los multiples personajes y absurdas escenas que rigen la vida cotidiana.

Anathema - A Natural Disaster

Disco Resubido por Óscar

01. Harmonium

02. Balance

03. Close

04. Are You There?

05. Childhood Dream

06. Pulled Under At 2000 Metres A Second

07. A Natural Disaster

08. Flying

09. Electricity

10. Violence

Algo ya dije sobre Anathema.

Sobre el disco, realmente me cuesta definirlo de manera objetiva, y esto porque es un disco que toca muy profundo, en todo sentido.

Continuando con la línea más atmosférica/espacial/postrockera y melódica lograda a la que Judgement terminó de dar forma, A Natural Disaster, del año 2003 agrega más elementos ambientales, sonidos aun más suaves y voladores y melodías también más suaves y emotivas, aunque manteniendo siempre ese tinte melancólico, que deja siempre al final un sabor amargo e inexplicable, aunque dejando casi totalmente de lado la veta más metalera con que la banda venía moviéndose (aunque aun no se aleja del todo, como sí lo hace en los distintos adelantos de disco que se pueden obtener en la página oficial de la banda http://www.anathema.ws/).

A Natural Disaster es otro disco fundamental en la carrera de la banda, que marca un nuevo giro en el estilo, que si bien, como dije arriba, se mantiene en esa línea de la melancolía y por momentos (muchos momentos) de la ironía y el cinismo explícitos, se convierte paulatinamente en una banda más accesible, cuestión facilitada por la suavidad y tranquilidad de la mayoría de las canciones que constituyen el disco. A su vez, esta suavidad y tranquilidad deriva también de, por un lado, la participación del guitarrista de la banda, Danny Cavanagh como vocalista principal en una de las canciones más hermosas del disco (Are You There?), a la vez que la Lee Douglas, hermana del baterista de la banda, y quien ya habïa participado en Judgement (en el tema Parissiene Moonlight), se convierte a partir de este trabajo en integrante oficial de la banda, teniendo un tema, también hermoso, y que da nombre a la placa, complétamente a su cargo en lo que a las voces respecta. Por otro lado, recomiendo mucho, a quien tenga la oportunidad, no perderse a esta muchacha cantando en vivo y a capella, es una experiencia para no olvidar. Tan chiquita, y con una voz tan contundente e impactante, una voz que pudo (puede) dejar helado a todo un auditorio lleno hasta cada uno de sus rincones.

En resumen, un disco que imprime una nueva vuelta de tuerca al estilo de la banda, pero sin quitarle identidad. Un disco realmente hermoso, en el sentido más concreto de la palabra, plagado de melodías emotivas y suaves, que saben evocar sin esfuerzo los sentimientos y recuerdos más profundos.
Especial para los emotivos y oscuros a la vez.

Caravan - For Girls Who Grow Plump in the Night

01. Memory Lain, Hugh / Headloss

02. Hoedown

03. Surprise, Surprise

04. C'Thlu Thlu

05. The Dog, The Dog, He's At It Again

06. Be Allright / Chance Of A Lifetime

07. L'Auberge Du Sanglier / A-Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards

08. Derek's Long Thing

Otra de las bandas de la Escena Canterbury, de la que hablé en otro post. Justamente desde que publiqué el disco de Camel me quedé con ganas de dar a concer algunas otras bandas de la escena, y en especial, un poco de Caravan, otra de las bandas que me movieron el piso cuando empecé a escuchar a los representantes de este movimiento. A decir verdad, Caravan fue la primera banda de la Escena Canterbury que conocí, y, en consecuencia, gracias a la cual nació mi deseo de conocer más. Y evidentemente mi intuición no me falló, porque Caravan es, junto a Camel, y algunas otras pocas, una de las bandas a las cuales es obligación dirigirse para definir el estilo. Otra de las bandas que a pesar de pertenecer al movimiento, supieron dar su toque especial, para no ser una más del montón, sino ser ella y nadie más que ella.

Caravan nace en 1968- cuando el movimiento de Canterbury estaba en plena agitación del nacimiento- formada por David Sinclair y Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan, luego de la disolución de la banda Wilde Flowers, de la cual eran miembros junto a otros músicos de la escena, como Robert Wyatt, Kevin Ayers, Graham Flight, y los hermanos Brian y Hugh Hopper, entre otros.

La banda tuvo la particularidad de ser la primera banda británica en firmar con un sello americano, Verve, con el que sacarían, ese mismo año (1968), su primer trabajo de larga duración, Caravan. Más tarde Verve cerraría su división Pop y Rock, y Caravan se movería a la firma Decca, sello que promocionaba a varias bandas del movimiento Canterbury, y con quienes editarían en 1970 If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You, gracias al cual la banda aparecería en la lista de Top Of The Pops.

Luego de su tercer álbum, Pink And Grey, de 1971, David Sinclair decide dejar el grupo, por lo que reclutan a un nuevo tecladista Steve Miller quien imprimiría a la banda un estilo fuertemente influenciado e inclinado hacia el jazz, estilo muy notorio en el cuarto disco de la banda, Waterloo Lily, gracias al cual la banda fue perdiendo adeptos, para desintegrarse finalmente al poco tiempo del lanzamiento del disco, quedando unicamente Hastings y Coughlan.

Pero no se dieron por vencido: Luego de reclutar al violero (de viola, no guitarra) Geoffrey Richardson, al bajista Stu Evans y al tecladista Derek Austin, la nueva formación se dedica a salir de gira durante algún tiempo. Luego Evans es reemplazado por John Perry, y en 1973 David Sinclair decide retornar al grupo. Con esta casi nueva formación la banda vuelve al estudio para grabar For Girls Who Grow Plump in the Night, reconocido incluso hoy en día como uno de los momentos más delicados y dedicados de la banda. Una vuelta que evidentemente trajo aparejado el buen efecto de un merecido descanso de estudio, al que volvieron con más ganas y mejores ideas que nunca.

Un disco con toda la fuerza y estilo del movimiento al que representan, al que se suma la iniciativa y capacidad de una banda sumanemte original y enérgica. Un disco para disfrutar de principio a fin.

Alas - Alas

01. Buenos Aires Sólo Es Piedra a) tango, b) sueño, c) recuerdo,

d) trompetango, e) tanguito, f) soldó

02. La Muerte Contó El Dinero a) vidala, b) smog, c) mal-ambo

d) amanecer, e) vidala again,

f) amanecer-tormenta, g) final

Bonus Track

03. Aire

Para mediados de los 70's, el multi-instrumentista argentino Gustavo Moretto decide dejar la agrupación de rock Alma Y Vida, con la intención de crear sonidos y piezas musicales más complejas. En busca de este objetivo es como crea Alas, junto a Alex Zuker (guitarra y bajo) y Carlos Riganti (batería y percusión).

La nueva formación, aun sin disco, para 1975 realiza su primera presentación en vivo en el teatro IFT, ganando, gracias al boca-a-boca, una gran fama en la escena del rock experimental argentino, cobrando especial aclamación sus presentaciones en vivo, gracias al gran virtuosismo de cada uno de sus integrantes. Para finales del 75', lanzan su primer single, Rincón, mi viejo rincón, una pieza con un aire claramente porteño, combación de elementos clásicos de rock, (tomados de la vieja experiencia de Moretto en Alma y Vida), del tango y del jazz, dando cuenta de la gran influencia del bandoneonista Astor Piazzolla.

De esta manera, ya desde sus comienzos la banda se perfila como uno de los representantes del jazz rock y rock progresivo más reconocidos de la escena argentina, de quienes muchos tomarían varias licencias, muchas veces sin cita alguna.

Los músicos de Alas son básicamente virtuosos del tango, rock y jazz. Esto hace que sea que la inserción de la banda en la escena progresiva sea más una consecuencia sin precendentes que un objetivo deliberado: La banda nunca buscó hacer rock progresivo, nunca persiguió esta etiqueta, pero la sola mezcla de estilos, los llevó inevitablemente a caer en el estilo, sin que siquiera se dieran cuenta. Es por esto que Alas, a pesar de su pertenencia a un estilo (o a varios que hacen uno... o no) ha quedado ubicada en la historia del rock argentino como una de las bandas más originales y representativas en lo que a rock progresivo, fusión y experimental se refiere. Una banda de aquellas...

Alas, de 1976 es su primer trabajo, aquél que siguió al lanzamiento del single Rincón, mi viejo rincón.

Para el momento del lanzamiento de este primer trabajo de larga duración, la banda ya era ampliamente reconocida por sus presentaciones en vivo, despliegues del más claro virtuosismo y técnica, haciendo los placeres de cada uno de sus espectadores, siempre dejando con ganas de más. Testigos presenciales me han hablado de estas presentaciones, haciendo que yo las disfrute y las añore hoy, año 2008, siendo un jóven que en esa época no había siquiera sido concebido. Añoranza que es reforzada por la escucha sistemática y exhaustiva de cada una de las obras de la banda (que, por otro lado, no son más que dos).

Sobre este disco de 1976, se perfila como una obra maestra del rock-tango-jazz (de la fusión de estos). Constando de tan solo dós tracks de larga duración (con sus respectivas partes), y un bonus, Aire, tema que constituía el lado B en el vinilo del single Rincón, mi viejo rincón, la banda nos presenta un trabajo que se construye a partir de largas secciones instrumentales con las muy eventuales irrupciones de la voz de Gustavo Moretto para contarnos alguna historia sobre Buenos Aires y el tango, el sueño, el recuerdo, y, más allá del paredón, la tormenta y su final.

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Camel - Mirage

01. Freefall

02. Supertwister

03. Nimrodel / The Procession / The White Rider

04. Earthrise

05. Lady Fantasy Suite: Encounter / Smiles For You / Lady Fantasy

Camel es una de las bandas más auténticas e influyentes del rock progresivo de los 70's. Así, es casi imposible no encontrar alguna reminiscencia a esta banda, aunque sea mínima, en cualquiera de los grupos de rock progresivo- y derivados- que nacieron, sobre todo, a partir de finales de los 70's.

Por su parte, Camel nace en 1971, en Gran Bretaña, aunque es concebida muchos años antes, en 1964, cuando los hermanos Latimer (Andrew e Ian Latimer) se juntan con sus amigos Alan Butcher y Richard Over y forman The Phantom Four. Algunos años después, en 1969, Andrew Latimer convoca al bajista Doug Fergusson y al baterista Andy Ward, y forman la banda The Brew. Finalmente, en 1971, logrando una suerte de amalgama entre ambas formaciones, Camel termina de tomar forma: Peter Bardens en teclados, Doug Fergusson en bajo, Andy Ward (en batería y percusión y Andrew Latimer en guitarra y voz.

En el año 1972 sacan a la venta su primer trabajo de estudio, trabajo homónimo y bien auténtico, que logra definir a la banda y su sonido en todos y cada uno de sus elementos. Trabajo de muy buena calidad, pero de escaso éxito, razón por la que la banda decide romper con la discográfica con la cual lo habían lanzado, para firmar contrato con Decca, sello bajo el cual editarán durante los siguentes 10 años.

El bien característico sonido de la banda logra explicar sin necesidad de concepto alguno de qué se trata la llamada Escena Canterbury: una inteligente mezla de rock y jazz con ciertos guiños a la psicodelia (Wikipedia), movimiento iniciado por David Allen, Rober Wyatt y Hugh Hopper, lógicamente, en Canterbury, Inglaterra. Camel es considerada una de las mejores y más representativas bandas del movimiento en cuestión, siendo una banda que desde sus principios experimentó con el jazz, el blues, el rock, la música clásica, y hasta con la música electrónica, creando un estilo único, piso y apoyo de muchas bandas originadas a partir de esa época.

Siendo parte de un movimiento como puede ser la Escena Canterbury, suena lógico objetar la real autenticidad e identidad de la banda: claramente, formar parte de un movimiento, implica elementos comunes a un grupo, que lo definen. Esto es cierto, arriba nombre dichos elementos (y los nombré dos veces, como si fuera apoco). Es cierto también que, efectivamente, Camel tiene todos estos elementos en común con otras bandas del movimiento como Caravan, Gong, Soft Machine, National Health, y Hatfield and the North, entre otras. ¿Qué es lo que hace entonces a Camel una banda tan auténtica, única, de las más representativas, de lo mejor de la escena? No sabría decirle con exactitud, pero sospecho que es su manera de hacer las cosas. Todos tenemos la capacidad de hacer muchas cosas en común con toda la raza. Muchos, efectívamente, hacemos muchas cosas (casi todas) que también las hacen los demás. Lo que marca la diferencia es el cómo se hacen, la actitud que se le imprime a la acción, el norte que la orienta, la iniciativa y energía que se le pone. Bien, Camel tiene mucho de todo esto, mucho en cantidad y mucho en calidad. Su norte: hacer las cosas a la mejor manera. Su iniciativa: toda. Su actitud: hacer música, hacer arte. En definitiva, ir hacia adelante. Es todo esto creo lo que convierte a Camel no en una banda de la Escena Canterbury, sino en La banda de la Escena Canterbury.

Luego de romper con el sello con el cual sacaran a la venta su primer trabajo, y firmar con la discográfica Decca, en 1972, editan su segundo trabajo oficial: Mirage. Vaya a saber uno por qué, si fue por la discográfica, si fue por la banda, o por lo que fuere, pero, a pesar de ser un disco que en su momento no fue muy exitoso en su tierra natal, inmediatamente tomó una singular importancia en los Estados Unidos, lo que desembocó en una gira de varios meses en dicho país; para luego, con el tiempo, convertirse en el disco más aclamado, más añorado, y de más exito comercial de la banda, disco gracias al cual mucha gente logró conocerlos. Exitoso a tal punto, que en algún momento llegó a editarse como álbum doble con el siguiente disco de la banda, The Snow Goose (siendo, lógicamente, The Snow Goose, el bonus track).

El disco también cuenta con la singularidad de que es la primera vez que Andrew Latimer se las ve con la flauta, realizando un desempeño bastante interesante y elogiable, convirtiéndose este en otro elemento que da sabor al disco en sí y a las creaciones posteriores de la banda.

Un disco más que interesante, más que agradable, más que la Escena Canterbury, y ni más ni menos que Camel.

Pulsar - Pollen

01. Pulsar

02. Apraisement

03. I. Puzzle, II. Omen
04. Le Cheval De Syllogie

05. Pollen

Pulsar nace en Francia a principios-mediados de la década de los 70', y por su estilo, muy ligado al rock progresivo sinfónico de la época, pero con un amplio uso de sonidos ambientales y atmosférico/espaciales, muchos strings y sintetizadores, ha sido- en su momento- comparada con Pink Floyd, llegando a ser bautizada por algunos como el Pink Floyd francés.

Me atrevería a decir que Pulsar es lo mejor y más grande que dio el rock progresivo francés, idea que no es sin razón. De todo lo que hasta el momento pude escuchar de la escena progresiva de dicho país, Pulsar es definitivamente la banda más completa y compleja. Cuando hablo de completud, me refiero no a que lo tienen todo, ya que si así fueran no se la podría catalogar en ningún estilo, ni siquiera en todos, sino que me refiero a que es una banda que sabe poner la cantidad exacta, ni más, ni menos de cada ingrediente. De más está decir, que siempre utiliza ingredientes de primerísima calidad. Así, por ejemplo, los sonidos espaciales a partir de teclados y sintetizadores son una característica de la banda: todos sus temas están llenos de de sonidos espaciales, teclados y sintetizadores: tienen un montón... pero no demasiado. Y eso ocurre con todos los elementos. Mucho, pero no demasiado. Siempre de primera calidad, pero sabiendo detener su ego allí donde seguir adelante sería caer en el absurdo.

En cuanto a la complejidad, de nuevo, no me refiero a lo difícil, ni a lo trabado, ni a lo matemático, ni a lo académico. No. Es una banda de sonidos complejos, en el sentido de profundidad, en el sentido de llegada, en el lograr, mediante una simpleza más que cruda, llegar hasta los más hondo del alma humana, generando las más diversas emociones, generando los más diversos ambientes.

Les propongo el ejercicio de tomar cualquie disco de la banda y escucharlo, sin distracciones, en un reproductor personal, un mp3, un discman, un walkman, con sus respectivos auriculares. Verán a qué me refiero. Entenderán a lo que apunto.

Pollen, de 1974, es el primer disco de la banda, con el cual, ya desde la primera melodía se manifiestan todas estas características distintivas de a las que arriba llamé la atención. Ya desde el comienzo del disco se palpa la promesa que la banda mantendrá en pleno cumplimiento a lo largo de toda su carrera. Es un disco misterioso. Desde la primera escucha, desde el primer minuto de música logra generar una suerte de misterio, de curiosidad, de deseo de seguir adelante sin importar que ocurra alrededor. Un diso que sabe mantener al oyente atento. Un disco para escuchar en momentos concretos, y en este sentido, un disco ritual: como ocurre con Dark Side Of The Moon y otras joyas de la música, son discos que no se ponen de fondo mientras uno charla con amigos, o mientras habla por teléfono, o mientras limpia el piso. Son discos que requieren ser escuchados, requieren de contextos afines. No digo que pongan velas y agua de rosas para escuchar un disco; me refiero más bien a que son discos que requieren de cierta atención, de cierta entrega, de cierta prioridad. Y no sólo lo requieren, sino que generan esa necesidad ritual.

Les propongo otro ejercicio: Pongan Pollen a sonar mientras hablan con algún amigo, por ejemplo. Luego me dicen si pudieron mantener la conversación. Digo, no sería raro que la atencíón les pida orientarse hacia la música, por lo que lo antes posible intentarán sentarse a escucharlo sin distracciones, haciendo algo que no pretenda captar su atención.

Porcupine Tree - Arriving Somewhere...

01. Revenant (Intro)

02. Open Car

03. Blackes Eyes

04. Lazarus05. Hatesong

06. Don't Hate Me

07. Mother And Child Divided

08. Buying New Soul

09. So Called Friend

10. Arriving Somewhere... But Not Here

11. Heartattack In A Layby

12. The Starf Of Something Beautiful

13. Halo

14. The Sound Of Muzak

15. Even Less

16. Trains

17. End Credits

Sobre la banda ya hablé en un post anterior.

Arriving Somewhere... es en realidad un rip del Audio del DVD del mismo nombre. Este recital no salió en formato CD/audio.
Se trata de la presentacíón en vivo del disco Deadwing, que publiqué hace un tiempo en estemismo blog. Tal como en dicho disco, la banda se pasa: un estilo único, plagado de cinismo e ironía, que se puede no solo detectar en sus letras, sino oler en cada uno de los acordes que suenan.

En cuanto al la performance en vivo, una ejecución realmente impecable. Una banda que decididamente pasa la prueba final que muchos dicen es el vivo.

Por otro lado, a todo aquel que le guste la banda, le recomiendo conseguirse el DVD, porque, aparte de la excelente presentación en vivo (musicalmente hablando), la edición del video es realmente de las mejores que vi en mucho tiempo; muy de acuerdo a la propuesta musical y estética general de la banda.

Bubu - Anabelas

01. El Cortejo De Un Día Amarillo

02. El Viaje De Anabelas

03. Sueños De Maniquí

Bubu es una banda Argentina de la década del 70 de rock progresivo, experimental, sinfónico, y todas las etiquetas que le quieran poner. Es que realmente no se me ocurre dónde ubicarla, ya que su variedad y a la vez maestría en la ejecución la hacen inetiquetable, lo cual es algo bueno. Muy bueno. Ahora bien, lo curioso es que tanta variedad haya sido desplegada en tan solo un disco, de tan solo 3 temitas. El que acá les presento, Anabelas, del año 1978.

Bubu es una banda que se va de experimental. Saben de progresivo, saben de sinfónico... saben de música. Es una banda que tranquilamente podría codearse con las bandas de la época dorada del rock progresivo experimental, hayá a fines de los 60 y principios de los 70, pudiendo ser comparada tranquilamente con las más representativas bandas del movimiento Rock In Oposittion iniciado en el Reino Unido por los legendarios Henry Cow. Y es más, me atrevo a catalogarla como el respresentante argentino de dicho movimiento.

Una banda que se destaca por la aparente asonancia y la complejidad de sus melodías, desarrolladas por medio una gran variedad de instrumentos, que van desde los más tradicionales para el rock progresivo, como guitarras y bajos, acústicos y eléctricos, teclados, percusión y baterías, pero a los que se agregan elementos más raramente encontrados en el género, como flautas, saxofones, acordeones, silbatos de distintos tipos, violines y otros instrumentos clásicos (en el sentido del tipo de música, no de la tradición) de cuerdas, entre otros.

Una banda con fuerza, con originalidad, que toma elementos de los más clásicos y los combina con toques de jazz, música folclórica argentina, y rock fusión entre otros.

Una banda única como su disco, única como pocas. Una verdadera lástima que no hayan seguido adelante, sacando más material.

Sobre el disco Anabelas... ya lo dije todo.

Bacamarte - Sete Cidades

01. Portais

02. Ritual Da Fertilidade

03. Filhos Do Sol

04. Espritos Da Terra

05. Mirantes Da Estrelas

06. Carta

07. Canto Da Esfinge

Es hora de volver por un rato a latinoamérica.

Bacamarte nace en la década de los 70's de la mano del multinstrumentista, arreglador y compositor brasileño Mario Neto, cuando este muchacho no contaba más que con unos precoces 14 años de edad. Y, lamentablemente fue gracias a su edad que no pudo mantener la banda reunida durante mucho tiempo, desbandándose también de manera precoz.

En 1977, con algunos años más (17 años, para ser exactos) Neto decide volver a rearmar la banda con un nuevo equipo de músicos, con quienes en 1978 graba la opera prima de la banda, Depois Do Film. Neto, advertido sobre la preminencia en la época de la música disco, decide guardar las cintas, ya que consideraba que en ese momento pasarían inadvertidas y sería trabajo echado a perder. Asi, en 1984, cuando la escena progresiva vuelve de a poco a ocupar su lugar privilegiado, presuadido por un amigo, el ya no púber Mario Neto, decide enviar las grabaciones a una radio local, obteniendo una gran respuesta por parte del público brasileño. Finalmente, para principios de 1983 el disco es lanzado al mercado.

El sonido de la banda se podría describir como una combinación entre el rock progresivo y experimental de principios de los años 70's, fuertemente influenciado por el folclore brasileño, con una fuerte preminencia en las guitarras y arreglos de Mario Neto, secundado en general por los teclados, y la recurrente presencia de instrumentos más tradicionales como la flauta y el acordeón.

A toda esta maraña se suman el hecho de que todas sus canciones están integramente cantadas en portugués, lo que da y afirma la identidad de la banda, como latinoamericana, respetuosa de sus raíces y como poseedora de un estilo propio y original.

En 1999, más de 15 años después de su primer trabajo, Mario Neto edita Sete Cidades, a partir de la compilación de distintas grabaciones realizadas por la banda en los años 80. Así, es en general considerado como un trabajo solista de Mario Neto, en el sentido de que es quien se ocupó de compilar, editar, mezclar, etc, todo el material... Aunque no está de más decir que incluso el álbum anterior, salvo por la ejecución, depende todo de este genio creador. Ojo, también es cierto que Bacamarte no seria tal si no fuera por los músicos que efectivamente grabaron la música.

Es un disco que personalmente me ha gustado mucho más que Depois Do Film, aunque también lo recomiendo. Quizás por tenerlo más escuchado, quizás por el tipo de melodías, o por las temáticas que el disco ronda, no sabría en realidad explicarlo del todo bien. Puedo decirles sí que ambos trabajos son esenciales, de muy buen gusto, y realmente deben estar en la discoteca de todo amante del rock progresivo, sinfónico y experimental. Y por qué no, también del no amante, pero presto a recibir novedades y aprender todos los días algo nuevo

Derek Sherinian - Planet X

01. Atlantis Part 1: Apocalypse 1470 B.C.

02. Atlantis Part 2: Sea Of Antiquity

03. Atlantis Part 3: Lost Island

04. Crab Nebulae

05. Box

06. Money Shot

07. Day In The Sun

08. State Of Delirium

09. Space Martini

10. Brunei Babylon

Derek Sherinian es un músico con una carrera realmente notable.

Comenzó tocando el piano de su familia a la corta edad de 5 años, con lo cual tomó un amor tal por la música, que decidió dedicar sus años de secundaria a estudiar en el Berklee College Of Music de Boston, donde conoció a al bajista Will Calhoun (Living Colour, Megadeth), y al guitarrista Al Pitrelli, con quienes tocó durante algún tiempo.

Concluido el tercer trimestre en la prestigiosa escuela, comienza su carrera profesional junto al que fuera baterista de Jimi Hendrix's Band Of Gypsies, quien buscaba tecladista para formar un grupo que tocaría R&B en distintos clubes en todo Estados Unidos.

Para 1989, su antiguo compañero de estudios Al Pitrelli, en ese momento director musical de Alice Cooper, lo invita a unirse a la banda del legendario rockero, con la cual realizaría más de 250 conciertos en la gira del álbum multiplatino Trash. A los dos años, en 1991, gracias a la recomendación de Eric Singer, Sherinian es reclutado por Kiss para tocar en la gira Revenge. Para suerte del tecladista, durante esa gira se graba Alive III, que sería su primer álbum con la banda y el que lo catapultó a la fama. Finalizada la gira, Sherinian se dedica durante un año entero a practicar y tocar la guitarra, logrando un muy buen desempeño, buscando dejar los teclados para dedicarse a las 6 cuerdas. Para esas épocas, Dream Theater busca nuevo tecladista, gracias a la reciente baja de Kevin Moore. Sherinian no duda entonces en alistarse para audicionar. El resultado: Derek Sherinian, nuevo tecladista de Dream Theater, donde se desempeña como tecladista oficial de la banda durante 4 años (1994-1998), participando en 3 discos de la banda.

Luego de ser reemplazado en Dream Theater por el aclamado Jordan Rudess, Derek Sherinian comienza su carrera solista. En 1999 edita su primera placa de estudio: Planet X, que sale a la venta por el sello Magna Carta, y cuenta con la participación del baterista australiano Virgil Donati. Es gracias a este disco que Sherinian y Donati deciden convocar a algunos otros músicos para formar una banda a tiempo completo, del mismo nombre que el disco en cuestión: Planet X. A partir de ese momento Derek Sherinian comienza una carrera combinada, dedicándose por momentos a Planet X y en otras ocasiones a sus discos solistas, repletos de colaboraciones, como la de John Petrucci, Zakk Wylde, Slash, Billy Idol, Steve Lukather, Simon Phillips, entre otros renombrados artistas, a la vez que sigue participando como sesionista en giras de grandes músicos, formando parte, por ejemplo, junto a Doggie White de una de las tantas bandas de gira del egocéntrico guitarrista de metal neo-clásico Yngwie Malmsteen (Recital del que pude disfrutar a pocos metros del escenario jeje).

El disco en si no solo da un nombre a la nueva banda, sino que le otorga un estilo. Es un disco en el cual Sherinian logra final y realmente demostrar todo lo que su larga y agitada carrera le ha dado, todo lo aprendido, gracias a lo cual ha podido crear un estilo bien propio y original, inmediatamente reconocible por el oido atento. Este disco marca el camino de lo que será la carrera solista del tecladista. La banda Planet X es muy buena e interesante, como también lo son el resto de los discos solistas de este gran artista, pero ninguno de estos existiría hoy de no ser por la incursión lograda a través y a partir del disco Planet X de 1999, que le otorga al músico una identidad propia y definitiva.(teniendo en cuenta que se trata de un músico acostumbrado, hasta ese momento, a tocar para otros, siguiendo sus reglas)

John Petrucci - Suspended Animation

Disco Resubido por David

01. Jaws Of Life

02. Glasgow Kiss

03. Tunnel Vision

04. Wishful Thinking

05. Damage Control

06. Curve

07. Interlude

08. Lost Wothout You

09. Animate-Inanimate

John Petrucci es un guitarrista dificil de describir. No gramatical o semanticamente, sino a nivel estilo. Para entenderlo es MUCHO MÁS SIMPLE escucharlo y/o verlo. En resumidas cuentas, puedo decirles que es un música sumamente técnico (obsesivo al máximo), aunque, a diferencia de la mayoría de los músicos técnicos, tiene la capacidad de imprimirle más que corazón a cada una de sus creaciones. La combinación es inevitablemente agradable. Como claros ejemplos podemos escuchar los míticos solos de, por ejemplo, Overture 1928, The Spirit Carries On o Stranje Dejavù (Metropolis pt.2, de Dream Theater).

Por otro lado se maneja muy bien tanto con shredding como tocando a velocidades humanamente posibles, otra combinación que lo ayuda mucho y que va de la mano con lo arriba expuesto.

Este tipo de técnica es posible solo gracias a una gran disciplina y constancia. Según cuenta la historia, Petrucci comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, con sesiones de práctica de hasta 6 hs diarias, junto a su colega y amigo bajista John Myung, con quien también estudiaría luego en el Berklee College Of Music, donde conocerían al baterista Mike Portnoy, con quien formarían Dream Theater.

La gran técnica y capacidad de Petrucci para componer y ejectuar piezas de gran complejidad y a la vez de una belleza sorprendente le han valido convertirse en uno de los guitarristas más reconocidos del mundo, habiendo sido incluso invitado a más de una gira con Joe Satriani y Steve Vai y otros guitarristas, en las ya conocidas G3, alrededor de todo el mundo.

Entre las influencias de este gran artista podemos encontrar a los ya nombrados Joe Satriani y Steve Vai, Al Di Meola, Alex Lifeson (Rush), Steve Howe (Yes), Allan Holdsworth y a Stevie Ray Vaughan. Sin embargo, en palabras del propio Petrucci, su más grande influencia, a quien se refiere cada vez que se le pregunta, es el legendario guitarrista de hard rock Steve Morse (actual Deep Purple)

Suspended Animation, del año 2005, es el primer disco solista de John Petrucci. Un disco que extraña se haya hecho esperar tanto, teniendo en cuenta la agitada y activa carrera del guitarrista desde finales de los años 80's.

Es un disco realmente increible desde todo punto de vista. Todas y cada una de las composiciones gozan, como es de esperar, de una técnica impecable, a la vez que son de una complejidad y belleza inigualable. Por otro lado, a pesar de la cantidad de años en que Petrucci demostró sus talentos a través de Dream Theater y algún que otro proyecto aislado, en este disco se puede reconocer un estilo completamente distinto al que el maestro nos tenía acostumbrado. Si bien se trata de un disco donde el metal progresivo es el plato fuerte, todos los componentes del disco dan cuenta de un estilo que nada tiene que ver con Dream Theater, o cualquier otra participación anterior de Petrucci. Así, es un disco que hace un claro homenaje a las influencias directas del músico, con claras reminiscencias a Rush, Satriani, Vai, Howe, y obviamene, Morse.

A mi entender, una nueva faceta del músico. Una faceta escondida por mucho tiempo, o quizás tan solo en desarrollo y esperando el momento preciso para darse a conocer. Como sea, una pieza que realmente vale la pena escuchar.

Dream Theater - Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory

Disco Resubido por David

01. Regression

02. Overture 1928
03. Strange Déjà Vu
04. Through My Words
05. Fatal Tragedy
06. Beyond This Life
07. Through Her Eyes
08. Home
09. The Dance Of Eternity

10. One Last Time
11. The Spirit Carries On
12. Finally Free

Un poco más de Dream Theater nunca viene mal, sobre todo cuando se trata de un disco como el que acá les traigo.

Como ya comenté en otro post, Metropolis Pt.2: Scenes From A Memory es algo así como la obra maestra de Dream Theater.

Metropolis Pt. 2... es un álbum conceptual, que narra una única historia, acerca de un joven que mediante una hipnosis descubre y elabora su pasado, relacionado con el amor, el asesinato y la infidelidad de Victoria Page. La historia que se relata en el disco es una historia real, ocurrida, como bien lo sugiere el 2do track, en el año 1928, con el detalle de que Dream Theater cambió los nombres de los protagonistas de esta historia verídica.

Es considerado como el mejor disco de la banda, hecho "con mucho cariño", según las palabras de John Petrucci. Y el origen y el especial amor que la banda misma ha puesto en este disco tienen su historia propia (y bastante singular), independientemente de la que narra a través de cada una de sus impecables piezas musicales.

Como bien lo sugiere el nombre del disco, se trata de la segunda parte de algo; obviamente de un Metropolis Pt. 1. Bien, este Metropolis Pt. 1, no es un disco, sino que es una canción que formó parte del segundo disco de la banda, Images And Words, de 1992 (otro disco más que elogiable). El nombre exacto de esta canción fue Metropolis Pt.1: The Miracle And The Sleeper. Hasta acá, nada de otro mundo. Lo que da el toque singular a esta secuela, es que, al momento de componer la primera parte de Metropolis, este tema del segundo disco, la banda no tenía intención alguna de hacer una segunda parte, y este aditamento del "Parte 1", era tan solo una suerte de broma. Lo cierto es que The Miracle And The Sleeper se convirtió en ese momento en una referencia obligada de la banda, por lo que los fanáticos, ansiosos, comenzaron a pedir la segunda parte. Fue solo después de continuas súplicas y peticiones por parte de los fanáticos que la banda decidió trabajar en esta segunda parte (¡menos mal que lo hicieron!).

Tal como había ocurrido con la primera parte, comenzaron desarrollando una segunda que formaría parte del cuarto disco de la banda, Falling Into Infinity. Finalmente, este tema no fue incluido porque la discográfica se negaba a lanzar un álbum doble (necesario por la duración del disco en caso de incluirla).

De todos modos, grabaron un demo de aquella canción de 23 minutos, la cual al comenzar a trabajar en el quinto álbum, iría tomando forma y evolucionando para convertirse finalmente en un álbum completo: Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory.

Otra nota interesante, es que el disco inaugura la tirada de discos conceptuales que la banda irá desarrollando luego.

Por otra parte, es el primer disco en el cual participa Jordan Rudess como tecladista oficial de Dream Theater (incluso el demo grabado durante las sesiones de Falling Into Infinity contaba con los teclados de Derek Sherinian), influencia que se nota desde el principio y en adelante, no sólo por el estilo de este gran tecladista, sino por el aumento en la calidad y presencia de las secciones instrumentales en las que el teclado es el protagonitas.

Como todos los discos de la banda, es técnica y musicalmente impecable. A esto se le suma una sensibilidad y capacidad sugerida en todas las obras anteriores y posteriores de la banda, pero explotada al máximo en esta. Quizás de ahí el cariño con que Petrucci habla de este disco... o quizás fue gracias a este cariño que la obra fue y es lo que es.

Pink Floyd - Dark Side Of The Moon

01. Speak To Me / Breathe

02. On The Run

03. Time / Breathe Reprise

06. The Great Gig In The Sky

07. Money

08. Us And Them

09. Any Colour You Like

10. Brain Damage

11. Eclipse

¿Qué puedo decir de Pink Floyd que no se sepa? Bueno, supongo que muchas cosas, pero por ahí tampoco yo las sé. Cuando tengo que escribir algo sobre este tipo de bandas, estos monstruos de la música, siento que hacerlo es faltarles el respeto, a ellos por no necesitar presentación, y a sus oyentes, por suponer que puede haber algún amante de la música (realmente amante de la música) que no sepa nada al respecto. Es un dilema ético (?).
Voy a intentar ser escueto.

Pink Floyd es y fue una de las más grandes bandas de rock de la historia. Formada oficialmente por Syd Barret, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright en 1967- antes pasaron otras formaciones y otros nombres-, la banda se destacó en su momento por ser los pioneros del rock psicodélico y experimental, estilos que se puede recorrer ampliamente en sus primeros discos (The Pipper At The Gates Of Dawn, A Saucerful Of Secret, Atom Heart Mother).
Este rock psicodélico y experimetnal no venía de cualquier lado, y no era sin consecuencias: el consumo de drogas pesadas como el LCD tenía una participación activa y protagónica en esta psicodelia. A medida que la banda fue creciendo, al consumo de drogas se suma el estresante modo de vida y presiones habituales a una banda de rock que comienza a ser de los grandes, lo cual termina por traer consecuencias funestas en la salud mental del guitarrista, compositor y, hasta ese momento, líder de la banda, Roger "Syd" Barret. Sus conductas se tornaban cada vez más inadecuadas e impredecibles, lo cual afectaba gravemente las presentaciones en vivo, por lo cual la banda llamó a un amigo de Barret, David Gilmour para que lo asistiera en voces y guitarras cuando su estado mental no le permitiera desempeñarse adecuadamente. Esta solución no resultó práctica, y simplemente, dejaron de incluir a Barret en los conciertos, para ir tomando poco a poco Gilmour su lugar de guitarrista y vocalista principal de la banda. Para abril de 1968, Barret ya estaba oficialmente fuera de Pink Floyd, quedando así definida la formación que fuera la definitiva hasta 1985, cuando Roger Waters, intermibables batallas legales por los derechos de la banda mediante, la dejará para dedicarse a su carrera solista, cediendo los derechos a Gilmour y Mason, quienes junto a Wright como músico sesionista, continuarán hasta 1994 con el legado de Barret (aunque con el estilo de Gilmour).

Dark Side Of The Moon, de 1973, es, sin lugar a dudas, la obra más aclamada de la banda. Concebido según los mismos autores en una serie de sesiones de improvisaciones en las que la consigna era "toquemos una hora en Mi menor", Dark Side... es una obra conceptual que enfonca una serie de temáticas de la vida moderna, que giran alrededor del nacimiento, el tiempo, el dinero, los conflictos armados, los viajes, las enfermedades mentales y la muerte, presiones cotidianas que pueden llevar a alguien a la locura, y que requieren de una lucha sin cuartel para no caer en ella. En palabras de la mismísima banda:

"Pensamos que podríamos hacer algo sobre las presiones que personalmente sentimos que nos llevan a ir demasiado lejos... la presión de hacer mucho dinero, el tema del tiempo, el tiempo yéndose tan rápidamente; estructuras de poder organizadas, como la Iglesia o la política; la violencia o la agresión. Es una versión musical de ese cliché "Hoy es el primer día del resto de tu vida". Habla acerca de trabajar por metas que pueden convertirse en engaños"

Esta temática se hace patente no solo en las letras de las distintas canciones, sino también en la continua inclusión de sonidos sampleados que dan la idea de locura (risas cínicas y perversas, frases sin coherencia contextual alguna), sonidos de ambiciosas máquinas contadoras de dinero, multiples alarmas de relojes y campanadas, que dan la desesperante sensación de sentir que el tiempo se acaba y todo debe ser hecho en tiempo y forma, so pena de ser castigado, y el viejo y reconocido latido del corazón, entre otras, que despierta la sensación de interioridad, de introversión, y, en definitiva, de soledad, tomando como referencia última la idea de al vida como un ciclo, que comienza, se desarrolla y termina, y la lucha por poder vivir este ciclo sin pagar el connocimiento de la verdad por medio de la locura... o aceptando pagarlo, conociendo las consecuencas.

Contando con un sonido único y revolucionario para la época en que se editó, sonido a cargo de Alan Parsons, el disco no tiene desperdicio. Todas y cada una de sus composiciones son espectaculares, sorprendentes, increibles, lo más, etc. Desde el primer segundo del álbum, logra atraparnos para hacernos sentir, a medida que se desarrolla, todas y cada una de las sensaciones a las que refiere y en las que se apoya: desesperación, ambición, que el tiempo se nos acaba, que la muerte y la locura acechan, que el ciclo termina... que el ciclo comienza... que el desarrollo es una esquizofrenia colectiva de la cual solo algunos tenemos la suerte de salir, no sanos, sino con daños menores.

Como verán, una composición del todo optimista. Así y todo, crudo, triste y desesperante como es, sigue siendo una de las mejores obras del rock de la historia, un deber, una órden, un disco que cambia la manera de vivir de aquel que accede a él por primera vez, y que, de alguna manera, rige la de quien ya lo escuchó y lo hizo propio.

PS. Bien. No pude ser escueto.

Marillion - Misplaced Childhood

02. Pseudo Silk Kimono

03. Kayleigh

04. Lavender

05. Bitter Suite

06. Heart Of Lothian

07. Waterhole (Expresso Bongo)

08. Lords Of The Backstage

09. Blind Curve

10. Childhood's End

11. White Feather

Marillion se forma en Alyesbury, Inglaterra, en 1979, finalizando la década de los 70's, a través de la cual las bandas de rock progresivo y sinfónico y experimental habían aparecido una detrás de otra, siendo el furor del momento (independientemente de si lograban o no algún éxito o permanencia).

En este contexto, nace Marillion con una nueva propuesta musical: lo que, retrospectivamente, algunos llamarán rock neo-progresivo (Pendragon es otro exponente del género que vale la pena explorar).

Así, el estilo de la banda (que para muchos nace con Script For A Jester’s Tear, de Marillion) abre una nueva perspectiva dentro del rock progresivo y sinfónico de la época. Marillion introduce un sonido caracterizado principalmente por su hondo contenido emocional- que sabe despertar en el oyente las sensaciones más vívidas y profundas, acompañando coherentemente los climas que la música sugiere- letras con contenido más bien dramático y catártico, sumando a todo esto la frecuente puesta en escena de imágenes y dramatizaciones que dan cuenta de lo que la música quiere significar, como lo harían la ópera o el ballet.

El estilo en sí, es el resultado de una cuidadosa composición y arreglos, relegando a un lado toda improvisación y accidente; caracterizando las líneas melódicas de guitarras limpias y emotivas, combinadas y acompañadas por modernos teclados etéreos que a veces flotan sosteniendo la composición, y en otras ocasiones hacen las veces de riff principal. Estilo en el que se puede reconocer facilmente la influencia de bandas como Genesis, Yes, Camel, y Pink Floyd.

Sin embargo, es un grupo que se ha dedicado a evolucionar continuamente, pudiendo ser ubicado en muchos géneros y subgéneros, dependiendo desde donde se los mire y la época de las grabaciones: rock neo-progresivo, rock sinfónico, progresivo sinfónico, rock épico, rock clásico o simplemente rock.

Misplaced Childhood es el tercer disco de estudio de la banda, y su más grande éxito a nivel comercial (contando con su single más exitoso, Kayleigh, nombre sugerido por el cantante de la banda, Fish, haciendo referencia, por un lado a una ex novia- Kay Lee-, y por el otro, a la tendecia de la época a utilizar ese nombre en recién nacicas)

Editado en 1985, Misplaced Childhood sabe explicar sin conceptos todo lo necesario para entender qué hace y cómo lo hace Marillion (todo eso que perdí el tiempo explicando más arriba).

Es el primer disco conceptual de la banda, formado básicamente por dos secciones contiguas, que en el vinilo original se encuentran separadas por el lado A y lado B del disco. Según se cuenta, en las presentaciones en vivo de la banda, Fish, como adelanto del disco, hablaba de un nuevo álbum que constaría unicamente de dos tracks, una de cada lado, idea que fue evidentemente dejada de lado. Por otro lado, en algún momento de sus presentaciones, el aclamado vocalista anunciaba "Es el momento de una nueva canción que se llama Misplaced Childhood", anuncio que desembocaba en la ejecución del disco completo.

La historia relatada en el disco es esencialmente una catársis acerca de la pérdida del amor, el éxito temporal, y, sobre todo, la aceptación de las cosas, la aceptación del sí mismo, de lo que uno es, aceptación con la cual viene al final, si se logra, siempre una grata sorpresa. Según el vocalista, la idea del álbum vino a su mente durante un largo viaje de ácido de unas 10 horas, conteniendo así muchas de las canciones datos autobiográficos. Asi, Kayleigh refiere a una ex novia del cantante, mientras que Heart Of A Lothian hace referencia a una región de Escocia (tierra madre de Fish), como al nombre que da Sir Walter Scott a Edinburgh en una de sus novelas (The Heart of Midlothian).


PS. ¿No está re bueno el arte de tapa? ¿O estoy muy quemado?

Roine Stolt - The Flower King

01. The Flower King

02. Dissonata

03. The Magic Circus Of Zeb

04. Close Your Eyes

05. The Pilgrims Inn

06. The Sounds Of Violence

07. Humanizzimo. a) twilight flower, b) the messenger

c) the nail, d) only human, e) this is the night

f) the flower of love

08. Scanning The Greenhouse

Roine Stolt es un guitarrista y compositor sueco que comenzó su carrera en la década del 60' como bajista, en una banda de rock local, sin trascendencia alguna. Para 1974 se convierte en el guitarrista oficial de una banda profesional de rock progresivo llamada Kaipa, con la cual comenzaría su carrera dentro del rock progresivo, género que aparentemente le gustó mucho porque una vez que empezó, nunca más lo dejó.

Para 1979 deja Kaipa y forma lo que sería la primera banda fundada integramente por el: Fantasia, con la cual graba dos discos. En 1983 la banda se diluye y Roine comienza su carrera como músico solista y sesionista.

Luego forma parte también del super grupo de rock progresivo Transatlantic (Junto a Neal Morse y Mike Portnoy, entre otros), y de la más jóven banda The Tangent.

Hace un tiempito publiqué un disco de una banda llamada The Flower Kings, banda que fuera precísamente formada por Roine Stolt. Como ya conté en en ese espacio, la banda fue formada por Roine en 1995 junto con los músicos que lo acompañaron en las presentaciones en vivo de un disco solista. Precisamente su primer disco solista, The Flower King, del año 1994.
De esta manera, el disco que aquí les presento, no sólo daría el nombre a la banda en cuestión, sino que sería su basamento musical, técnico y compositivo.

Como sería de esperarse, The Flower King(s) tiene(n) algo especial. Algo gracias a lo cual la banda pudo tener una química especial, algo que impulsara a su compositor a convertir esa gira en un proyecto de tiempo completo. Efectivamente, el disco tiene algo especia. ¿Qué? No lo sé. Pero al escucharlo se siente que lo tiene.
El disco cuenta con la clara influencia de bandas ícono del rock progresivo y sinfónico de los 70's (donde se apoya el estilo de la banda), como por ejemplo Yes, tomando distintos elementos del jazz y el rock fusión, lo cual logra un estilo bastante caractérístico, que a la vez que es todos esos géneros, no es ninguno de ellos, generando continuas reminiscencias... o mejor dicho, deja vù's, porque en una reminiscencia uno recuerda algo... en el deja vù, lo ubica como ya vivido, pero no logra recordarse cuándo, dónde, cómo, etc. Es lo que ocurre con este disco: Si, claro, tiene cosas de Yes, tiene jazz, tiene fusión... pero tiene algo más, algo que está, que se reconoce... pero no llega a palparse. Y es ese elemento de misterio lo que da a este disco (y luego a la banda que dará origen) todo su potencial, toda su fuerza.

No me queda más que recomendarlo. En todo caso, pueden leer la reseña del disco de The Flower Kings (que será prácticamente igual a esta :P)

Queen - A Night At The Opera

01. Dead On Two Legs
02. Lazy On A Sunday Afternoon
03. I'm In Love With My Car
04. You're My Best Friend
05. '39
06. Sweet Lady
07. Seaside Rendezvous
08. Prophet's Song
09. Love Of My Life
10. Good Company
11. Bohemian Rhapsody
12. God Save The Queen

Queen es considerada por muchos (diría por la mayoría) como la mejor banda de rock en toda la historia de la música. Personalmente, siempre he hablado de Queen como la mejor banda que hubo, que hay y que habrá.
Formada en el año 1970 por el fallecido Freddy Mercury, junto con los ex integrantes de la banda Smile, Brian May y Roger Taylor, a quienes un año después se sumaría el bajista John Deacon, Queen ha sido una una banda que se ha destacado en una infinidad de aspectos:
Por un lado, la banda nunca sufrió cambio alguno de integrantes: Sus cuatro fundadores fueron la formación definitiva hasta 1991, momento en que le fallecimiento de Freddy Mercury disolvió la agrupación. Este hecho habla de colaboración, comprensión y buena relación, todas características determinantes en un buen grupo, y que cuando fallan se hace inmediatamente notorio.
Por otro lado, la gran variedad y talento, tanto vocal como musical, de la banda siempre fue realmente apabullante: rock, rock and roll, jazz, blues, heavy metal, rock sinfónico, rock experimental, jazz. Todos estos estilos, y más, que ahora no se me ocurren, formaron parte de algún trabajo de la banda. Lo que da cuenta de una versatilidad y flexibilidasd inigualable, a la vez que de una increible capacidad para componer sin importar el estilo, logrando siempre un resultado óptimo, a lo largo de 30 años de carrera.
Con un sónido único y reconocible por cualquier persona que alguna vez haya escuchado algo de rock, lo que sea, en Queen pueden reconocerse muchos de los elementos que en la actualidad son la base de sub géneros del rock, pero que para esta banda, no eran más que una mera parte, integrante de un todo completo, equilibrado y homogeneo.
Son todos estos elementos los que hicieron que Queen sea lo que fue, lo que es y lo que siempre será. Esta banda considerada como la mejor banda de rock de la historia, que luego de más de 10 años de disuelta (aunque con un extraño intento de reunión, de la mano de Paul Rodgers), siga ubicada como la banda con más ventas de las últimas 3 décadas.
Son todos estos elementos los que hicieron que hoy en día Queen sea escuchada, alavada y admirada por fanáticos de todo tipo de géneros, sin dejar ninguno de reconocer la gran tarea que la banda llevó y lleva a cabo en la historia de la música.

A Night At The Opera, de 1975, es sin duda su obra cumbre.
Plagada de espectaculares instrumentaciones de índole clásica, de innumerables y sorprendentes coros (que, por otro lado, son realizados tan solo por los cuatro integrantes de la banda), de una energía y un empuje inigualables y de un sonido realmente propio y original, A Night At The Opera fue el álbum que dijo la última palabra acerca de lo que Queen venía a hacer a este mundo. Fue el álbum que calló a los escepticos y criticones, el álbum que dejó al mundo con la boca abierta, sin poder pronunciar palabra alguna por un largo tiempo, hasta que lograran recuperarse del golpe.
De principio a fin, A Night At The Opera logra captar la atención. Quien escucha A Night At The Opera se transforma en algo así como un zombie. La posiblidad de desenfoque, de disperción, se diluye completamente durante los 43.05 minutos. Un disco que hipnotiza, que imprime una huella imborrable desde la primera escucha, que no permite que ninguno de los temas que lo conforman pase desparecibido. El resultado: uno de los pocos discos que, incluso con pocas escuchas, ya nunca se olvida.
El disco cuenta con melodías y estilos de los más variados: llamados al rock más pesado y cínico, casi metalero (p.ej. Dead On Two Legs), melodías más cirqueras y bromistas (p.ej, Lazy On A Sunday Afternoon), reminiscencias al fox-trot y swing (Seaside Rendezvous), baladas de lo más emotivas y tocantes (p.ej Love Of My Life), y, como si fuera poco, la obra épica de la banda, aquella que todos conocen, aquella que emociona tanto al fanático más agitado como al oyente accidental: Bohemian Rhapsody. Tema del que no voy a decir nada. Quien no lo conozca (cosa rara esa), que lo escuche, y se sume al grupo.

Queen es una banda de la cual hay mucho para decir, a la vez que hay muy poco. Hay mucho para decir, mucho más de lo que dije, porque los elogios que se le pueden hacer nunca acabarían, porque la variedad y capacidad músical de la banda da para discernir acerca de infinitos estilos, porque la capacidad individual de cada integrante del grupo puede ser tema de largas conversaciones, generalmente coincidentes en la espectacularidad y a la vez simplicidad. Hay muy poco para decir, porque no es necesario decir nada. Basta con escucharlos. Probablemente dije demasiado.

Yes - Close To The Edge

01. Close To The Edge

02. And You And I

03. Siberian Khatru

Bonus Tracks

04. America (Single Version)

05. Total Mass Retain (Alternate Version)

06. And You And I (Alternate Version)

07. Siberia

Yes es quizás la banda más conocida en la actualidad en lo que a rock progresivo sinfónico respecta. Una de esas bandas de las cuales aunque sea "se escuchó hablar". Esto no es sin razón, ya que desde sus inicios, el trabajo y sonido de Yes fue realmente algo nuevo y revolucionario, teniendo en la actualidad uno de los sonidos y estilos más característicos, de esos que permiten reconocer a una banda por más que no se conozca la canción o se haya escuchado unas pocas veces a la banda, lo que habla de un grupo con una capacidad única para ser únicos.
EL grupo nace en Inglaterra en 1968, fuertemente influenciado por grupos más bien experimentales como The Beatles, The Who y The Moody Blues, sumado al sonido quizás más melódico de bandas como Crosby, Stills & Nash (and Young).
La banda supo evolucionar rápidamente y ganarse un lugarcito privilegiado entre las bandas contemporáneas del género: Más duros y menos dramáticos que Genesis, menos electrónicos y más rockeros que los entonces psicodélicos Pink Floyd, Yes se supo caracterizar por recargadas armonías, que tomaban diversos elementos del jazz, la música clásica y experimental, sumado a líricas de misterioso contenido onírio y poético y composiciones mayormente en formato melódico de canción.

Close To The Edge, de 1973, es, a mi entender, un trabajo épico. Una obra cumbre, tanto para la banda como para toda la escena del rock progresivo sinfónico de la época (y de la historia). Siendo el quinto álbum de estudio de la banda, marca un giro y una tendencia con respecto a los trabajos anteriores (tanto de Yes como del resto de la banda): Siguiendo la línea de Tarkus, de Emerson, Lake & Palmer, pero siendo recibido de manera más rápida (gracias al camino trazado a partir de 1971 por ELP), es gracias a este disco que se imprime finalmente la tendencia a discos en los cuales aparece un solo tema épico, de mayor duración, que es el que dará el sentido y significado al resto, y finalmente, a la totalidad del álbum, estructura que luego se repite en otros discos, como Relayer (que incluyó "The Gates of Delirium") y Going for the One' (que incluyó "Awaken").
En cuanto al sónido de Close to The Edge, a pesar de ser un disco que marca tendencia, no deja de ser un disco de progresivo clásico, de principio de los 70's. Así, mantiene el estilo de toda esta época en Inglaterra: un sonido más bien crudo y poco retocado, plagado de strings y colchones de teclados etéreos y angelicales, y largas secciones instrumentales en las que se privilegia a los riffs y solos de guitarra y teclados, a cargo de Steve Howe y Rick Wakeman, respectivamente.

Close To The Edge es la puerta de entrada a un camino de ida. Quienes no lo conozcan, estén preparados para ya no volver a mirar hacia atrás. Quienes lo conocen están ya- como yo- completamente perdidos.

King Crimson - Larks' Tongues In Aspic

01. Larks' Tongues In Aspic, Part 1
02. Books Of Saturday
03. Exiles
04. Easy Money
05. The Talking Drum
06. Larks' Tongues In Aspic, Part 2

Tentar un recorrido histórico de King Crimson sería realmente dificultoso (por no decir agotador). No por que la banda tenga una historia poco convencional, rara o complicada, sino porque la característica principal de la banda, a nivel historia es lisa y llanamente el constante cambio de integrantes, siendo él único miembro estable en todos y cada uno de los discos de la banda hasta la actualidad, su guitarrista y socio fundador, Robert Fripp. Así y todo, según la filosofía de vida de Fripp, el no es más que un integrante más del grupo, ni más ni menos lider que los demás. Para él, King Crimson no es una banda, sino una manera de hacer las cosas. En este sentido, los constantes cambios de miembros reflejan distintas maneras de hacer las cosas, en distintas épocas (o mejor dicho, en distintas etapas).

En este contexto, podemos decir que King Crimson es una banda que siempre ha contado con la capacidad de encontrar infinitas maneras de hacer las cosas, a la vez que siempre ha mantenido y ha sido fiel a sus raíces. Esto es, a pesar de los constantes cambios de forma, la esencia nunca se perdió. La perseverancia y permanencia de Fripp en el proyecto ha sido siempre la prueba más palpable.

Y así es como podemos entonces definir King Crimson, en palabras de su fundador, como una manera de hacer las cosas. Ahora bien, yo agrego: una manera de hacer las cosas bien. Porque si hay otro testigo de la fidelidad a los orígenes es la constancia en el hacer bien. King Crimson es una banda que desde sus comienzos, en 1968, se ha caracterizado por mantener una línea de excelencia.

Sin apresurarse ni dormirse, King Crimson ha sabido no descepcionar. Y es así que siempre ha sabido destacarse entre las bandas pioneras del rock progresivo clásico. Y en este caso en particular, cuando hablo de rock progresivo lo hago de la manera más específica y neta del término. Si hay una banda de los 70's a la que se le puede llamar de rock progresivo sin caer en la duda de qué otros términos se ajustarían a su proceder, es esta, King Crimson. Si hasta ahora hablé de características que hacen a la historia de la banda, si tengo que hablar de cuál es la esencia a nivel técnico/musical es el Ser progresiva. Y este Ser es en mayúscula, porque va más allá del ser o estar, del ser de la pertenencia, del ser del tener. es un Ser que habla de la esencia misma, es un Ser sin el cual la banda no tendría existencia alguna. King Crimson encarna el Ser mismo del rock progresivo (experimental, para la época en que nacieron). King Crimson no hace, no compone, no toca rock progresivo. King Crimson Es rock progresivo: Así, si King Crimson es una manera de hacer (ha-de-ser), el rock progresivo es su manera de Ser: King Crimson ha-de-Ser Rock Progresivo. (¿me siguen o me fui al carajo?)

Larks' Tongues In Aspic, es un disco en el cual se puede apreciar claramente el Ser y una singular manera del Hacer.

Hace un tiempo estaba indeciso acerca de cuál sería la mejor opción al momento de publicar un disco de esta maravillosa banda. Por un lado, porque considero toda su obra de excelente calidad. Por el otro, debo reconocer, que a pesar de todo, no tengo todo completamente escuchado, y temía no elegir adecuadamente. Así que consuté al respecto a mi querido amigo Garrison, amplio conocedor de esta manera de hacer. Su respuesta fue inmediata y sin meditación alguna: Larks' Tongues In Aspic. Pregunté ¿Por qué no Red, o Three For A Perfect Pair, o Discipline? Su respuesta agitó mi curiosidad: "Porque Larks Tongues In Aspic sintetiza todo lo que Es King Crimson".

Digo que me despertó curiosidad porque me costaba entender cómo el quinto disco de una banda con más de 20 trabajos, entre estudio, vivos, ep's, etc. puede ser el más representativo de la banda. Entendía perfectamente que podía sintetizar los cuatro discos anteriores y dar la pauta de los inmediatos posteriores; pero ¿Cómo preveer los más de 15 trabajos posteriores del grupo? Por lo tanto, me dispuse a investigar esta fuerte afirmación, mediante la escucha exhaustiva del material disponible (bueno, no tanto, pero sí me escuché todo lo que tengo, aunque sea un poco de cada uno). Y efectivamente: King Crimson está en Larks' Tongues In Aspic. Larks' Tongues In Aspic Es King Crimson. Tanto antes como después de este la banda es de una y otra forma, pero siempre Es la misma. Y ese Ser la misma queda pautado en Larks' Tongues In Aspic, y ya nunca se va. Con cada nuevo disco, uno empieza a captar una nueva forma que de a poco se va diluyendo hasta dejar en claro quiénes son y qué hacen allí. ¿Y qué mejor definición para el arte que Hacer el Ser? (que no es lo mismo que ser lo que se hace)

Big Muff Project - The Elfo Sessions

01. Sailing Home

02. Pig Tree

03. Pearls Before Swine

04. L' Absinthe

05. Patchwork

06. Cerberus Reise

07. Ariel's Song

08. Green Light$ On Love

09. A Meditarean Tale
10. Eleonora's Song

Bonus Track

11. Walkaway Blues

Big Muff Project. Esta banda es casi un misterio. Estuve, literalmente, HORAS buscando alguna información de esta gente, sin éxito alguno. Cada vez que creía estar siguiendo la pista correcta, zaz!, terminaba llegando a algún sitio sobre el pedal para guitarras Big Muff (esto me ocurrió varias veces). Don Google parecía no saber absolutamente nada de ellos. Llegué a la banda en una de mis arriesgadas búsquedas por "progressive rock", como a muchas otras agrupaciones, pero en este caso, parecía que la consecución de este disco sería la única pista de ellos, un error del destino que no habría de repetirse. Hasta que, nuevamente, por pura casualidad, di con el MySpace de la banda. De más está decir que todo lo que diga sobre ellos, entonces, es lo que allí dice, pero en inglés. Con lo cual, no será más que un simil de dicho texto (y un resumen).

La banda fue formada a finales del año 2000 en Piacenza, Italia, por Max Marchini, quien venía de varios años tocando el bajo y componiendo en soledad. Luego de, a pesar la juventud de la banda, un considerable cambio de integrantes, Marchini se reune con su viejo amigo y hábil guitarrista Beppe Lombardo, que acababa de volver a Piacenza, con quien había tocado en 1979 en algunas fechas cuando eran universitarios. Luego de algunos ensayos con el baterista Paolo Mansi y el multi-instrumentista Fabiano Spiga, Big Muff estaba formada. Al poco tiempo se les une el vocalista Gregory Chiesa, quien completará la banda. Poco tiempo después, con algunas grabaciones completadas y 10 más de canciones compuestas, Paolo Manso y Fab Spiga dejan la banda. Al poco tiempo también se iría Gregory Chiesa, quien dejaba la música progresiva para unirse a una banda de heavy metal local.

Luego de una árdua búsqueda dan con el percusionista Patrizio Rizzi, quien se une a la banda, dándole a la banda un estilo más étnico/folclórico (aunque de todas maneras, cantan en inglés).

Abiertos ahora a las colaboraciones externas, el nombre de la banda cambia a Big Muff Project, y participan en un disco homenaje a los Beatles, por los 40 años de Sgt. Pepper's Lonely Heart Band, donde realizan un medley con con "A Day In The Life", "Lucy In The Sky With Diamonds" y "Within You, Without You" (disco que por otra parte, debería conseguirme).

Para el año 2006 graban su primer trabajo de estudio, que tengo con el nombre The Elfo Sessions, aunque podría tranquilamente ser un nombre descriptivo, ya que fue grabado en los estudios Elfo. No puedo ser más específico al respecto. Tampoco sé si efectivamente esta es la versión final, o si el disco nunca salió a la venta. Lo cierto es que lo que aquí comparto con ustedes es un trabajo impecable, tanto en sonido como en técnica y composición. Un trabajo que no puedo parar de escuchar, y que no sabía si si publicar o no, más que nada porque no contaba con nada de información. Menos mal que mi suerte al respecto cambió.

Sobre el disco, tiene un sonido realmente impecable. Un disco equilibrado y armónico, que goza de una homogeneidad envidiable. Las composiciones van desde lo más meloso y emotivo, hasta los signos más manifiestos de rock progresivo sin vueltas. En general recorren líneas melódicas y riffs que suenan bastante cínicos (aun no me puse a analizar/entender las letras), lo que le da un toque bastante particular, y que por momentos me trae deja vùs de Porcupine Tree. Lo cual es algo súmamente positivo, al menos en mi caso, que soy un asiduo escuchador de dicha banda.

Tempano - El Fin De La Infancia

01. Tres

02. El Timorato

03. Lugar De Casas Nuevas

04. Sin Retorno

05. Grillos

06. El Fin De La Infancia

07. Escape Para El Hombre Común

08. En La Vía

Siguiendo un poco con bandas clásicas, y dando la vuelta al mundo, nos ubicamos nuevamente en latinoamérica, a fines de la década del 70.

Caracas (Venezuela), año 1977. Cuatro músicos inspirados y orientados por las corrientes sinfónicas y progresivas del rock europeo de fines de los 60's y principio y resto de los 70's, Gerardo Ubieda (batería), Pedro Castillo (guitarra), Miguel Angel Echevarreneta (guitarra) y Leonardo Arias (bajo), se reunen con la idea de cualquier músico que se precie de serlo: hacer música, y sobre todo, hacer la música que les gusta escuchar. Luego de algunas otras incorporaciones más bien eventuales, se une al grupo un tecladista, Giuglio Della Noce, y Pedro Castillo pasa a ocupar el lugar privilegiado de vocalista (para los más bien escasos trabajos cantados): Témpano ha nacido.

Luego de un árduo trabajo, la banda logra sacar su primer álbum, que sería el primer disco de rock sinfónico en toda la historia de Venezuela: Atabal-Yemal. A partir de ese momento, la banda comenzaría a crecer descomunalmente, haciéndose conocida tanto en Venezuela como en el resto del mundo, pero los integrantes de la banda tomarían cada uno rumbos distintos.

Luego de casi 20 años sin producir nada juntos, los integrantes originales de Témpano vuelven a juntarse en el año 1998, convocados por el sello francés de música progresiva Musea, con la propuesta de lanzar una reedición de Atabal-Yemal. Así es que ese mismo año la nueva mezcla sale a la venta, y, tan solo un año después (en 1999), la banda edita un nuevo álbum, que aquí les presentamos, El Fin De La Infancia.

El disco, a pesar de los distintos rumbos que los integrantes de la banda tomaron en los años que pasaron separados, logra traer desde el lejano 1978 un estilo completamente fiel a lo que la banda era ya desde sus inicios. El mismo estilo, rock progresivo clásico y delicado, con ese tan sabroso toque de clasicisimo sinfónico, con largas orquestaciones e impactantes secciones de teclados y guitarras, pero con un sonido que bien hace gala de los 90's, (casi dosmiles). Un disco que bien podría ser una reedición de algún trabajo setentoso perdido en los anales de la historia, o frustrado por las exigencias de las épocas.

Es, en su mayoría, un trabajo instrumental, contando con algunas (aunque pocas) secciones cantadas, sin llegar a ser canciones completas.

Acostumbrado al "latinoamericanismo-volvedor-a-las-raíces" que ha inundado los últimos 10 años, debo reconocer que cuando accedí a esta banda, no le tenía mucha fé. Hasta que di play y escuché los primeros 10 segundos del disco. Hoy agradezco haberle dado la oportunidad a una banda de un lugar como Venezuela, que no se destaca justamente por el rock progresivo y sinfónico. Una banda realmente 10 puntos (si contamos del 1 al 10... si fuera del 10 al 20, sería una banda 20 puntos).

Nuevamente la música me ayuda a limpiarme de prejuicios estúpidos. Los invito a permitirse este mismo trabajo.